Biografía de Lennon

A través del Moleskine de Iván Thays me entero que Anagrama publicó la biografía de más de ochocientas páginas sobre John Lennon escrita por Phillip Norman, la cual se puede adquirir por unos nada modestos 34 euriales, que bien los valen dado el volumen del libro y una que otra fotito en couché que debe venir, como siempre ocurre en este tipo de obras. En El Cultural , apareció una excelente reseña de Pérez de Albéniz que permite hacerse una idea de la profundidad de la obra.

Lennon fue uno de los príncipales motores creativos del grupo de rock más grande la historia, los Beatles, así es que por mi parte espero que esta obra aterrice luego por estos pagos, y que ojalá no llegue a un precio exórbitante como siempre ocurre con la colección de Ensayos de Anagrama. O a ver si se vende bien y baja pronto a la colección Compactos, cuyos precios hacen que mi encorcetado bolsillo respire con tranquilidad. En fin que no me lo pierdo.

Ver libro en el catálogo de Anagrama

quizás la única idea en la que Lennon creía como si fuera un dogma...

Otros diez años en viñetas

Se acerca el 2010, y con él comenzamos a cerrar otra década mas. Por lo mismo empiezan los balances y todos queremos ser participes de la criba que filtra las obras memorables de la paja molida. Y en este caso los bloggeros dedicados al mundo de la viñetan han dado el pistoletazo de salida y se han puesto a discutir o revisar rankings con las obras más significativas de este decenio. Y como siempre hay de todo, autores geniales e incombustibles como Alan Moore, que se hace presente con Promethea, o Grant Morrison que con All Star Superman demostró que no existen personajes malos sino que malos artistas (frase que si bien es tópica, muchos olvidan con desmesurada facilidad), ya que en esta maravillosa obra el escóces resucito a un verdadero cadáver del noveno arte como es el hombre de la gran S. Por otra parte, y aún mas significativamente esta el hecho de que el comic underground o de autor ya no lo es, ya no esta en el margen, sino que comienza a invadir los anaqueles donde antes solo habían obras literarias en una hermosa batalla en la que ganamos todos los lectores voraces. Ahora tenemos fácil acceso a obras tan significativas como Breakdowns de Art Spiegelman o El cátalogo de novedades ACME de Chris Ware. En este sentido y como bien dice Pepo (en un artículo que pueden leer revisando el link de más abajo) hay verdaderos hitasos como Pérsepolis de la Satrapi, que si bien no ha llegado a librerias por estos pagos, ha hecho que mucho ente libresco se acerque a una comiqueria, y de paso agarre otra cosilla además de la Satrapi. En fin, los tiempos estan cambiando como diria el bueno de Bob Dylan, a ver que nos depara el futuro, por mientras no esta demás partirnos el seso sobre las obras más importantes de esta década, o de paso comentar la experiencia de algún lector converso que haya visto iluminada su vida por el mundo de las viñetas, que haya descubierto el poder de las palabras o los dibujos en un cómic (manga, BD, comic-book, novela gráfica) antes que en alguna forzada lectura infantil.

Aquí dejo tres links interesantes dónde se puede checkar este debate:

"Los mejores cómics de la década" en el Ciudadano Pop

"Los mejores de la década según ROCKDELUX" en Es muy de cómic (Pepo cuelga la lista que aparece en la ROCKDELUX de aniversario por sus 25 años, en el link se puede leer el artículo que el mismo Pepo publica en la revista, más la lista con los links a las reseñas de las obras elegidas)

"Los 25 mejores cómics de esta década" en CH999

Recuerdos ajenos

"La lectura es el arte de construir una memoria personal a partir de experiencias y recuerdos ajenos. Las escenas de los libros leídos vuelven como recuerdos privados"

Ricardo Piglia en Formas Breves

Esto va a próposito de lo que escribi sobre Man on Wire, gracias a Mis_Polainas, colaborador silencioso de este humilde rincón del averno, estamos todos esperando que salga a la luz.

TR3S (formas de descender al infierno por una mujer)

La dalia negra de James Ellroy

El cadáver de Elizabeth Short aparece descuatizado sobre una acera en Los Ángeles; la jungla de asfalto ha dado a luz un fruto de su cosecha roja. Los periodistas la bautizan como la dalia negra, por su parafernalico peinado. Bucky Bleichert y Lee Blanchard son un par de duros policias, que se vuelven parte de una casta de malditos, al hacerse cargo del caso. Para resolver el misterio del asesinato de Betty Short deberán pegrinar por las entrañas de un Hollywood que en las pantallas parece un sueño eterno, pero que los policias verán que no es más que un infierno, en el que descuartizar a una aspirante a actriz no es más que un eslabon de una cadena de pestilencia y horror. El autor de L.A Confidential y Mis rincones oscuros se basa en un caso real y en su experiencia personal, su madre también fue violada y asesinada, para delinear una road movie que traslada a los lectores directamente al séptimo circulo, haciendolos parte de la búsqueda por una verdad, que al final no interesa, porque lo importante es saber si se puede vivir después de mirar al abismo.

Lo cristalino y Help a él de Rodolfo Fogwill

Escritor, poeta, editor, publicista, consultor de empresas y cocaínomano retirado. Rodolfo Fogwill es un experto a la hora de autoretratarse como un outsider, ajeno a cualquier forma de stablishment literario. El presente volumen contiene dos piezas de distinta naturaleza. Lo cristalino, trata acerca de la pregunta por el arte: un pintor en busca de su estilo, sueña que un escritor le propone pinra un cuadro que "por efectos de la perspectiva" y el "tratamiento de la materia del color" emule la visión de una persona. Puestas en abismo caracterizan los devaneos mentales del artista en suspensión, en este texto que es aparentemente leve y etéreo. Diametralmente opuesta, la segunda pieza del libro es la hipersexual nouvelle Help a él (1982), doble enedemoniado del Aleph borgeano, narra la historia de un hombre enamorado de la suicida Vera Ortiz Beti. El protagonista al visitar a su padre y a su hermano, sube a la habitación de esta y se sumerge en un tour de force sexual, donde jugara al cambio de roles y al fetichismo con su Beatriz Viterbo. Todo, por cortesía de una extraña droga que difumina la realidad, tal y como lo proponen los dos textos.

Así que usted comprendera de Claudio Magris

Claudio Magris (Trieste, 1939) es un multifacético personaje de las letras italianas; académico ,prolífico ensayista y dramaturgo, en los 90" comenzó su incursión en la narrativa dando obras tan notables como Microcosmos (1997). Estuvo casdo con Marisa Madieri, quien también oficiaba de correctora de textos, que falleció en 1996 producto de un cáncer fulminante. El dato es insoslayable a la hora de abodar Así que usted comprendera, texto estructurado a partir de un monólogo de una mujer que esta interna en una Casa de Reposo, quién le cuenta al presidente de esta lo que ocurró tras encontrarse con su amante: un poeta que consiguio un permiso extraordinario para poder verla. Magris reescribe el mito de Orfeo a partir de su propia Euridice, cambiando el Hades por la Casa de Reposo, a medio camino entre el mito y la realidad, con un sólido fondo poético y forma drámatica, el escritor italiano siempre preocupado por los límites, esta vez opta por estar entre la vida y la muerte: "Era yo su tierra pérdida, la sabia de su floración, de su vida. Había venido para rescatar su tierra de donde había sido exiliado."

Las ideas estan en el aire

Dos de las mejores películas de este año, en el fondo ¿son la misma película? (Notese como Walt y Carl usan los pantalones de la misma forma).

Moebius al habla

Acabo de leer esta entrevista en el blog de Pepo a Moebius, donde el hombre se despacha unas cuantas perlitas. La entrevista aparecio en La Vanguardia, pero la quitarán en unas horas más asi que han de leer desde el blog de Pepo.

Escoja la viñeta de su infancia...

La soledad, y a través de ella, el descubrimiento del poder sin límites de la imaginación y de la observación de las cosas: una mosca, el agua, la hierba..., todo.

¿Y por qué esa soledad?

Mi infancia fue muy plácida, pero era hijo único de adultos que trabajaban y pasaba mucho tiempo solo. Descubrí el poder del dibujo muy precozmente, con cuatro años. Mi primera lectora fue mi abuela, una mujer sencilla y buena; fue tan entrañable su reacción que aquel primer halago fue la raíz de toda mi historia como dibujante.

¿Qué ha conquistado?

Que usted esté aquí: cada pregunta suya es una victoria, el resultado de mi trabajo para conquistar el interés. Ser entrevistado es un privilegio que nadie conoce en la vida normal; es un requerimiento de autenticidad.

Pero no sucumbió a ello.

Tengo dos aspectos como tengo dos firmas: una gran capacidad de bucear en mi interior y también una buena capacidad de comunicar; no me da miedo el otro.

¿Eso lo aprendió entonces?

Aprendí algo esencial que ha constituido mi filosofía de vida: el error, la imperfección, es lo que nos permite abrirnos para cambiar y conocer al otro, porque la fuerza (la intelectual, la física, la de seducción) cierra, levanta un velo y deja fuera al otro. Al fuerte sólo le salva un agujero en el velo. Los otros entran en nosotros como el agua, que nunca sube, siempre fluye hacía donde no hay impedimentos.


Leer entrevista integra AQUÍ

Retrato de un artista parado en un cable

Se supone que mi ostracismo duraba hasta el 20 de noviembre, y a pesar de que no he terminado mi tesis motivo por el que no debria volver, aquí estoy de vuelta en el vicio bloguero. Y he querido volver tras el reciente visionado del documental Man on wire de James Marsh, obra que se me ofrecio como una suerte de viento fresco y poético, en medio de una actividad, de una escritura tan cosificante como la académica. Y es que no hay día en que no me cuestione lo que hago, un textucho que no leera nadie, en fin que es el último paso para que me den el famoso cartón, que de buena gana romperia apenas este en mis manos, y esto no lo digo influenciado por el visionado del documental, muy por el contrario, son pensamientos que me atormentan cada tanto. O quizás sí, lo digo alentado por el documental, quizás vi el documental adrede, me busque en él, busque cierta topografia emocional y sentimental en su propuesta, no hace mucho lei que un escritor cuyo nombre no recuerdo dijo algo como que leemos para buscarnos a nosotros, o algo así como leemos solo aquello en que nos reflejamos. Realmente no recuerdo quien lo dijo, parece que fue Vila - Matas, de lo único que estoy seguro es que no lo dije yo, pero quizás si lo pensé y de pronto lei a Vila - Matas (pongamos que fue Vila - Matas, que escribe tanto y tan bien) y encontre mi pensamiento, mi idea en su escritura. Pero que estoy diciendo, si estoy a años luz de Vila - Matas, el asunto claro, es que las ideas están en el aire y más de una persona puede llegar a la misma por distintos caminos. Y más aún con una idea tan básica como de la que estoy hablando. Cualquier buen lector, es más cualquier lector constante, habrá pensado lo mismo, porque cualquier lector (u espectador, perdón por los cinefilos) que consuma peliculas o libros con cierta voracidad, lo hará para buscarse en cierta forma así mismo, y en la medida en que encuentre trozos de sí, de lo que fue, de lo que será llegará a la misma idea. Que poco originales somos. Imaginense a alguien que escribe una tesis, un comentario al margen más marginal de la escritura, que por su ceguera egocentrica no se sabe marginal. En fin a veces el arte es puro impulso, pura ruptura concentrada en un instante, en una imagen: como la de un francés caminando sobre un cable entre las torres gemelas, una verdadera conquista, simplemente un loco se infiltro en el fenecido wtc en 1974, tendió un cable entre ambas torres, camino por él, se recuesta, se arrodilla, se burla de los policias que lo estan esperando con los brazos abiertos (y que más tarde admitiran la conciencia de estar viendo un acto que nunca más verán en sus vidas), porque solo él puede caminar por ese cable, es su territorio. En fin, que este francés loco desafia la gravedad, la vigilancia del wtc, a los policias y por qué no al mismo capitalismo dada la gratuidad de su acto, así es nomas, qué hombre en la luna ni que nada, sólo un cable a 450 mts de altura.

Me agarro la Tesis, vuelvo en noviembre

Tenía que pasar, ahora que me pican las manos por escribir sobre la nueva película de Tarantino (que ha dejado claro lo subnormales que pueden ser los críticos de cine, especialmente los de internet), que es UNA OBRA MAESTRA QUE NADIE SE PUEDE PERDER digan lo que digan, como dice la canción, y es que si sueltas unos morlacos por ir a ver basura como Transformers o hamburguesas recocidas como las adaptaciones de cómic superheroicas has de aventurarte con uno de los contados directores contémporaneos que hace cine de autor DE VERDAD, aunque no lo entiendan, aunque algunos no sean capaces de raspar el tejido visual de la obra, cada uno ha de experimentar esta maravilla por sí mismo. Y es que a mi me agarro mi tesis, estoy en la quemada para terminar mi Licenciatura en Literatura y no doy pie con bola, asi es que no me queda otra alternativa que el ostracismo, y dejar de lado ciertos vicios como el bloggeo, así es que nos vemos el 20 de noviembre, si es que sobrevivo.

Sector 9: "Blockbuster con piel de oveja"

Existen dos tendencias que orbitan en el cine mainstream y que me aventuro a decir que en poco tiempo serán moneda corriente. En primer lugar esta el hecho de vender películas como si estás hubiesen sido hechas en el patio de la casa de un director, y el tipo en cuestión solo se hubiese gastado el vuelto del pan para filmarla. Sin duda alguna un claro ejemplo de esto es la oscarizada Slumdog Millionare, película supuestamente filmada entre gallos y medianoche por Danny Boyle , film en el que la miseria de la capital india aparece sospechosamente estetizada. En segundo lugar y en directa relación con esta primera tendencia esta el uso de técnicas que tienen que ver con el falso documental, como la visión subjetiva, cámaras caseras y videos que a todas luces parecen descargados de internet. En este caso, como diria el bueno de McLuhan "el medio es el mensaje", porque el uso narrativo de tales recursos busca pactar un contrato de verosimilitud con el espectador, al tiempo que algunas veces sirve como pie forzado para enmarcar una obra (como la olvidada Holocausto Caníbal o REC). Con una mezcla de estas coordenadas se nos prensentaba Sector 9 (District 9) dirigida por Neil Blomkamp y apadrinada por Peter Jackson en labores de producción. Película que surge a partir de una idea desarrollada por el mismo Blomckamp en un corto, a la que hecha mano tras fracasar la puesta en marcha de una película sobre HALO (un videojuego). Y bueno la premisa expuesta en los trailers, que es la que vemos en el primer tercio del film, no podía ser más atractiva. Blomkamp se echa a Spielberg al bolsillo y nos expone a un grupo de extraterrestres sobrevolando, ni Chicago ni Manhattan, sino que Johannesburgo (Sudáfrica), donde las autoridades los acogen encerrandolos en un gueto, el mentado Sector 9, provocando una serie de trastornos sociales en la población que obligan a las mismas autoridades a tomar la determinación de trasladarlos a otro lugar con más pinta de campo de concentración que de reducto habitacional. Ahí es dónde entra en escena nuestro protagonista Wikus van der Merwe (intepretado por un desconocido Sharlto Copley), quien será asignado para dirigir la operación de traslado. Y mientras se encuentra cumpliendo su trabajo es que van der Merwe es contaminado por una suerte de combustible alíenigena que lo hará convertirse gradualmente ennuno de los langostinos.


El metraje del film puede dividirse perfectamente en tres partes: la primera que es donde se plantean los conceptos y premisas, donde Blomckamp pone las cartas sobre la mesa y que sin lugar a dudas es donde se luce al usar esa estética de falso documental de la que les hablaba antes mostrandonos el caos social desatado por el asentamiento extraterrestre, como si de una grabación de CNN se tratara, ese verismo invocado al principio le sirve al director para estabecer una serie de correlatos sociales de bastante profundidad convirtiendo a los langostinos en verdaderos parias, que sufren toda la violencia del sistema, cabe traer a colación en este punto las escenas del desalojo donde se les quiere hacer firmar una suerte de contrato donde aprueban el traslado, escena bastante violenta si se piensa que siempre se quiere tratar a la otredad con los parametros propios. En la segunda mitad asistimos al proceso de trasnformación de Wikus, y vemos al empezar a convertirse en langostino es perseguido por las autoridades que quieren "estudiarlo" para aprender a usar las poderosas armas de los extraterrestre que sólo funcionan a partir del ADN alienigena. Y claro la transformación de Wikus implica la destrucción de su vida y el inicio de una carrera por sobrevivir, es la historia del tipo que se convierte en la otredad a la que coaccionaba, y debe aprender a vivir con ello. Y bueno la tercera parte es la resolución del conflicto entre humanos y alienigenas que se radicaliza por la cacería de Wikus.

El primer problema de Sector 9 es el esquematismo con el que desarrolla la acción, al principio vemos un tono paródico, cargado de ironía, que sirve de fermento para establecer varias lecturas, sin embargo a medida que la historia se comienza a cerrar en Wikus la cosa se comienza a desdibujar y el retrato social que antes teniamos desaparece en todo sentido. Se supone que ese enfásis en la crueldad humana que antes era para los langostinos y ahora para Wikus debería profundizar en las ideas trazadas al principio pero no es así, porque Blomckamp no logra exponer personajes, solo dibujos mal hechos sin fondo ni forma, lo que se puede apreciar en los que dirigen los organismos de poder, siendo este el segundo gran problema de la película que además afecta a otros personajes, como la esposa de Wikus, su amor pérdido y móvil de sus acciones para intentar volver a ser humano, y es que hay más vida en una postal que en la mentada esposa de Wikus, y asi es como la película se cae a pedazos, dando la impresión de que a Blomckamp le estorban las ideas tratadas al principio, impresión que se ve reforzada por como se ceba en las escenas de violencia, y ya ni hablar de cierta batalla hacía el final que si se recortara y se pusiera como parte del metraje de los Transformers de Michael Bay dudo que alguien se diera cuenta. Y es que sinceramente no me comrpo que esta nuez de oropel llamada Sector 9 haya costado solo treinta millones de dólares. Hitchcock decía que es mejor partir de un lugar común antes de terminar cayendo en uno, y Blomckamp claramente hace el tránsito contrario y termina entregandonos una película deshilachada, que a pesar de estar muy por sobre la media a lo que estamos acostumbrados a ver del mainstream, mira muy pero muy de lejos a la que hasta ahora es la joya del cine fantástico de la última década: The host del surcoreano Bong Joon-Ho (Gwoemul, 2006).

Cine a Luka

(fotograma de la cinefila Goodbye Dragon Inn de Tsai Ming Liang)

Mañana es el infame día del cine, y es que aunque nadie se resiste a la seducción de pagar mil pesos por una entrada (soy un seducido más), es muy díficil elegir que ver con una cartelera tan pobre, triste y lánguida. Parece que los distribuidores eligen el día con precisión de orfebre para estrujar películas que no le interesan a nadie, y es que ahí veremos mañana las ordas de escolares comandados por su profesores haciendo fila para ver atentados cinematograficos como Lluvia de Hamburguesas, La cruda verdad o Fuerza G. Qué pensaran esas cabecitas cuando sepan que Pelham es un remake de una película tan vieja como sus papas, y que por supuesto jamás verán. Más de alguno se repetirá el hitazo de este veraniego invierno (summer movies rulz) y se embutira en las butacas para disfrutar de la tercera entrega de La era del hielo, y es que si Manfred y compañia sobrevivierón al mes de septiembre, no me extraña que sobrevevivan a la desaparición del Gondwana. En fin si alguien quiere descargarse o comentar que vio, ahí están los comentarios a vuestra disposición; por mi parte pongo las manos al fuego por las siguientes peliculas: Sector 9, La nana, El silencio de Lorna, Entre los muros y Bellamy del incombustible Claude Chabrol.

¡Nos vemos mañana!

News sobre Bolaño

Bueno pues que ya les decia en un viejo post que el bueno de Bolaño esta más lejos del silencio que nunca, pues que Anagrama va a reeditar las obras que no estaban bajo su poder (La pista de Hielo, La literatura Nazi en América) y ha partido con Una novelita lumpen; así es que la historia de los hermanos huerfanos y un viejo luchador debería aterrizar próximamente en la librerias locales. En segundo lugar, la revista 60 watts saco del olvido un viejo cuento escrito por Bolaño a los veintipocos años, bajo el batailliano título de El contorno del ojo.

"Jueves. Una curiosa criatura parecida a una vaca gigante pero que posee un pico de pato. Las palabras del periódico se ordenaron como un acertijo infantil dentro de mi cabeza. Me levanté a las cinco de la mañana. Después de lavarme descorrí la cortina: al fondo, en las escarpadas, muy lejos de la aldea, unas fogatas me recordaron los campamentos militares de mi adolescencia. Eran los carboneros. Más allá, hacia el oeste, entre bosques y campos de cultivo, el tendido ferroviario y un tren iluminado a medias que se perdía en la noche. Martes. El comisario político de la aldea vino a visitarme. Eran las siete de la mañana y la puerta estaba abierta. Debió deducir que me hallaba despierto y entró. El hombre quedó sorprendido de encontrarme sentado en el suelo, de cara a la pared, sin ninguna prenda de vestir encima. Al volverme hacia él se puso a parpadear y musitó que lo sentía. Le dije que no importaba. Mi rostro recién afeitado contrastaba con su cara soñolienta. Luego dijo: buenos días camarada Chen, y se marchó. Me quedé un instante escuchando sus apresurados pasos sobre el camino."

A próposito de la reedición de Una novelita Lumpen Jordi Gracia escribe en el país No hay un Bolaño menor

Entrevista a Jodorowsky

"En abril de 1991 -gracias a las gestión de Editorial Hachette y contando con la convocatoria y organización del PRED (Proyecto educación para la Democracia), de Editorial Arrebatos y Trauko Fantasía- se realizó un encuentro de Alejandro Jodorowsky con el mundo del cómic nacional. Durante más de cuatro horas los dibujantes, guionistas y editores de cómic interrogaron y dialogaron con Jodorowsky. Su vasta experiencia y conocimiento de este nuevo "arte industrial", como guionista de los mejores dibujantes del mundo, permitio que este encuentro se convirtiera en un verdadero hito para los dibujantes chilenos."

-Antes de empezar, quisiera agradecer a Editorial Hachette, que nos dio la oportunidad de tener a Jodorowsky aquí, entre nosotros.

Jodorowsky: Me da mucho gusto hablar con ustedes. Yo salí de Chile en 1953; nací en Iquique, pero a los 6 meses me llevarón a Tocopilla. Allí viví un verdadero paraíso porque era hijo de extranjeros. Mi padre se hacía pasar por ruso. En realidad era judío pero nunca lo supe. Mi casa se llamaba la casa de Ucrania, la casa de los rusos. Nunca me pude poner pantalones cortos porque tenia las piernas blancas, de leche. Pero lo pasé muy bien y, como tenía pocos amigos, me puse a leer como a los 5 años. Lo primero que leí eran cómics. Creo que se llamaban El Pulgarcito, también estaba el Príncipe Valiente, Mandrake el Mago, El Rey de la policia Montada, las maravillas de las maravillas. Aún sigo leyendo El príncipe Valiente en Francia. Nunca deje de leer esos cómics. El cómic siempre fue muy importante en mi vida porque empecé a leerlos de chiquitito. Fui a México, hice teatro, 100 obras de teatro, y seguí leyendo cómics y publiqué en un periodico que se llama El Sol de México, una página cada domingo, durante 5 años, que se llamaba Fábulas Pánicas. Como se trataba de una cadena de 20 períodicos en todo México, lo leían más de 1 millón de personas cada semana. Yo dibujaba mal, pero como tenía algo que decir , me lo soportaban. Era un cómic como iniciático, filosófico, que salia cada semana. Tuvo mucho éxito porque yo iba diciendo todo lo que pensaba de pósitivo. No era un cómic destructivo sino positivo. Por ejemplo habían dos personas que estaban rezando y uno decía que la mejor manera para rezar no era pedir sino para decir gracias. Pero no era mi oficio. Yo hacía cine, pero de pronto, un proyecto que se llamaba Duna, en el cual trabaje dos años, se cayó al suelo. Me desengañe del cine y empece a entrar en los cómics.

(Recopilación de las Fábulas Pánicas de editorial Grijalbo)

Viví durante 10 largos años del cómic. Alimenté a mis 5 hijos y gané mucho dinero. El cómic es un arte industrial, era una carrera, un negocio y, a la vez, es un arte maravilloso. En Francia el cómic se considera como algo cultural. Yo publico un álbum cada tres meses, traducidos como a 10 idiomas.
El cómic era antes de Humanoides Asociados, Astérix, Tintin, era el cómic belga que se llamaba de la Línea Clara. El cómic europeo era esencialmente comercial, pero sin ningún sentimiento nuevo. A partir de Humanoides Asociados se creó un nuevo movimiento que pasó a EE.UU., marcando muchos de los cómics de ese país.
Yo empecé con los Humanoides Asociados desde su fundación con Druillet -que ahora se dedica a pintar-, Moebius, Dionet, que era el originador y que luego se lo comio la T.V. Allí también estaba yo. No firme en ese grupo, económicamente no entré porque no pensaba hacer cómics. Más tarde, cuando quise hacerlos, me fue muy fácil puesto que esa compañia había nacido de un discurso violento en pro del cómic que yo di ahí. Hoy Humanoides es como una fábrica de discos, comprada 3 ó 4 veces. Yo he pasado por 3, 4 ó 5 dueños. El cómic crece, entonces se producen grandes cataclismos y lo compra Hachette, luego los españoles y ahora es de una compañia suiza.

(los fundadores de Les humanoides associés: Bernard Farkas, Jean Pierre Dionet, Philippe Driullet y Jean Guiraud, mejor conocido como Moebius)

-¿Qué es para ti el cómic?
Jodorowsky: El cómic para mi es un arte maravilloso, pero hay que tomarlo como un arte industrial. Es totalmente diferente de las vanidades de la literatura. Cuando hablas con un poeta o con un novelista, se toman como la gran cosa. Son usados politícamente, son honoríficos, tienen premios establecidos, etc. El cómic es humilde, no es considerado arte, es despreciado. Hay que partir de la base de que es un arte, pero un arte industrial, que es un oficio más. Es lo primero que hay que visualizar.

Un dibujante tiene que dar en su página todo, tiene que ser personal y tiene que aprender a contar lo que él quiere contar. Es lo primero que hay que hacer. En el comic existen los ganapanes, que sufren mucho aunque van a la segura. Pero para eso se necesita una industria del cómic. Detrás de cada cómic hay alguien ganándose el pan. Una verdadera compañia de cómics se da cuando hay gente, jóvenes o viejos, que tienen la actitud para tomar la página y expresarse como lo sienten. Eso es lo más importante. Pero es muy díficil para un dibujante expresar todo el tiempo su mundo. Tiene que aprender a colaborar todo el tiempo con otro, con un autor, y equilibrar, unas veces él y otras el otro. En Francia los porcentajes van 50% y 50% de las ventas. Además hay un adelanto que también se reparte 50% para el autor y 50% para el dibujante. Luego se paga por página: 2/3 para el dibujante y 1/3 para el escritor. Lo que el escritor escribe en un mes, el dibujante lo dibujara entre 6 a 8 meses, a menos que sea un loco, como Gal, que ya lleva 6 años dibujando el álbum porque se echa 3 meses en una plancha. En toda su vida ha hecho dos álbumes. Conmigo ya va a salir, o sea, le queda como un año y medio de dibujos. El es profesor de dibujos, es genial, una página de Gal pasa a un museo. Un dibujante de cómic invierte entre 1 y 4 días para hacer una plancha. una semana ya es demasiado. Luego hay un colorista que paga la empresa, no se le quita un porcentaje al dibujante. El colorista va aparte. Por otra parte, a un dibujante no le conviene trabajar con un escenarista porque le tiene que dar el 50% de los derechos de autor y 1/3 de la página. Así es como funciona en Francia. Lo que es fundamental para el cómic es que el escritor tiene que ponerse detrás del dibujante, para el público, lo primero que cuenta es el dibujante no servirse a sí mismo. Hay que hacer las historias para el dibujante. Por ejemplo Moebius me dice "no me pongas caballos muertos, no los puedo dibujar". No le pongo caballos muertos. Tienes que escribir para el dibujante en los términos que el dibujante te pida. Por ejemplo Frank Miller, el más famosos de todos los giuonistas de cómic, esta trabajando con Geoff Darrow y se plego completamente a su estilo y decidió no poner mucho texto, dejándolo al minímo y plegándose a Darrow. Con el japónes que tiene su forma muy peculiar de montaje de dividir en cuadritos, yo no puedo decirle cuadro 1, cuadro 2, cuadro 3. Tengo que dar las descripciones y los diálogos, y él va a cortar y montarlo como quiera. [...]

(viñeta de La pasión de Diosamante dibujada por Jean Claude Gal)

-Aquí en Chile no sabemos hacer cómics, hay problemas técnicos y tambipen una gran esperazna. Yo fui al cine a ver El padrino, y uno se da cuenta que el cine latinoamericano no puede hacer eso.

Jodorowsky: anda a ver mis películas...

-En el cine hay una obra maestra realizada a partir de muchos talentos: hay un fotografo, un escenografo, un director, actores, etc. En el cómic nos enfrentamos a dos talentos solamente, pero que tienen que llegar aser talentos...

Jodorowsky: Conmigo sucedio de la siguiente manera: Moebius era un star. Hacía un cómic que se llamaba Blueberry, llevaba 20 años dibujando Blueberry, porque salia uno por año, con un escritor que se murió y que es conocidisimo por hacer series comerciales. Este escritor tomo un personaje como un gusano, como Superman, que no cambia. Entonces es una construcción lineal. Tintin es siempre Tintin en una aventura, no cambia. ¿Qué puede cambiar? Comprendes eso. Bueno, a mí se me ocurrió, y fui el primero en hacerlo, que había que limitar el número de álbumes que correspondian a una historia. Es decir había que comenzar y terminar una historia en 5 partes: El Incal Luz, El incal Negro, contraste, Lo que esta arriba y Lo que esta abajo, y La Quinta Esencia, fue muy larga y se dividio en dos tomos. Se comienza una historia y se cierra la historia. Vamos a hacer una novela. Pero cómo vamos a demorar 6 años, ¿va a esperar el lector? Lo vamos a hacer epserar. Entonces como las seriales, en cada capítulo hay una curiosidad y al final del volumen...¿Qué pasará? Y durante seis años esperarón. Son novelas.

(Portada original del Incal Luz, primer volumen de seis)

Esta entrevista es muy extensa, yo solo he subido el principio, y faltan aún más de diez páginas. Como dice el primer párrafo transcrito fue realizada en 1992 y esta incluida en un volumen que contiene tanto la entrevista a Jodorowsky como un cómic echo por el poeta Enrique Lihn títulado Roma la Loba, una obra excelente que no alcanzo a terminar. La edición de dicho volumen deja mucho que desear, ya que sumado a su exclusividad porque sólo se editarón 500 copias, esta la pésima transcripción de la entrevista (transcriben Gaal y no Gal o veta varón y no Metabaron, solo por citar un par de ejemplos que corregi al subir este extracto). Por si fuera poco el editor responsable no se aventuro a titular la obra con el nombre que había escogido Enrique Lihn, sino que la título con el génerico título de Un Cómic. En fin que afortunadamente la obra en cuestion se puede descargar gratis de Memoriachilena, asi pueden leer la entrevista íntegra y echarle un ojo al cómic de Enrique Lihn, que pide a gritos una reedición.

Para descargar el volumen en pdf, clickear aquí

La imagen de los fundadores de Humanoides y asociados fue extraida de FotosdeCómics

Gabriel Rodríguez gana premio Walt Whitman

Esta noticia me ha dejado de una pieza; le han dado el premio Walt Whitman al dibujante chileno Gabriel Rodríguez por su trabajo en Lock & Key, obra que cuenta con Joe Hill hijo de Stephen King en el guión. El Walt Whitman es un premio otorgado por el Instituro Chileno Norteamericano que habitualmente términa en las manos de poetas y escritores, en esta ocasión Rodríguez se impuso a gente como el poeta Claudio Bertoni y la escritora Diamela Eltit. Esto si que ha sido un espaldarazo, hace poco todo el mundo hablaba sobre la columna de Molina Foix y nuevamente un premio literario cae en las manos de un artista gráfico materializando una tendencia que no hace otra cosa sino ir al alza, y tiene que ver con el posicionamiento de los cómics al campo cutural (y el chileno sin duda alguna es bastante pobre a pesar de la plata que circula en este rincón del mundo), haber si nos ponemos las pilas porque Rodríguez hace rato que esta haciendo cosas importantes en el mercado norteamericano. No tan sólo ha adaptado al cómic el Beowulf de Zemeckis, sino que varias obras de Clive Baker, además ya se había ganado el British Fantasy Society por la misma Lock & Key. Hace poco Javier Marías ganó un importante premio literario otorgado por una universidad del sur, y su obra completa aterrizó en las librerias se Santiago, ojalá algo así ocurriera con Rodríguez porque a pesar de ser un artista nacional Lock & Key no esta a la venta aquí (Panini cómics editó en español la obra) . Para términar un link a una columna de Ándres Gómez Bravo sobre el premio de Rodríguez.

(Una de las portadas de Lock & Key)

FELICITACIONES A GABRIEL RODRÍGUEZ

La gente normal no lee cómics por Andrés Gómez Bravo

Cuando los escritores son unos bestias

La cosa esta que arde, resulta que un escritor de la tercera división de la literatura española se despacho una columna el finde pasado, donde cual inquisidor oscurantista medieval mando a los cómics y al cine de animación a la hoguera. Claro, todos tenemos opiniones y si queremos decir algo, si no nos gusta o no nos gusta algo argumentamos, la cosa es que que los argumentos de Vicente Molina Foix son de baja calidad, opiniones al voleo que lo único que ponen en evidencia es la soberana ignorancia del señor este. Bueno pues aquí les dejo el texto integro.

(clickear encima para agrandar)

Un par de perlitas

"Proliferan los cursos, semanas, exposiciones en museos y simposios también dedicados al cómic, y todo coronado porla disparatada instauración, hace más de un año, del premio nacional del cómic, con el que nuestro ministerio de Cultura enaltece al dibujante de monigotes, con la misma dignidad (y el mismo dinero) que otorga al mejor novelista, poeta o ensayista."

"Que tanta gente y tasntos críticos serios digan que una chorrada de plastilina como Up es una obras maestra del septimo arte me produce verguenza."

La República de Foix

En lo personal, el asunto este no me da tanta rabia como pena, es una lástima la ceguera intelectual que yo pense que sólo se daba en latinoamerica, con unos cuantos escritorsuelos fascinados por las faldas del poder. Pero veo que no es así, y es que no hay peor barbarie que la del prejuicio, la descalificación y la opinión que se busca convertir en dogma. El señor Foix no hace más que apropiarse de un argumento más antiguo que las putas, y no es otro sino el reclamo platónico contra la imagen, el miedo al símbolo en estado puro en el que uno puede sumergirse a placer. Y es que bueno la literatura tiene el privilegio de usar el lenguaje, o mejor dicho una variedad estilística de este, y claro con el lenguaje ordenamos nuestra realidad; un libro de leyes o un código cívil no estan redactados como un texto literario (bueno, esto es bastante discutible, pero ese problema es otro, y bien grande) sin embargo la materia prima es la misma. Mientras que en el cómic el dibujante nos muestra aquello de la realidad que le sirve para vehicular su mensaje, sus emociones, sus reflexiones, sus contradicciones. Platón expulsó a los poetas de la República, y estos sin duda alguna volvierón y se instalarón comodamente a vivir en/ y de ella; por ahi anda García Márquez cambiandole la chata a Fidel, y volviendo al artículo en cuestion el mismo Molina Foix se queja de que los dibujantes se les premie tanto,o más , que a él con dineros del estado. En cierta forma Platón también expulso a los dibujantes, y estoy seguro de que volverán, la diferencia es que cuando vuelvan la República no será la misma. Molina Foix representa al intelectual acomodado que vive de rentas y de cuanta columnilla se agarra en un diario, este no es el problema claro, todos tienen derecho a vivir comodamente, pero me pregunto dónde quedo el lugar del artista, que pasó que en tan poco tiempo que se acomodo al sistema y pareciera "querer cambiarlo desde adentro"; y es que en este siglo que comienza son los dibujantes, y los guionistas (que esa gran huelga en el país del norte no se nos olvide) los parias, y bueno, yo no le veo nada de malo a serlo.

pd: que yo me banque el Vampiro de la calle Méjico, y empece a leer el Abrecartas, y este Molina Foix no ve ni de lejos a Enrique Vila - Matas o Javier Marías, quienes son por mucho los mejores escritores españoles contémporaneos ( y que por supuesto se los recomiendo [París no se acaba nunca de Vila -Matas y Negra espalda del tiempo de Marías]).

Otras destacadas respuestas al señor Foix

"Los dinosaurios van a desaparecer"; carta a Molina Foix por Cesár Santivañez en Pienso en Cómics

Por alusiones de Álvaro Pons en La cárcel de papel

Carta abierta a Vicente Molina Foix por Antonio Garrido en El planeta de los cómics

El poder de la viñeta por Joan S Luna en 13 millones de naves

Cuando ruge la marabunta por Pepo Pérez en Es muy de cómic

"Los cómics son al arte lo que los homsexuales al ser humano" dice un campeón de ping - pon de Hérnan Migoya en Comicsario

En defensa del noveno arte por Juan Gómez Jurado en La voz de Galicia


Via/ Es muy de cómics

"Zombies en la Moneda": No sólo de carroña viven los zombies

Ya llevo bastante tiempo sin escribir, asi que llegó la hora de ponerse las pilas tras haber pasado de lo mejor las fiestas patrias. Y bueno ya que es septiembre nada mejor que lanzarse sobre una obra del noveno arte made in Chile, la que no podía ser otra sino Zombies en la Moneda. Los argumentos que la situan por sobre otras son los siguientes: es el primer cómic chileno que aparece hasta en los noticieros centrales producto de un despliegue publicitario notable, es la obra que ha estado en boca de todos, y eso en un país dónde se lee tan poco, dónde se tiene tan poca estima por los libros y la cultura es notable. El segundo argumento es que ZELM es obra de Mythica ediciones, editorial dedicada exclusivamente al noveno arte, que en poco más de dos años ha conseguido un ritmo consistente de publicación, con obras de calidad tanto originales (Me llaman Pulp!) como clásicas (El Doctor Mortis), convirtiendose en un proyecto concreto, consistente y con un futuro bastante prometedor si continua cumpliendo sus metas.

Prejuicios y referencialidad

Debo confesar que siempre tuve ciertos prejuicios con respecto a Zombies en la Moneda, porque como otras obras esta también recurre a la referencialidad (ya que la propuesta es qué ocurriria si una horda de zombies se toma Santiago y ataca el palacio de gobierno), y con referencialidad me refiero a que los artistas de este país en general siempre intentan realizar un puente, un traspaso o híbrido cultural emulando formas de la cultura pop usando como telón de fondo o escenario a Chile, o bien ciertos simbolos identitarios que sean iconicos. El resultado de esto son obras facilonas, que se conforman con ese traspaso y que recurren a un humor sin gracia alguna, un ejemplo son los superheroes locales como Capitán Chile o Super Vaca (Renzo Soto), en quienes también se pueden ver resultados bastante dispares, el arte y algunas historias de Criastián Díaz para el Capi con realmente notables, sin embargo sería genial ver el arte de Díaz en proyectos de otra naturaleza, con otros tonos y matices. Y bueno la calidad del arte en cuestion siempre deberia estar en primer lugar, y esto lo digo porque apenas vi la portada de Alan Robinson para la obras, mis prejuicios se desvanecierón frente a la cálidad del trabajo, donde la tan manida referencialidad (creo que la imagen de Michelle Bachellet es tan iconica como la de Salvador Allende, ¿serán los lentes?) estaba totalmente superada por el estilo de Robinson.

La obra y las historias

Zombies en la Moneda es un tomo prestigio de 66 páginas en blanco y negro, con un papel blanquisimo, por el que espero que la editorial siga apostando, dejando de lado opciones más lujosas. Y es que materialmente el volumen es exquisito, la encuadernación, el papel y el rotulado son maravillosos, y si a esto le sumamos la portada de Alan Robinson creo que el volumen en sí tiene un valor material innegable. La obra esta constituida por seis historias cortas , antecedidas de una breve cita en plan From Hell de autores que van desde George Sand hasta García Marquez, las que abarcan diversos puntos de la invasión zombie. Por otra parte no puedo dejar de comentar el primero de los tres prólogos que uno ve apenas abre el tomito, y que esta firmado por Juan Andrés Salfate, el friki oficial, el hombre del cine clase b y z en la televisión, es él quien abre los fuegos con un encendido prólogo (que bien podría ser de clase b) sobrecargado de adjetivos que funciona, pero le imprime un tono a la obra y a lo que viene:

"Al igual que los zombies, el cómic en nuestro país se niega a morir . Nada más oportuno, entonces, que esta nueva quimera del noveno arte plasmado en tinta criolla. Como todos sabemos, los incombustibles muertos vivientes- acaso el más gremial de los monstruos clásicos de la pantalla grande- han servido fielmente en la construcción de metáforas antroposociopatasde toda índole. Por lo mismo, cabe destacar los asertivos y no menos mordaces discursos que trae este catalizador de estilos gráficos titulado Zombies en la Moneda."

Salfate da cuenta del lado más salvaje y corrosivo de los zombies, aquel que puede verse en las películas de George A. Romero, padre del género moderno, dónde lo importante no es la tensión y el susto, sino que el potencial representativo de los muertos vivientes para dar cuenta del sopor de las sociedades posmodernas, de la zombificación de los seres humanos inertes frente a la realidad que los determina, y los conviertes en muertos vivientes. Salfate le imprime un tono a la lectura, y es que un prólogo así no se puede obviar, es totalmente funcional, en comparación a las breves intervenciones de los editores Manuel Villa Vilches y Marco A. Rauch (quién también escribio el guión de la primera historia).

Primera Historia: TV ZOMBIE

El veterano Eduardo de la Barra, quien trabajara en la mítica Topaze, es el encargado de materializar el guión escrito por Marco Rauch, quien escribe una farandulera historia donde unos personajes bastante conocidos por cualquier televidente de esta angosta faja de mundo, se están preparando para realizar uno de esos programas vomitivos que auscultan la vida de los famosos ( y ni tan famosos), cuando son atacados por una orda de zombies furiosos. En ocho páginas Rauch y de la Barra nos cuentan una historia echa a la medida para el público chileno, con personajes reconocibles por cualquiera, una historia satírica que saca provecho de la faceta de caricaturista de de la Barra. El punto fuerte de esta es el desenlace dónde se esboza un origen para los zombies, del que no dare detalles por razones obvias, además de jugar de la Barra con los lectores porque en las viñetas más amplias los personajes miran al frente como si pusieran atención a los espectadores, convirtiendo a lector del cómic en espectador televisivo, lo que se relaciona y tiene resonancias con el final. El punto flaco es que de la Barra no narra, porque una cosa es narrar, dónde se entrega información visual o se da cuenta de una acción que entabla relación con las otras viñetas, y otra muy distinta ilustrar o caricaturizar, donde toda la información se concentra en un sólo dibujo. Y esta carencia se nota en algunas viñetas muy planas o que no se entienden, como aquella en que un personaje atropella a un zombie.


Segunda Historia: El Pago de Chile

Esta segunda historia abre con una cita de Leonardo Da Vinci: "Así como una jornada bien empleada produce un dulce sueño, así una vida bien usada causa una dulce muerte." La cita es absolutamente funcional, ya que el trasfondo ético que posee, la relación entre satisfacción y trabajo de la que tanto gusta Clint Eastwood, por dar un ejemplo (coff coff Gran Torino coff coff), es el móvil de esta historia. Asistimos al momento en que un humilde carabinero que viven en un conventillo es llamado a presentarse a servicio debido a la orda de zombies que esta atacando Santiago, el oficial debe dejar de lado su día de asueto y ponerse el uniforme, además se haya en la incertidumbre entre salvar a una mujer que mendiga todos los días en el centro de la ciudad y la preocupación por un hermano homosexual que se encuentra en una situación desfavorable. El guión de Kobal, es interesante, parte de un lugar común para exponer una pequeña gran tragedia de corte social, cuyo desenlace se relaciona con las connotaciones históricas de su título. Kobal intenta exponer una pequeña historia, una historia menor en apariencia y contraste con LA HISTORIA, la que términa en los libros, con los hechos que después serán recordados. El arte de Cristóbal Jofré posee influencias del manga, sobre todo en el uso de los fondos y la diagramación de algunas páginas, lo cual funciona muy bien si se piensa que lo que se tiende a tomar del manga son las fisonomias y expresiones más características, parece que Jofré entiende que lo interesante de la producción oriental es la simetria interna de cada viñeta.

Tercera Historia: Gloria y Victoria

Lamentablemente no puedo decir sino que esta es la historia de más bajo nivel del volumen, Manuel Mella Vilches y Claudio Muñoz (CAOZ) corren a cargo de los guiones y el arte respectivamente. En esta historia, también de ocho páginas al igual que todas las demás, asistimos al enfrentamiento entre la primera línea de guardias de la Moneda y los zombies. Es clara la inteción de Vilches de querer contarnos una historia de carácter épico, una suerte de prólogo que de cuenta de la batalla imposible que se apróxima, sin embargo el arte de Muñoz es totalmente deficiente, lo cual es raro si se tiene en cuenta el buen nivel expuesto por este en su personalisima Me llaman Pulp!, y es que precisamente en las viñetas de plano general, dónde se expone el fragor de la batalla es dónde falla Muñoz, cuando tiene que dibujar una gran cantidad de personajes sólo le salierón garabatos, y ya ni hablar del remate épico de la historia. Además el guión termina cayendo en un tópico absoluto, en un lugar común del que una obra como esta, con el tono con el que es presentada debe huir como de la peste.

Cuarta Historia: Escape de la Estación Mapocho

Supongamos que existe un género nuevo, como el policial, el romance, etc. Un género con su propia identidad y sus propias reglas, supongamos que ese género se llama nerdismo o ñoñismo y tiene como protagonista a....un ñoño por supesto, una persona que consume su vida extasiado por los videojuegos, la ciencia ficción, etc. Siempre por decisión propia, por placer, no porque no caigan las minas o algo así. Supongamos que Big Bang Theory es una serie que cabe en este género. Ahora que lo tenemos perfilado supongamos que estos personajes se hayan en la situación que han visto decenas de veces en sus peliculas favoritas, en este caso nos encontramos en una convención de Fantasía en la Estación Mapocho, centro cultural de Santiago que alberga desde la Feria Internacional del Libro hasta la Feria de Agronomia, pasando por recitales varios. Pues en pleno evento ñoñistico, los protagonista de esta historia se encuentran cercados por la orda de Zombies que en un principio son confundidos por apasionados cosplayeros. El guión esta escrito a cuatro manos por Maxwel Yezpitelok y Kobal, quienes nos narran una historia nerdista de supervivencia, dónde unos amigos tratan de salvarse poniendo en práctica los conocimientos adquiridos tras horas jugando Resident Evil, sin duda es la historia de tono humoristico materializada por Ronny Tobar con una estética animada que le imprime un tono ad hoc al guión. El problema es que el guión abusa del chiste fandom, al punto que la obra es devorada por sus referentes, los nombres pesan más que la historia, que al final incluso quiere terminar de manera tragicomica. Como decia alguien por ahí, lo que empieza como comedia, termina como pelicula de terror.

Quinta Historia: Camino a la Moneda

Con guión de José Lagos y arte de Sebástian Lizana, en esta historia aparecen los politicos, los servidores públicos, las caras conocidas; los zombies están en las puertas de la Moneda intentando entrar, por lo que la cuestion se vuleve una preocupación nacional y comienza a aparecer en noticiarios, etc. La historia es simple, porque es de transcisión y su objetivo es trasladar la acción al palacio de gobierno, el guión de Lagos nos muestra a los candidatos a la presidencia y las acciones que realizan intentando ayudar, y al final lo único que queda es un nuevo bombazo en la Moneda, un bombazo con resonancias históricas. El guión es flojisimo y demasiado suave con los politicos a quienes muestra, mientras que el arte de Lizana tiende al hiperrealismo, por eso se le dan bien los objetos y los zombies, cayendo en las fisonomias y movimientos, además del final que debio haber sido atronador. Dar vuelta la página y sentir el bombazo retumbando en mi cabeza, enmudeciendo mis sentidos, conseguir eso con papel y tinta es el objetivo del cómic.
Sexta Historia: La casa donde tanto se sufre

Esta es la joya del volumen, es por mulcho el guión más ambicioso, el acto final de la comedia y la tragedia. Si algo no le falta al guión de Angel Bernier son ideas. Los zombies han entrado a la Moneda y en su interior la presidenta Bachelet esta escondida junto a un guardaespaldas, la situación posee resonancias históricas, porque emula a la última resistencia de Salvador Allende el 11 se septiembre de 1973. Bernier divide la narración en dos líneas, nos muestra a los zombies adueñandose del palacio de gobierno, como si de un clásico recorrido turistico se tratará, Bernier comenta cada espacio del palacio, dando cuenta de los hechos históricos que ha presenciado, mientras en las viñetas vemos a los zombies haciendo de las suyas, la segunda línea narrativa nos muestra a Bachelet resistiendo con su guardaespaldas y recordando una vieja historia que nos traslada a al Chile del horror, los centros de detención y tortura, una página al agua en manos de Huicha nos acerca al horror, en medio de la ficción pura y dura esta ese horror, más verdadero y real que cualquier arte. Artísticamente también es la historia de mejor nivel, quizás no posee la espectacularidad que consiguen ciertos momentos otros autores como Lizana en la última viñeta de Camino a la Moneda, sin embargo Huicha en los lápices y Cristobal Jofré en las tintas consiguen narrar la historia visualmente de manera consistente durante las ocho páginas, hasta la diagramación y el uso de reticulas poseen un sentido narrativo, quizás el reproche mayor en este sentido sea la narración enmarcada, se apreto demasiado en una sóla página, por lo que no se aprecio bien la información de cada viñeta.

Sumando y restando

Creo que al final, las conclusiones son más positivas que negativas, hay elementos en Zombies en la Moneda que hacen pensar en futuras obras de alto nivel. Los puntos bajos son principalmente a nivel artístico, cada historia tenia ocho páginas solamente, se les puso un límite estricto a cada implicado, lo que hizo salir a flote las imperfecciones y deudas estilisticas, y no me refiero solo al arte, en cuanto al lenguaje figurativo, sino que también a la escritura, hay mucho que pulir. Quizás lo que falto fue un afiatamiento entre los encargados del arte y del guión, una mayor planificación, una maduración de las historias y su puesta en escena,la forma en que se dosifica la información y se narra página a página, viñeta a viñeta. Sin embargo creo que los aspectos positivos son muchos, en primer lugar esta el nivel material de la publicación, que es intachable, en segundo lugar esta conseguir crear una obra masiva de cálidad, y digo de cálidad porque todas las partes se esforzarón mucho por hacer una obra polisemica, una obra que se expandiera y pudiera contener múltiples lecturas, una obra que invita a los lectores a ver mucho más allá. Ese es sin duda el mayor mérito, el que se puede apreciar incluso al usar recursos paratextuales como el prólogo y las citas antes de cada historia, estas últimas funcionan como invitaciones a la reflexión, como llaves que abren puertas e invitan a lector a pensar y a releer, creo que eso es invaluable. Además esta el esfuerzo por crear una obra múltiple con una arquitectura coherente, Zombies en la Moneda parte en el living de cada casa, y términa en dónde se cocina la historia con mayúscula.


Las páginas expuesta estan sin terminar, la primera pertenece a TV ZOMBIE y carece de los diálogos, la segunda pertenece a LA CASA DONDE TANTO SE SUFRE y carece de texto y tintas, decidi no escanearlas y subir estas versiones incompletas como una forma de ir encontra de los escaneos de cómics que atentan ciertas propuestas editoriales que buscan generar una industria. Además de tener presente el alto valor material de la obra en cuestión en oposición a su bajo precio.
El pin up final es obra de Daniel Mejías, y fue coloreado por Cristóbal Cofré, no viene en el volumen, fue extraido del foro de Mythica Ediciones.
Las páginas fueron extraidas del foro de Ergocomics.
Editado el 22/9 a las 10:52, tras una relectura sin el cansancio y el sueño que enmarcarón la escritura el autor quito unas haches y cambio unos conectores en muy poco tiempo, con el simple objetivo de no sentir verguenza.

Sienkiewicz y sus dictadores amistosos

Bill Sienkiewicz (Pensilvania, 1958) es un maestro del cómic norteamericano, en su obra mezcla técnicas como el collage, la pintura al óleo o el mimeografo. Alcanzó notoriedad en el mercado estadounidense al trabajar en obras como Elektra, Moon Knight, además de su trabajo en las portadas de varias series. En 1989 realiza una colección de trading cards (cartas coleccionables) cuyo motivo son los dictadores que el tio Sam ayudo a sitiuar en el globo, especialmente en latinoamerica como forma de "protegernos de la amenaza comunista". Y claro no podia faltar...

Via/ EntreComics que a su vez lo encontro en Comicopia, dónde esta el link de origen (¡que vivan los links!)

"Administrar no es crear"

Presos políticos se dan una mano en Dawson, Isla 10.

La nueva película de Miguel Littin

¿Qué piensa de Latinoamérica hoy, en relación a 35 años atrás, cuando usted salió de Chile?

-Hoy vuelven a galopar los antiguos dioses, los de la rebelión. Este continente no existe sino en la medida en que se rebela contra una opresión que es secular y que fue una suerte de neocolonialismo ecónomico y cultural, que es lo que hicierón todos los regímenes de tipo tipo administradores burocráticos. Administrar, no crear nada nuevo y, por lo tanto, lo nuevo sigue pendiente. Y surge producto de que las brechas históricas se abren, porque todo el mundo empuja. Y América latina esta empuando para nacer de nuevo. Si no quieren ver el fenómeno de Venezuela como un fénomeno, no lo vean. Si no quieren ver el fenómeno de Ecuador o Bolivia, no lo van a ver.
¿Y como ve a Chile en este panorama?
-Acá los edificios están tapando la cordillera. Nos vamos a despertar un día y vamos a ver puros edificios, y en la punta un empresario con una bandera llena de niebla.

-Catalina May entrevista a Miguel Littin en The Clinic-
Pd: cuando suban esta edición a internet, linkeo la entrevista

Postales de Santiago

Un mapuche que pasea por el centro de Santiago

Una joven que pasea por el centro de Santiago

Una estudiante que pasea por el centro de Santiago

¡Día del blog!

De todos los chiches que posee internet, el blog es mi preferido, creo que es un vehículo de conocimiento, experiencia y debate impagable. No hay día en que no invierta a lo menos un par de horas recorriendolos. Por eso no puedo hacer la vista gorda en este día del blog (que en rigor fue ayer), y como lei por ahí la gracia es recomendar cinco que no esten en las listas de enlace, ni en favoritos. No tendría mucha gracia recomendar los que tenemos enlazados, todos son excelentes y están ahí siempre, asi que para bien o para mal aqui van mis cinco blogs:

La vida en viñetas: "Pienso en cómics"

César Santivañez es un joven peruano que maneja las riendas de este sitio, apasionado absoluto por el noveno arte, es capaz de criticar y análizar conciensudamente tanto una obra del mainstream, como cualquier fanzine limeño, para el día siguiente entrevistar a Milo Manara.

Más noveno arte desde el país incaico: "CIUDADANO POP"

Gianco y Daniboi también son peruanos, y es que nuestros vecinos del norte, son realmente apasionados por el noveno arte. Pero el asunto es que no se quedan sólo con eso porque el nivel de la discusión que plantean es bastante alto, algo que deberiamos aprender aqui. Cada vez que me doy una vuelta por el Ciudadano Pop aprendo algo nuevo, y es que al igual que Santivañez, Gianco y Daniboi un día pueden hablar de Tarantino para el lunes siguiente entrevistar al talentoso John H. Williams III (responsable de obras maravillosas como Promethea , junto a Alan Moore y Desolation Jones, junto a Warren Ellis).

El noveno erotismo: "Lecturas no recomendables"

Scott McCloud en Entender el cómic (Understanding comics, que en los noventa Ediciones B tradujo con el horrendo titulo de Como se hace un cómic) dice que este arte es el de lo invisible, porque a través de dibujos, de trazos, busca hacernos sentir aquello que no podemos ver (movimientos, olores, etc). Hermosa paradoja, que emparentaria el cómic como arte visual con el expresionismo. Precisamente el erotismo es uno de los géneros predilectos del arte secuencial, y para que no crean que todo es hembras con prominentes escotes atravesando el cielo, vale la pena pasearse por lecturas no recomendables, y echarle un ojo a los maestros del erotismo como Manara, Serpieri y Azpiri.

El paroxismo visual: "Mira y Calla"

Dedicado al diseño, la ilustración y la fotografia, que día a día no tan solo sube muchas imganes, sino que tambipen muchos links. Simplemente mirar y callar. Diariamente es saqueado por muchos bloggers, este blog es un secreto a voces. Simplemente mirar y callar.

El lado oscuro del cine: "Dobleverso"

Sin comentarios...

"La Nana": el otro cine chileno

El cine chileno esta dando un giro contundente en cuanto a registro se refiere, y es que ya no hablamos de registro sino que de registros. Como nunca se había visto antes, existe un grupo compacto de directores con un estilo definido, con propuestas interesantes y que en cada film estan demostrando oficio y ambición, la que cada uno ha desarrollado en su medida justa, de a cuerdo a las posibilidades de las que dispone. Tenemos a Ernesto Díaz que con Mirageman demostró que los géneros no solo son propiedad de presupuestos astronomicos (y eso que estamos hablando de superheroes), ni de culturas dominantes, muy por el contrario consiguio mezclar drama, aventura y comedia en film inteligente y maduro. La reinvención de Pablo Larraín con Tony Manero supuso un giro radical con respecto a Fuga, su fallida y costosa opera prima, lo que es más meritorio si se tiene presente que, el hijo de un senador de la derecha dura, tuvo los cojones para dar cuenta de un Chile brutal sin caer en tópicos burdos. Y ya ni hablar de Sebastian Lelio quien ha demostrado que se puede hacer cine de autor con La sagrada familia y Navidad. Por atrás viene picando Fuguet al que Alfaguara le deberia pasar plata para que haga peliculas, que en eso es talentoso, y deje de escribir barrabasadas. Y para el final dejo a quien nos concita, al multifacetico Sebástian Silva (músico y dibujante además de director de cine), quien en La vida me mata fue capaz de contar un bella historia sobre la muerte, en riguroso blanco y negro, además de condimentar con toques precisos de un surrealismo contenido y bien dosificado, que terminaban delineando una impagable mirada infantil, dejando de lado cualquier amago fatalista. Con su segunda película, Silva se mete con un personaje arqutipico de la idiosincrasia chilena, las nanas o asesoras del hogar, mujeres que no ven ni el sol ni la sombra por que viven en casas ajenas cuidando hijos ajenos, al punto de creer que son propios. Así es nomas, lamentablemente las nanas representan cierta neoesclavitud y son un rasgo caracteristico de la topografia social en los barrios adinerados. Por lo que es un tema interesante, pero peliagudo si pensamos que es tremendamente fácil caer en maniqueismos sociales.

Cualquiera que haya visto el trailer o leido la sinopsis sabra de que va la pelicula: Catalina Saveedra interpreta a Raquel, la nana de una familia acomodada, que producto del severo stress producido por llevar las riendas de una casa sufre de ciertas molestias de salud, que obligan a que la familia busque a alguien que le de una mano en las labores diarias, algo que en Raquel, verdadera dueña y señora al punto de tener hijos predilectos, no causa mucho agrado. Por lo que valiendose de ciertos trucos, consigue que se vayan una tras otras hasta que aparece Lucy,interpretada por Mariana Loyola, quien le dará un giro a la cuestión. Si bien es dificil hablar de oficio ya que cuenta con sólo dos películas a su haber,Silva tiene mucha habilidad, talento y conciencia del material con el que trabaja, de las historias que cuenta, porque en sus obras nunca pierde el norte de la fábula que esta narrando, por más que inserte disgresiones y otras entradas en sus filmes. Algo que es bastante meritorio para un director que gusta del segundo plano y lo subliminal. En La Nana Silva deja de lado cualquier maniqueismo social y construye, en Raquel, un personaje alienado y huraño, fracturado en su interior porque la película pone enfásis en un conflicto que si tildo de existencial, seria hacerle un deshonor a una pelicula muy bien narrada. El asunto es que la alienación que expone en la película es muy profunda e intima, ocurre cuando las relaciones de producción se confunden los sentimientos, lo que se da sólo cuando aquello que nos caracteriza como seres humanos es lo que esta en juego. Este conflicto es el centro de la película, es el que hace que Raquel sienta como sus hijos, aa quellos que no lo son, a pesar de estar unidos a ellos solo a través de una relación laboral. Esa perdida de los límites, ese quiebre, es la peor lesión que aqueja a Raquel, y a partir de este punto puede observarse como Silva compone una obra de carácter social sin sacrificar ni un ápice la dignidad del personaje. La situación de Raquel cambia con la llegada de Lucy, quien con su energía y simpatia hara que Raquel sea consciente de su situación, en una escena realmente memorable, donde la simpleza de su ejecución constrasta con la profunda compresión y empatia que esta en juego.