No tan solo el cine comercial saquea el mundo del comic en busca de ideas rentables, sino que también el noveno arte mira al septimo sin pudor. Hace unos pocos años el mundo del comic viene sacandole provecho al fénomeno de la zombiexplotation; que no es otra cosa sino la creación en serie de comics sobre zombies, esto ha dado resultados tan dispares como Los muertos vivientes (The walking dead) serie escrita por Robert Kirkman, que cuenta con el talento de Tony Moore y Charlie Adlard en los lapices, y cuya motivación es auscultar que sucede con los sobrevivientes de las peliculas de George A. Romero (otro santo patrono de este blog) cuando el metraje llega a su fin: premisa interesante que tiene como protagonista a un joven policia de Kentucky, quien tras sufrir un leve accidente despierta en medio del apocalipsis zombie, en riguroso blanco y negro el equipo Moore - Adlard - Kirkman han llevado la serie a niveles de alta calidad, transfomando a Los muertos vivientes, tanto para los fans de los zombies como para cualquier interesado en el noveno arte, en un imperdible. Su contracara seria Marvel Zombies serie donde los personajes de la casa de las ideas se han transformado en zombies, en fin la premisa es absurda y predecible, lo interesante es que detrás de dicho bodriete esta también Robert Kirkman y el talentoso Sean Phillips (Incognito, Sleeper).
Ahora bien, la obra en cuestion en este momento es parte del fénomeno del zombiexplotation y si bien no tiene la seriedad de Los muertos vivientes, brilla con luces propias y su (excelente) título es XXXOMBIE. Como su este lo indica es un coctel explosivo entre muertos vivientes y cine porno, eso sí ambientado en los años 70" (harto brillo y pata de elefante). El asunto comienza cuando Wong Hung Lu reune a un ramillete de actores porno, y un par de debutantes en el negocio: Scott y Jenny, para rodar una peli un fin de semana completo, y así poder saldar una deuda con la mafia. Mientras el equipo completo esta encerrado sudando la gota gorda se desata una plaga que comienza a convertir a todos los habitantes de Hollywood en zombies, iniciandose la desternillante carrera por la sobrevivencia. Si aún les falta argumento, cabe destacar que no solo los zombies serán el único peligro a enfrentar; un camionero en busca de Jenny la debutante, dispuesto a reventarle el craneo a todo lo que se mueva ya sea un vivo - vivo o un muerto - vivo, más el grupo de mafiosos tras Wong Hung Lu terminan de configurar una obra en la que los sobrevivientes no se encierran, como es el motivo clásico, para resguardarse sino que se lanzan a través de la ciudad, por lo que la cosa agarra tintes de road movie, y veremos a una monja tras un polvo antes del juicio final, un endemoniado hospital o bien a nuestros entrañables personajes decididos a despacharse su última juerga. XXXOMBIE es una desquiciada mezcla de porno, gore, zombies y violencia mezclados con el más corrosivo humor negro que no dejará indiferente a nadie. Además sus creadores; Rick Remender en los guiones y Tony Moore (again) en conjunto con Kieron Dwyer en el arte explotan elementos iconograficos de la época; hay esta Kurt Russel como un camionero asesino y Marlon Brando como un padrino loco armado hasta los dientes.
Buscando alguna viñeta interesante por ahí, me encuentro en entrecomics con este delirante enfrentamiento entre un par de delesnables: Stalin v/s Hitler. De la mano de Alexey Lipatov. Si alguien quiere saber como termina la batalla clickee aquí.
Todo sujeto abusado guarda potencialmente un ansía de revancha, un psicópata, un deseo de abusar; un instante de poder. Todo el mundo o un 99,9999% ha sido abusado alguna vez, mamándose las ganas de chistar, aguantando el vómito de la ira: ¡chuuuuuuun, pah entro! Si buscáramos un rango, una característica; esencial, intrínseca, básica, del siglo XX y comienzos del siglo que transcurre, sería sin lugar a dudas: la violencia. Somos sujetos dilacerados material y psicológicamente y ya, hasta este punto, donde no sabemos qué diablos hacer, sólo nos queda esperar: esperar a que entre en nosotros además de golpes sin sentido (sustentados en la lógica), la brutalidad reveladora del amor. Ese amor que pide permiso para entrar, sabiendo que nunca será bien recibido del todo, porque el amor nunca es únicamente felicidad y dulzura, sino también violencia, desgarro y, por sobretodo, conciencia de muerte. Con la aparición de Twilight, una novelita de la escritora Sthepenie Meyer, y su adaptación al cine dirigida por Catherine Hardwicke, la figura del vampiro vuelve a estar más patente y desconfigurada que nunca. En ambas obras se nos representan vampiros mamones, que no son capaces de tocar a una mujer (u hombre) por miedo a morderla, que tienen una familia modelo (padre, madre, hermanos, todos felices), ABC1, que se enamoran y desean casarse (hasta este punto ya estoy vomitando), que sólo comen animales producto de sus conflictos morales con lo que es su naturaleza y un tremendo etcétera de conservadurismo e idealismo. Está estética apolínea de la figura del vampiro, cegada en la belleza superficial de éste, no repara en que la perfección del vampiro radica en que en éste confluyen la vida y la muerte: para que viva es necesario que mate, para que ame es necesario que el ser amado también mate. Pero hay una obra que sí configura todo esto, mejor dicho, dos obras: la novela Déjame entrar de John Ajvide Lindqvist y, su adaptación a la pantalla grande, dirigida por Tomas Alfredson. En este caso me haré cargo de la cinta de Tomas Alfredson, que contó con el trabajo de John Ajvide Lindqvist como guionista. Déjame entrar o Låt den rätte komma in narra la relación personal, íntima, de Oskar (Kare Hedebrant), tanto con su interior como con el medio en que le tocó vivir. Narración enmarcada en la nieve, en un pequeño pueblo sueco donde el frío, la oscuridad y la soledad dominan, características que se mimetizan con los pequeños protagonistas. Abusado por sus pares, no escuchado por los adultos (padre, profesores), Oskar se dedica a leer y coleccionar cualquier texto relacionado con crímenes, jugando, de vez en cuando, a imaginar que mata a alguien sin piedad, abusivo, agresivo, enfermizo, “¡Grita, grita como un cerdo!” Pide a sus víctimas imaginarías. Hasta ese momento de su vida (doce años, no estoy seguro) Oskar es un niño reprimido, neurótico: soñando con manejar, prodigar, poder y violencia, pero recibiendo sólo golpes de éstas. Hasta ese momento, en que conoce en el patio de su departamento, mientras apuñala a un sujeto imaginado en un árbol, a Eli (Lina Leandersson), la nueva vecina que acaba de llegar con quien, aparentemente, podría ser su padre. De inmediato se entabla una (ilusoria, tal vez) relación de amistad entre los dos pequeños, amistad que nace con la advertencia de la imposibilidad de ésta: “No puedo ser tu amiga”, le dice Eli a Oskar en su primer encuentro. A partir de ahí, con un ritmo poético, se nos narra la relación de los pequeños: sus acercamientos, sus contactos, sus distancias, sus violencias, sus dulzuras, sus pasiones, sus erotismos, sus sangres, sus inocencias, sus iras, sus fantasías, sus soledades. Para algunos, puede que la película sea considerada como lenta, pero sería no comprender la composición de la película; muy bien visualizada por Alfredson, que sabe que narra una poesía muy atenta a cada detalle: lo estático tiene movimiento, el abrazo tiene distancia, la vida tiene muerte. Dos aspectos fundamentales del amor en la película: 1) La soledad de Oskar es el fundamento del enamoramiento de éste por Eli. Podemos afirmar que, la película, plantea como fundamento del amor a la soledad; sólo en la soledad el cubo Rubik tiene sentido de ordenamiento. 2) La distancia siempre es una constante en la película, hija de la soledad y, sentido contradictorio del amor, a cada momento, se nos está presentando la distancia en la película, de allí que, la ventana y más específicamente, el vidrio, está presente en constantes escenas. Estos son los elementos que están siempre en movimiento en la película y que, en alguna medida, configuran ésta. De allí también que Eli, como sabremos a los pocos minutos, deba ser un vampiro. El vampiro siempre ha mantenido un carácter de engaño, una contradicción: es bello, es perfecto, un seductor irresistible, fino, leve, pero debajo de aquella superficialidad está la ira, la violencia, el deseo por la sangre y la muerte del otro, deseo prístino, vital, que clama la vida del otro para vivir. El primitismo del vampiro, en este caso de Eli, viene como una fuerza igualitaria y opuesta; una llave, dispuesta a abrir y liberar a Oskar de su neurosis: “puedes golpear para defenderte, puedes matar, puedes violentar”. Eli: la llave del amor, pide permiso para entrar en Oskar, porque al entrar en él despertará los dolores, los desgarros, las alegrías y dulzuras del amor, también porque lo necesita y lo reconoce como un igual. Contradicción: santa y para nada contradictoria. El vampiro es como el humano y el humano como el vampiro, ambos pueden ser dulces y brutales, como Oskar y Eli, que al final, juntos, se defienden en el amor, matando a sujetos agresivos, que los violentan, aceptando a la vez un futuro donde lo único seguro es la muerte. Final feliz o trágico, el director piensa que es feliz, yo también apuesto por lo mismo, aunque no deja de parecerme atractiva una lectura de la película donde Eli sea una puta cabrona que maneja todos lo hilos del relato, abusando y determinando al pobre Oskar, allí, sin duda, sería un final menos feliz.
La primera vez que lei Watchmen fue hace unos tres años, el impacto fue inmediato, tiempo después encontraría las palabras para definir la expriencia: leer Watchmen fue como leer a James Joyce. La obra escrita por Alan Moore y dibujada por Dave Gibbons es una especulación acerca de que habría pasado si hubiesen existido los superheroes en realidad; un tipo lee el primer comic de Superman a fines de los años treinta y decide ponerse un rídiculo traje y salir por las noches a cazar criminales, porque le parece que la realidad del comic es mejor que la suya. Watchmen muestra la locura, la neurosis y la violencia de estos sujetos, el centro de la obra es exponer la eterna deformidad de los ideales, y es que lo superheroes sí existen, son parte de nuestra imaginación y eso modifica nuestra realidad. La obra arranca el 7 de octubre de 1985, tras el asesinato del Comediante un ex vigilante que trabajo para el gobierno, y se extiende por unos pocos días, volviendo constantemente al pasado, llegando hasta los años cuarenta época en la que se forma el primer grupo de vigilantes: los Minutemen. Watchmen se centra en la segunda generación: El Comediante, Rorschach, Silk Spectre II, Nite Owl II, Ozymandias y el Dr. Manhattan. Este último es un ser azul, que tiene el poder de controlar los atomos en todos sus niveles, por lo que es utilizado por Estados Unidos para intimidar a la URSS durante la guerra fría.La profundidad de Watchmen se deja ver con faclidad en su trama, sin embargo la comparaba con Joyce, por el nivel de exploración de las posibilidades expresivas del comic, cada viñeta habla en su individualidad, como parte de un conjunto y de un orden. La cantidad de detalles, simbolos e imagenes subliminales coordinadas a partir de una sintaxis llevan su espesor y lenguaje iconografico al nivel del uso de la lengua en cualquier clásico de la literatura. A pesar de todo esto me parece que la mayor influencia de Watchmen para la posteridad, el influjo que ejerce se debe a que es una obra que genera, o bien engendra, un tipo de lector. Es cierto que antes de lo que hicieron Moore y Gibbons han habido otros autores importantes como Will Eisner, sin embargo es en Watchmen donde se decantan y materializan todas las influencias anteriores, además la obra se basa en los mitos clásicos del noveno arte: los superheroes. Moore y Gibbons hicierón con los superheroes lo mismo que Cervantes hizo con las novelas de caballeria, lleva un producto de la más baja cultura popular al nivel de un clásico absoluto. Por todo esto es por lo que Watchmen engendrá un tipo de lector, porque pone en juego un lenguaje figurativo que exige el uso de determinadas habilidades, distintas a las que usamos para ver cine o leer un poema. Después de Watchmen los comics ya no se consumen, sino que se leen (críticamente), Watchmen engendra una sensibilidad distinta, exclusiva del noveno arte.
Por todos estos motivos nunca entendi el entusiasmo que genero la adaptación de Watchmen al cine, es como si fuera necesario que esto se llevará a cabo para que esta fuera reconocida, o se validara. Desde un principio la idea de la adaptación me parecio imposible, dado el registro expresivo de la obra, (que espero haber dejado claro) y la calidad del director elegido para llevar a cabo el trabajo: Zack Snyder. Por todo esto, es rídiculo esperar que la pelicula fuera fiel a la obra en sus niveles más profundos, como muchos esperanrón que fuera. Sin embargo a pesar de haber dicho que no me interesaba en ver la pelicula, deje de lado todo prejuicio (que esperanzas nunca hubo) y fui a verla. Si ya iba desarmado, los maravillosos créditos iniciales me dierón el ánimo para bancarme las dos horas y media de metraje que se me venían encima, ahí estaba la historia de Estados unidos desde los años cuarenta hasta 1985 con la presencia de los Minutemen, dejando en claro como sería la realidad si existieran los superheroes, el hombre en la luna acompañado por el Dr. Manhattan, Kennedy asesinado por el Comediante, Fidel Castro en Moscú, los hippies frente a un ejercito, Silueta, una vigilante asesinada por ser lesbiana, Andy Warhol y Annie Leibovitz retratando a los heroes. Cada imagen con la camara ejecutando suaves movimientos que nos permiten apreciar los detalles explícitos e implicitos, como si estuvieramos leyendo un comic. Y por si fuera poco de fondo suena The times they are a-changin' (los tiempos están cambiando)de Bob Dylan, sin duda alguna los créditos iniciales de Watchmen es una de las secuencias más bellas que jamás he visto en un cine.
Lo que viene después es el triste esfuerzo de un director por adaptar una obra monumental, a partir de sus limitados recursos expresivos (que no es lo mismo que técnicos, claro esta, esos sobraban). Snyder estaba asediado por tres flancos; ser fiel a una obra para poder llevar a los fans de esta al cine (que no es lo mismo que ser fiel a la obra de arte), satisfacer las exigencias de los inversionistas (hacerla digerible por cualquier estomago), y por último tratar de hacer que la pelicula paresca una obra de Zack Snyder (ponerle secuencias estilizadas, hiperviolentas y ralentizadas, algo que también le agrada a los inversionistas).Esa neurosis se aprecia claramente en la pantalla; una pelicula ambientada en un 1985 alternativo que iconicamente se parece al verdadero 1985, pero que posee una paleta de colores y una iluminación del siglo XXI. Snyder tira de los hilos básicos de la trama de Watchmen para materializar una obra kitsh, excesiva y a ratos sobrecargada; no es otra cosa sino una delirante pelicula clase B de 130 millones de doláres, lo que por supuesto es una gran contradicción. Esto último no debería sorprender a nadie, los críticos se la pasan destrozando los filmes del mainstream, sin entender que es el cine B el que se ha tomado los grandes presupuestos, peliculas como el Transportador, Death Race o Transformers, son obras realmente delirantes, mas propias de imaginaciones como Roger Corman, la diferencia es que las de este último tenían un gran nivel de inventiva debido a los bajos presupuestos que manejaba y a los limitados recursos de la época. Mientras que ahora cualquiera que tenga efectivo, va a tener autos transformandose en robots en la pantalla. Por eso buscar fidelidad en Watchmen es inútil, porque Snyder es incapaz de sostener cualquier hilo drámatico, muchos de los mejores diálogos están pesimamente trabajados, mientras que por el contrario hay secuencias de violencia que son más expresivas y concretas para la obra (como el Dr. Manhattan reventando gente). Lo que en la obra de Moore y Gibbons es un esfuerzo por llevar al límite un icono cultural e ideologico, en el film se convierte en una delirante conspiración faraónica. A pesar de todo eso, Snyder logra poner en escena ciertos hilos de la trama que no son simples, trasladando también cierta multiplicidad de voces y perspectivas. Llegando a darse el lujo de plasmar grandes momentos (todas las escenas en que aparece Rorschach)En síntesis es una pelicula que no tiene desperdicio, pero que debe ser apreciada en su justa medida; un esquizoide producto de serie B. Los créditos iniciales de Watchmen Así nomas, para quien quiera verlos (clickear encima para agrandar cualquier imagen, el video también puede verse a pantalla completa)
Un teaser trailer es un conjunto de imágenes expuestas para presentar una pelicula, la diferencia con un trailer íntegro es su corta duración y que muchas veces entregan solo pequeños detalles de los futuros estrenos. Ahora les traigo un par de teasers de dos obras a las que les vamos a seguir la huella, la primera es [REC] 2 y la otra TheThirst. La primera es un brevisimo video de la continuación de la exitosa pelicula de zombis dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, ambos directores demostrarón una gran pericia técnica en la primera parte, que a más de alguno le habra dejado con taquicardia. En realidad el teaser dice bien poco, pero permite hacerse una idea de como esta segunda parte dialogará con la primera, ya que al parecer transcurrira unas pocas horas tras lo sucedido en [REC]. Para los que no hayan visto aún la primera parte les cuento que es una peli de zombis filmada para dar la ilusión de tiempo real, al estilo Bruja de Blair, donde una periodista queda atrapada con su camarografo en un edificio donde todos comenzarán a transformarse en mortiferos come-carne-humana. Terror en primera persona que no deja indiferente a nadie, y otra prueba más de que los cineastas españoles no tienen nada que envidiarle a los gringuetes. En el segundo teaser se puede apreciar lo que será la nueva peli del surcoreano Park Chan-Wook, uno de los directores predilectos de este blog, y es que no nos cansamos de repasar su magistral trilogía de la venganza (Sympathy for Mr. Vengeance,Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance). The Thirst se llama el nuevo film que en abril llegará a las pantallas grandes asiaticas, y contara la historia de un sacerdote, que tras someterse a una transfusión de sangre se convierte en un sediento vampiro (ojo que no solo de sangre viven los seres de la noche). En fin a esperar a conseguirla en DVD en bendito "mercado infomal" o en la web, porque el fandom hace rato que se mueve más rápido que los ineptos distribuidores.
(Clickear encima para agrandar) Peanuts de Charles Schultz al estilo Sin City de Frank Miller cortesía de Timothy Lim y Jean Luc Pham. fuente/Entrecomics
Así es nomas, y no es que Bolaño haya seguido escribiendo en un mundo de ultratumba (que si existe de seguro que en eso esta, además de hacer un cursillo con Pascal). Sino que tras cambiar de agente literario: de Carmen Ballcels a Andrew "el chacal" Wylie aparecen cajas con más material inédito. Lo extraño es que se supone que Ignacio Echeverria ya había saqueado todo los escritos sin publicar, y es que parece que el crítico español se dedico a hackear solo el disco duro del compu de Bolaño, siendo que adquirio este recién en 1995, y como bien dice la nota de la revista Ñ la primera vez que Bolaño escribio el nombre de Benno von Archimboldi fue en 1988. Cualquiera que haya leido, aunque sea, la contra-tapa de 2666, sabra que Archimboldi es el nombre del escritor protagonista del mamut bolañiano, y que su nombre le da título a la quinta y última novela. En fin se supone que hemos de asombrarnos porque Bolaño venía trabajando su obra desde hace mucho tiempo antes, sin embargo todo buen lector sabe que los clásicos no se escriben de la noche a la mañana. Sin embargo lo que llama la atención es como el descubrimiento de nuevo material comienza a alterar el mapa de la obra, la cartografía y su estructura. Y es que la nota destaca, como de un legajo o continium de papeles se estrajo las cinco novelas de 2666 y Estrella distante: ya no solo se habla de El tercer Reich (la novela basada en un jugador de wargames), sino que de un par de novelas más: Diorama y Los sinsabores del verdadero policia o Asesinos de Sonora; parece que con el paso del tiempo la obra de Bolaño terminara conviertiendose en un extensa alocución (imagen inevitable si se piensa que el grueso de su obras, desde estrella distante hasta 2666 fue publicado en menos de diez años). Se habla de poemas inéditos, diarios y hasta la sexta novela de 2666, asi es que a prepararse, porque comienzan los saqueos, los tirayafloja porque Bolaño es un peso pesado absoluto en el mercado literario. Con la consagración de Bolaño en las metropolis literarias de habla inglesa (¿les suena Obama y Gordon Brown?), es cosa de armarse de paciencia y esperar, porque en unos cuantos años le van a publicar hasta los rayados del baño y la agenda telefonica (si alguien quiere saber el número de Fresán o Vila-Matas: queda poco): lo importante es que ojalá se respete el rigor que le impuso el mismo Bolaño a su obra, los criterios y lineamientos de edición que la constituyen, en fin hay Bolaño para rato.
Sigo viendo los futuros films a tener en cuenta en la cartelera (por no decir obligatorios). Arriba se puede ver el warholiano poster de Los abrazos rotos lo nuevo de Almodóvar a estrenarse pronto en España, y como se puede apreciar la protagonista es nuevamente la oscarizada Pe, repitiendose el plato con el talentoso director español, tras haber encabezado el reparto de Volver. La pelicula trata acerca de un escritor y cineasta ciego, producto de un accidente de auto, que recuerda el accidente y a la mujer amada. Pues la trama tiene muy buena pinta, de seguro nos encontramos con un largo racconto a lo obsceno pajaro de la noche (hay muchas simetrias entre el grotesco Donoso y el grotesco Almodóvar; se imaginan al español adaptando El lugar sin límite. Cierto, es inimaginable). Al parecer el director de Todo sobre mi madre seguira ciertos lineamientos planteados en su último film. Y es que en Volver, Almodóvar demostro una inventiva sin igual, al plantear una historia de su puño, letra y estilo. Y presentarla paseandose por una buena gama de géneros, desde el fántastico hasta el thriller (como todo gran director Almodóvar también le tiro sus flores a Hitchcock en ciertas escenas), y dandose el lujo de insertar ciertos homenajes cinéfilos (¿alguien ha visto Fried Green Tomatoes?). Trailer de "Los abrazos rotos"
Alfred Hitchcock - ...The Lodger es el primer film en que saqué provecho de lo que había aprendido en Alemania. En este film todo mi acercamiento era realmente instintivo; fue la primera vez que ejercí mi estilo propio. De hecho, se puede considerar que The Lodger es mi primer film.
François Truffaut - Me gusta mucho. Es muy bello y muestra una gran inventiva visual... Todo ello hace de The Lodger el primer film Hitchcockiano, empezando por el tema que se convertirá en el de casi todos sus films: el hombre acusado de un crimen que no ha cometido.
Alfred Hitchcock. - Es que el tema del hombre acusado injustamente produce mayor sensación de peligro a los espectadores, porque se colocan más fácilmente en la situación de este hombre, que en la de un culpable que trata de escapar. Siempre tomo en consideración al público.
Y es con The Lodger (El enemigo de las rubias) con que parte el ciclo de cine de Matucana 100, dedicado a este genio absoluto del septimo arte: son 43 peliculas que van desde la mencionada The Lodger (1927) hasta La trama (1976). El ciclo se inicia el 15 de Marzo y se extendera por más de un año todos los domingos a las 19:30 hrs hasta el 10 de junio del 2010. Una gran oportunidad para revizar una de las filmografias más interesantes del siglo XX. Adhesion: $500 más info aquí
Lo nuevo de Tarantino para el mundo se llama "Inglorius Basterds", y el un film sobre la segunda guerra mundial; un grupo de soldados nazis ha sido condenado a muerte, sin embargo se les da una oportunidad que no pueden rechazar: una misión suicida, entrar en la francia ocupada. No es que en este Blog nos guste dar noticias, pero Tarantino es Tarantino y vale la pena seguirle la huella a peliculas que prometen, aunque aquí se estrenen el dia del culo. Abajo un poster más, el link para ver todos los posters y el trailer. Más posters aquí (fuente: blogdecine) Trailer
Y lo nuevo de Tarantino para Chile se llama Deathproof, pelicula estrenada originalmente el 31 de Mayo del 2007 en el terruño del tío Sam. Sí, hace casi dos años, y muchos la habrán visto ya en deuvede (como yo). Les recuerdo que Deathproof fue proyectada bajo el título de Grindhouse, aludiendo a las viejas funciones de cine continuas (o rotativos, para los nostalgicos), y el asunto le llevaba Planet Terror de Robert Rodríguez, Deathproof del Tarantino, más cuatro trailers falsos, entre los que destacaba Machete (trailer que se convertira en largometraje de la mano del mero Rodríguez). Grindhouse tuvo una limitadisima distribución porque en USA no la fue a ver nadie (que se puede esperar de un país que elegió dos veces a Bush Jr.), esto sello la suerte del film para el resto del mundo, y nos dejo con las ganas de esas más de tres horas de homenaje al cine B. Pero este último tiempo se ha visto publicidad en ciertos cines que abre la esperanza. Como en la foto que les dejo, tomada hace unas pocas horas en una conocida multisala de Estación Central. Si alguien tiene alguna información más concreta, que la comparta.
Título: Crows Zero Título Original: Kurozu Zero Director: Takashi Miike Duración: 129 minutos Año: 2007 País: Japón
género: flaitestudiantes japoneses fecha de estreno en Chile: el día de la tapioca ¿y como m?$#! la veo?: Punto Reflex fansub
Crows Zero es un live action (manga adaptado a la pantalla grande con actores de carne y hueso) basado en la obra de Hiroshi Takahashi, en general este tipo de adaptaciones ha dado frutos bastante repugnantes (Deathnote, El principe del tenis), sin embargo el director de este film es Takashi Miike, japones de 48 años que cuenta con medio centenar de peliculas en su filmografia además de miniseries. Director hiperquinetico y polémico entre sus higlights esta la escena en que una mujer da a luz a un hombre (literamente, lo que leyeron es lo que ven) en Gozu, o las incestuosas escenas de la sufrible Visitor Q, y no podemos olvidar a la sanguinolenta partera de Imprint (capítulo dirigido por Miike para Masters of horrors, el único que ha sufrido censura hasta la fecha), pero no todo en la vida son salvajadas para este amigote de Quentin Tarantino y Eli Roth (a quienes porque no decirlo ha influenciado desicivamente, a tal punto que el primero produjo un remake de Django dirigido por Miike), pues su principal atributo es la facilidad con la que domina los géneros, como el terror (One Missed Call, la original no el bodriete gringo), el mismo live action (Ichi the killer, la miniserie de MPD psycho), sin olvidar el musical (The happines of katakuris) y por supuesto el favorito del director: el género gangsteril o de yakuzas (Shinjuku Triad Society, Agitator, la saga Dead or Alive). Es la mano de Miike aplicada a este último lo que se deja ver con más fuerza en Crows Zero.
Suzuran es una escuela donde todas las relaciones humanas están reducidas a cierta primitiva y simple expresión humana: los golpes, aqui no hay espacio para profesores ni autoridades de ningún tipo (la policia aparece en un par de escenas de humor), en cada rincón de la escuela parace que ha explotado una bomba y por si fuera poco esta esta rodeada de insustrias y lugares abandonados. Y como el lenguaje primario son los golpes el animal de turno se llama Tamao Serizawa (Takayuki Yamada), quien con su pandilla son los más fuertes del lugar, hasta que llega Genji Takaya (Shun Oguri), hijo de un jefe Yakuza que quiere tomar el control de la escuela por el solo próposito de superar a su padre (ex alumno del distiguido cole, que no consiguio hacerse con el liderato), pero Genji es un tipo introvertido y sin mucha labia, asi es que se alia con Ken Katagiri, un yakuza loser y deslenguado que lo instruira, para granjearse el apoyo de otros compañeros y enfrentarse a Serizawa en una batalla de infarto. El film tiene un ritmo endemoniado, y pone en escena un sin fin de escenas de violencia y lucha excelentes técnicamente en todo sentido, pero la gracia de la cuestión es que los golpes de efecto no son la base de la pelicula, Miike logra desarrollar a cada personaje de la intrincada jerárquia de Suzuran, con sus conflictos y personalidades, además de pasearse por distintos tonos: pelicula de formación,comedia, melodrama y escenas adrenalinicas se suceden sin freno en poco más de dos horas, delineado una obra que es entretenimiento de calidad, sin dejar de ser una pelicula interesante.El asunto de los escolares violentos es practicamente un tópico japones (vease Battle Royal o la somnifera Once a upon time in a High School), y si ampliamos la discusión al concepto de juventud, nos encontramos con un motivo clásico del cine, expuesto generalmente bajo el siguiente problema: que carajo hace un adolescente/joven lleno de energía al que no le interesa en lo más mínimo ser parte del sistema. Los ejemplos van desde la ñoña Rebelde sin causa hasta la interesante naranja mecánica de Stanley Kubrick, en esta última una refinada y maquiavelica pandilla, que arrasa con todo, choca de frente contra un sistema pavloviano. En la película de Miike la marginalidad es un a priori absoluto, no hay figuras de orden ni de ley, los únicos adultos son yakuzas. La pelicula tránsita con perfecta comodidad por el imaginario del director de Dead or Alive, sin embargo este no llega a poner en escena momentos del calibre de los antes citados lo que es aún más interesante, porque Miike no piedre el norte y nos muestra que al fin y al cabo las luchas de Suzuran no dejan de ser juegos de niños inquietos y sin reglas, mientras que los yakuzas muchas veces juegan a ser niños sin reglas.Furiosa, entretenida, nihilista e iconica; Crows Zero es un film imperdible muy superior a todo lo que se vende bajo ese rótulo en nuestras salas de cine.Trailer Crows Zero
PD: Miike filmo una continuación que obviamente se llamará Crows Zero II Trailer Crows Zero II
Título: “Pudor” Autor: Roncagliolo, Santiago Editorial: Alfaguara, 2005, 182 pp.
Ante la resistencia del mundo literario en una primera instancia, Roncagliolo escritor, dramaturgo, guionista, traductor y cáncerigenamente periodista, da a luz una novela que pretende ser el punto que equidista del resto de su obra. A sus 34 años ha escrito al menos 10 títulos y es que desde entre el ensayo “Arte Nazi” y la novela ganadora del premio Alfaguara “Abril Rojo” surge “Pudor”, ficción que sería llevada en el 2007 al cine en España por los hermanos David y Tristán Ulloa.
“Pudor” es una novela con especial arquitectura, un carrusel de imágenes distintas que sin embargo hablan del mismo paisaje. Historias íntimas de miedos y deseos internos, secretos inconfesables, todos y cada uno de ellos atravesados por el pudor.
Pudor de un niño con un sexto sentido, de un abuelo que necesita y exige su ida a un asilo, de un gato que observa a la familia y padece al sentir olores extraños, de una esposa atosigada por un extraño, de un padre en fase terminal y de una reservada hija adolescente.
Pudor…
Roncagliolo dispone del diseño de la novela de manera tal que no perdemos la continuidad de la historia, podremos estar dentro del baño con la hija, siendo el gato, observar al padre y a la madre convirtiéndonos en espías y saber que es lo que sucede en la vida de esta familia. El narrador omnisciente es continente de una pluralidad de voces que hacen de esta novela un tobogán imposible de no leer de una sola vez. La lectura es amena, cercana y con un pluma simple, imposible de no entender. Oral, a no poder más, se transforma en una verdadera atracción fatal.
Pudor es de esas novelas que podrías considerarla como una “tirada matutina”: cortita pero buena. Te enfrentas a la primera de seis narraciones paralelas que conforman la historia personal e intima de esta familia peruana y sin darte cuenta ya estás en la última y concluyente narración. Te toma, te envuelve, te deja en más alto éxtasis para simplemente dejarte arriba y sin aviso: acabar. Los siento, sólo ciento ochenta y dos páginas, ni una más ni una menos, y que Dios te ayude a mantener el goce. Roncagliolo nos hace tener una relación con el texto como si este fuera un amante casi perfecto, sabe penetrarnos, mantenernos atentos, sin embargo, sin poder evitarlo,la perfecciíb termina con una eyaculación precoz: termina mucho antes y nos deja con la extraña sensación de querer más.
Hace ya un año (siento ser tan vago, la seguridad del tiempo pasado no es mi religión y fuerte), descargué veintiún tomos de un manga llamado Gantz, desde ese instante hasta ahora, por fin, he terminado de leerlos. Debido al tiempo transcurrido se podría pensar que la lectura de Gantz se me hizo pesada, una lata y una obligación, no se podría estar más equivocado. Gantz es obra de Hiroya Aku (1968), mangaka cuyo trabajo “es de fácil y breve enumeración”: Hen, Zona Cero, Me~teru no Kimochi, además de, claro está, Gantz. Otro punto a resaltar en la carrera de Aku es la invención de lo podríamos llamar “la trayectoria trazada por los pezones”, técnica que sirve para indicar el movimiento de los pechos. Y bueno ¿de qué diablos va Gantz? Simple: Kei Kurono, un adolescente, en plena etapa del “ganzo”: inmerso en la cultura pop japonesa, individualista, enajenado, cobarde, flojo, somero, pajero, se encuentra placidamente esperando el metro en un andén de su ciudad (Tokio), cuando, al mismo tiempo de reconocer a un ex compañero de básica, Masura Kato, un sujeto ebrio cae a las líneas del metro. Frente al peligro que corre el ebrio en un andén lleno de gente, reflejo de una sociedad salvadora de su propio culo, que no hace nada por ayudarlo (quizás esta escena sea una exageración, pero ésta es la primera de un festival de exageraciones y, permítanme adelantarme, en la exageración está todo el placer de Gantz), sólo el joven Kato, en un impulso de segundos, se arroja para ayudar al vagabundo tirado. Como éste no reacciona y, frente a la inminente aparición del metro en el andén, Kato reconoce (en otro segundo eterno y revelador) a Kurono, pidiéndole inmediatamente su ayuda. Kurono (gantziando, es decir, como buen hijo de la sociedad) intenta hacerse el “ganzo”, pero la presión social (gantziando otra vez) le lleva a prestar ayuda a Kato. Como era de esperar; los jóvenes salvan al vagabundo ebrio, pero ellos son alcanzados por el tren expreso y, lógico: los trozos de carne y sangre, tanto de Kei como de Kato, saltan de las viñetas, iniciando lo que será un certamen de excesos de sangre, mutilaciones, sexo, tetas, chuchadas, mierdas, balas, armas, sujetos de la puta madre, minas de la puta madre y, claro (sé que esto se ha leído y se leerá en cualquier texto que tenga relación con Gantz), más tetas, más sangre, más descuartizamientos. Complejo: luego de morir, supuestamente, gracias a su buena acción, Kurono y Kato deberían ir al cielo, revivir en una forma superior o una de esas tantas patrañas de después de la muerte, pero estos sujetos son trasportados a una habitación de hotel en Tokio, donde se encuentran con otros sujetos y una bola negra (Gantz), luego de intentar algunas explicaciones del tipo reality, película de ciencia ficción, terror o ambas juntas (¡gran mezcla! que resume en sí lo que es Gantz), se dan cuenta que están totalmente muertos y, lo peor de todo, es que Gantz, sin pedir “por favor”, les manda a matar unos supuestos extraterrestres donde el lema será: “matar para vivir o morir matando”. Así la cotidiana vida de Kurono se derrumba, ya no se trata de vivir o morir, se trata de sobrevivir, es decir, situarse y ganar conciencia, de un espacio indeterminado, intermedio. La dualidad vida/muerte es rota en Gantz, la pieza del hotel es ese espacio al centro (quizás esté en otro lugar), esa fractura donde la supremacía de un valor sobre otro puede ser invertida. A medida que avanzamos en la lectura de Gantz, se vuelve imposible reconocer quién diablos es el extraterrestre, quién es el cazador, quién es el humano, quién es el amor, quién es el orden o incluso, avanzando un poco más, es complejo dilucidar qué es lo que separa a Gantz y la habitación del hotel del mundo exterior: la ciencia ficción/terror consume la realidad y viceversa. Es, precisamente, en este espacio donde Kurono inicia su viaje cognoscitivo y evolutivo. Sin lugar a dudas, Gantz es un gran manga, con un dibujo exquisito, quizás se pueda reconocer de vez en cuando vacíos en el guión (Gantz es manga aún abierto), pero estos vacíos son esos sabrosos espacios indeterminados. Los excesos, ya enumerados, son una explosión de divertimiento pero, a su vez, son el método sin el cual (puede resultar lógico) la magia de Gantz no resultaría; ya que es en el exceso donde los espacios críticos, intermedios, subversivos, explotan, impregnándonos de sangre, carne y tetas, revolucionarias. Pd: De este manga se hizo una seria de anime que, con cueá, alcancé a ver un capítulo: ¡mala la weá!
Un 27 de marzo de 1963 Knoxville, Tennessee, parió a este gran hijo del Pulp, en el 92’ lo vimos nacer como director gracias a su primer film como director: Reservoir Dogs, pero Quentin se dió a conocer gracias a “True Romance” donde su participación fue de guionista y donde colaboró algo Roger Avary y Tony Scott, quien acabó por dirigir con Patricia Arquette y Christian Slater en los papeles principales [1]
Como decía, Quentin Tarantino, además de actor y director, trabaja sus filmes desde los guiones, preocupándose principalmente del contenido de los textos y de los discursos, la mayoría de estos apuntan a una influencia del cine de artes marciales. Tarantino transforma todo en una permuta, en un gran préstamo e intercambio al introducir elementos de otros géneros como el spaghetti western, el Blaxplotation y Explotation o personajes surgidos de un viejo film porno. Si bien el uso de citas y frases son referencias de creaciones anteriores (de sus películas y de otras películas), este director crea sus historias a partir de la combinación de los más diversos géneros, de los personajes surgidos de su heterogéneo universo cinéfilo. Estos entrecruzamientos, también ponen de manifiesto la unicidad y la coherencia de su obra.
Es de esta obra de la que se desprenderán las siguientes reseñas:
Reservoir Dogs (1992) Pulp fiction (1994) Four Rooms (1995) Jackie Brown (1997) Kill Bill Vol I (2003) Kill Bill Vol II (2004) Death Prof. (2007)
UN PASEO POR LA NUBES
En 1992 el director se lanza a la escena con su opera prima “Reservoir Dogs”, o “Perros de la Calle” como fue estrenada, donde seis gángsters profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Eddie (Chris Penn) para un trabajo. Ellos no se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: Sr. Rosa “mr. Pink” (Steve Buscemi), Sr. Blanco “Mr. White” (Harvey Keitel), Sr. Naranja “Mr. Orange”(Tim Roth), Sr. Marrón “Mr. Brown” (Quentin Tarantino), Sr. Azul “Mr. Blue” (Edward Bunker) y Sr. Rubio “Mr. Blonde” (Michael Madsen).
En 1994 “Pulp Fiction” o “Tiempos violentos” en un nuevo formato, según lo cataloga el mismo Tarantino al comienzo de la película, como Folletín:
Folletín: Novela que se acostumbraba publicar por partes en un periódico con sucesos y coincidencias muy dramáticos, sorprendentes e inverosímiles. American Heritage Dictionary New College Edition. (Tarantino 1994)
Son tres historias de esas características: narraciones por partes, hechos inverosímiles, sin embargo cruzadas todas por los protagonistas Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent Vega (Jhon Travolta), en esta película también hemos de observar el tema de los gángsters envueltos en trabajos sucios. En el filme encontraremos la actuación de Mia Wallace (Umma Turman), Butch (Bruce Willis) entre otros.
Al año siguiente “Four Rooms” rompe el esquema del Pulp y violencia, por encontrarse dentro de la categoría de comedia, no así las otras películas que han sido catalogadas como policiales, thrillers o acción. “Four Rooms” esa producción con tres directores más, donde participan entre ellos Robert Rodriguez, Allison Anders, Alexandre Rockwell. Cuatro habitaciones, cuatro directores y cuatro notables cortos que se unen gracias a Theodor, el botones, el que n hace más que hacer todo lo contrario de lo que se le dice. Una comedia llena de situaciones irónicas y un muy buen humor negro. Tarantino tiene participación en la última historia donde se pone en jacke la decisión de Ted, cortarle un dedo a un sujeto a cambio de mil dólares.
Tres años después de “Pulp Fiction”, se da lugar al protagonismo femenino en “Jackie Brown”, la mayoría de las historias de Quentin están sumergidas en el mundo del contenido Pulp: la violencia, las drogas, el sexo y principalmente actividades ilícitas como asesinatos y robos. Jackie Brown contiene esta receta. Protagonizada por Pam Grier, Jackie Brown es una azafata de vuelo que, necesitada de dinero, hace de correo para Ordell (Samuel L. Jackson), un mafioso buscado por la policía. Todo parece ir bien, hasta que un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión. Para evitar ingresar en prisión, la policía sólo deja a Jackie una salida: ayudarles a llegar hasta Ordell.
Luego de un tiempo en silencio, en el 2003 y 2004 es “Kill Bill Vol I y II” la que hace de las suyas, película donde reúne todos los primeros elementos más una cuota de cine oriental y cómic. Protagonizada por Umma Turman “Beatrix Kiddo” es una ex asesina que busca la venganza total y rotunda hacia el hombre que la entrenó, le dio trabajo y finalmente su corazón como también a quienes fueron sus colegas de la muerte. Este grupo llega a interrumpir su boda, asesinan a los invitados, la golpean y luego le intentan dar muerte. Esto desencadena un tsunami de venganza donde el principio único es “Matar a Bill”. Esta película fue filmada de una sola vez y dividida en dos partes, las que como notarán, fueron exhibidas en el 2003 y luego en el 2004.
Finalmente y en conjunto con una productora llamada Grindhouse, lanza su penúltima película “Death Proof” un homenaje a las películas de los 70’ donde el principal atractivo son las bailarinas a go-go y las carreras en autos. Esta película no cuenta con actores muy conocidos, pues es una distinción directa a los dobles que exponen sus vidas en las diversas escenas. De corte tipo B, Death Prof nos muestra la historia de Stuntman Mike <> (Kurt Rusell) maquiavélico personaje que, junto a su inseparable coche, atemorizará a ocho mujeres. En la primera parte, tres amigas; Arlene (Vanessa Ferlito), Shanna (Jordan Ladd) y Jungle Julia Lucai (Sydney Tamiia Poitier) son las víctimas de este sicópata. En la segunda parte (14 meses después) Stuntman Mike va detrás de tres nuevas víctimas, a quienes sigue hasta un inesperado final esta vez en la ciudad de Austin, Tennesee
ÉL USÓ MI CABEZA COMO UN REVÓLVER
Si esos argumentos no te vuelan la cabeza, a mi si, y lo hacen millones de veces más cuando se trata de su discografía. Porque Quentin ocupa sus propios discos para configurar los más deliciosos sonidos soundtrack: The ventures, Delfonics, Nancy Sinatra, ¡The Coaster!, Pacific Gas & Electric, Smith entre otros. Dice Tarantino “para que pagar miles de dólares si puedes hacer tu propio soundtrack” ¿para que?, también me lo pregunto yo.
Y si eso, no sigue pateando tu mente, como no serlo su obsesión por los contrapicados desde las cajuelas de viejos autos, o el uso de la cámara en primera persona siempre salpicadas de sangre, los angulos inclinados donde toma siempre a dos o más de sus protagonistas como en Reservoir Dogs, Death Proof, Kill Bill y otras, o esa fascinación por angulos normales y primer plano a los bellos pies de Thurman o de cualquier chica que le agrade, o ese siempre agradecido ángulo cenital que nos convierte en un dios espectador.
FRASES PARA EL BRONCE
Mencioné con anterioridad que Tarantino tiene una preocupación por la construcción de discursos en sus guiones, lo que más resalta es el uso de ironías como herramienta de gestación del humor. No es difícil rastrarlas, pero si complicado entenderlas, pues se necesita de un muy completo abanico cultural como para poder decodificar algunos dichos donde la función metalingüística es la madre del cordero. Lleno de referentes, lleno de suspicacia, un muy cruel sentido y una aguda observación es que logra imporner frases como:
Mr. White: Lo que se supone que hagas es actuar como un maldito profesional Un psicópata no es un profesional No se puede trabajar con un psicópata (Reservoir Dogs, 1992) Mr. Blonde: Eddie, sigue hablando como una perra y te abofetearé como a una perra. (Reservoir Dogs, 1992) Mr Pink: ¿por qué debo ser Mr. Pink? Joe: Porque eres un maricón (Reservoir Dogs, 1992)
Brett: ¿Cuál es tu nombre? Jules: Mi nombre es Pitt, y no te haz librado de esta. (Pulp Fiction, 1994)
Marsellus Wallace: Los boxeadores no celebran el día de los veteranos. (Pulp Fiction, 1994)
Soldado a Butch pequeño: Durante 5 años tu padre llevó este reloj en el culo. Antes de morir me lo entregó a mi. Por dos años lo llevé este reloj en el culo… ahora te lo traigo a ti. (Pulp Fiction, 1994) Bill: ¿te parezco sádico? A puesto que en este instante podría freír un huevo en tu cabeza si así lo quisiera. Verás, nena, me gustaría creer que aún ahora estás lo suficientemente consciente para saber que no hay nada sádico en mis actos. Quizás con los otros chistosos, pero no contigo. Bueno, nena, en este momento este soy yo, más masoquista que nunca… (Kill Bill vol. I, 2003) O- Ren Ishií: Para que entiendan cuan en serio hablo diré esto en inglés: como su líder los aliento de tanto en tanto, y siempre en un modo respetuoso a que cuestionen mi lógica. Si están poco convencidos de que un plan en acción que yo haya elegido sea el más atinado, díganmelo. Pero permítanme que los convenza. Les prometo aquí y ahora que tema alguno será tabú. Excepto este, claro, la cuestión que se acaba de discutir. El precio que pagan por plantear mi herencia china o estadounidense como algo negativo es el de su maldita cabeza. Tal como la de este bastardo. Pues bien, si alguno de ustedes hijos de perra, tiene algo más que decir ¡ahora es el maldito momento de hacerlo! Caballeros, se levanta la sesión. (Kill Bill vo. I, 2003) Beatrix Kiddo: Como te dije antes, te he permitido conservar tu infame vida por 2 razones y la segunda razón es para que puedas decirle a él, personalmente, todo lo que sucedió aquí esta noche. Quiero que el presencie el alcance de mi misericordia viendo tu cuerpo deformado. Quiero que le digas que información acabas de darme. Quiero que sepa lo que yo sé. Quiero que sepa que quiero que sepa. Y quiero que todos sepan que pronto estarán tan muertos como O- Ren lo está. (Kill Bill vo.I, 2003) Podría estar horas enumerando las cientos de frases, pero lo siento conejos tontos, los trix son sólo para niños…
No es que el tipo haya confesado su homosexualidad, bisexualidad o transexualidad. Sino que es su look de transexual en la nueva pelicula de Sally Potter (en 1992 adapto Orlando de Virginia Woolf con Tilda Swinton). El film se llama Rage, y para más información den una vuelta por cineconchile, que es donde yo lei la info que le posteo.
No tan solo el cine comercial saquea el mundo del comic en busca de ideas rentables, sino que también el noveno arte mira al septimo sin pudor. Hace unos pocos años el mundo del comic viene sacandole provecho al fénomeno de la zombiexplotation; que no es otra cosa sino la creación en serie de comics sobre zombies, esto ha dado resultados tan dispares como Los muertos vivientes (The walking dead) serie escrita por Robert Kirkman, que cuenta con el talento de Tony Moore y Charlie Adlard en los lapices, y cuya motivación es auscultar que sucede con los sobrevivientes de las peliculas de George A. Romero (otro santo patrono de este blog) cuando el metraje llega a su fin: premisa interesante que tiene como protagonista a un joven policia de Kentucky, quien tras sufrir un leve accidente despierta en medio del apocalipsis zombie, en riguroso blanco y negro el equipo Moore - Adlard - Kirkman han llevado la serie a niveles de alta calidad, transfomando a Los muertos vivientes, tanto para los fans de los zombies como para cualquier interesado en el noveno arte, en un imperdible. Su contracara seria Marvel Zombies serie donde los personajes de la casa de las ideas se han transformado en zombies, en fin la premisa es absurda y predecible, lo interesante es que detrás de dicho bodriete esta también Robert Kirkman y el talentoso Sean Phillips (Incognito, Sleeper).
Ahora bien, la obra en cuestion en este momento es parte del fénomeno del zombiexplotation y si bien no tiene la seriedad de Los muertos vivientes, brilla con luces propias y su (excelente) título es XXXOMBIE. Como su este lo indica es un coctel explosivo entre muertos vivientes y cine porno, eso sí ambientado en los años 70" (harto brillo y pata de elefante). El asunto comienza cuando Wong Hung Lu reune a un ramillete de actores porno, y un par de debutantes en el negocio: Scott y Jenny, para rodar una peli un fin de semana completo, y así poder saldar una deuda con la mafia. Mientras el equipo completo esta encerrado sudando la gota gorda se desata una plaga que comienza a convertir a todos los habitantes de Hollywood en zombies, iniciandose la desternillante carrera por la sobrevivencia. Si aún les falta argumento, cabe destacar que no solo los zombies serán el único peligro a enfrentar; un camionero en busca de Jenny la debutante, dispuesto a reventarle el craneo a todo lo que se mueva ya sea un vivo - vivo o un muerto - vivo, más el grupo de mafiosos tras Wong Hung Lu terminan de configurar una obra en la que los sobrevivientes no se encierran, como es el motivo clásico, para resguardarse sino que se lanzan a través de la ciudad, por lo que la cosa agarra tintes de road movie, y veremos a una monja tras un polvo antes del juicio final, un endemoniado hospital o bien a nuestros entrañables personajes decididos a despacharse su última juerga. XXXOMBIE es una desquiciada mezcla de porno, gore, zombies y violencia mezclados con el más corrosivo humor negro que no dejará indiferente a nadie. Además sus creadores; Rick Remender en los guiones y Tony Moore (again) en conjunto con Kieron Dwyer en el arte explotan elementos iconograficos de la época; hay esta Kurt Russel como un camionero asesino y Marlon Brando como un padrino loco armado hasta los dientes.
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