Una de flaites japoneses

Título: Crows Zero
Título Original: Kurozu Zero
Director: Takashi Miike
Duración: 129 minutos
Año: 2007
País: Japón

género: flaitestudiantes japoneses
fecha de estreno en Chile:
el día de la tapioca
¿y como m?$#! la veo?:
Punto Reflex fansub

Crows Zero es un live action (manga adaptado a la pantalla grande con actores de carne y hueso) basado en la obra de Hiroshi Takahashi, en general este tipo de adaptaciones ha dado frutos bastante repugnantes (Deathnote, El principe del tenis), sin embargo el director de este film es Takashi Miike, japones de 48 años que cuenta con medio centenar de peliculas en su filmografia además de miniseries. Director hiperquinetico y polémico entre sus higlights esta la escena en que una mujer da a luz a un hombre (literamente, lo que leyeron es lo que ven) en Gozu, o las incestuosas escenas de la sufrible Visitor Q, y no podemos olvidar a la sanguinolenta partera de Imprint (capítulo dirigido por Miike para Masters of horrors, el único que ha sufrido censura hasta la fecha), pero no todo en la vida son salvajadas para este amigote de Quentin Tarantino y Eli Roth (a quienes porque no decirlo ha influenciado desicivamente, a tal punto que el primero produjo un remake de Django dirigido por Miike), pues su principal atributo es la facilidad con la que domina los géneros, como el terror (One Missed Call, la original no el bodriete gringo), el mismo live action (Ichi the killer, la miniserie de MPD psycho), sin olvidar el musical (The happines of katakuris) y por supuesto el favorito del director: el género gangsteril o de yakuzas (Shinjuku Triad Society, Agitator, la saga Dead or Alive). Es la mano de Miike aplicada a este último lo que se deja ver con más fuerza en Crows Zero.

Suzuran es una escuela donde todas las relaciones humanas están reducidas a cierta primitiva y simple expresión humana: los golpes, aqui no hay espacio para profesores ni autoridades de ningún tipo (la policia aparece en un par de escenas de humor), en cada rincón de la escuela parace que ha explotado una bomba y por si fuera poco esta esta rodeada de insustrias y lugares abandonados. Y como el lenguaje primario son los golpes el animal de turno se llama Tamao Serizawa (Takayuki Yamada), quien con su pandilla son los más fuertes del lugar, hasta que llega Genji Takaya (Shun Oguri), hijo de un jefe Yakuza que quiere tomar el control de la escuela por el solo próposito de superar a su padre (ex alumno del distiguido cole, que no consiguio hacerse con el liderato), pero Genji es un tipo introvertido y sin mucha labia, asi es que se alia con Ken Katagiri, un yakuza loser y deslenguado que lo instruira, para granjearse el apoyo de otros compañeros y enfrentarse a Serizawa en una batalla de infarto. El film tiene un ritmo endemoniado, y pone en escena un sin fin de escenas de violencia y lucha excelentes técnicamente en todo sentido, pero la gracia de la cuestión es que los golpes de efecto no son la base de la pelicula, Miike logra desarrollar a cada personaje de la intrincada jerárquia de Suzuran, con sus conflictos y personalidades, además de pasearse por distintos tonos: pelicula de formación,comedia, melodrama y escenas adrenalinicas se suceden sin freno en poco más de dos horas, delineado una obra que es entretenimiento de calidad, sin dejar de ser una pelicula interesante.El asunto de los escolares violentos es practicamente un tópico japones (vease Battle Royal o la somnifera Once a upon time in a High School), y si ampliamos la discusión al concepto de juventud, nos encontramos con un motivo clásico del cine, expuesto generalmente bajo el siguiente problema: que carajo hace un adolescente/joven lleno de energía al que no le interesa en lo más mínimo ser parte del sistema. Los ejemplos van desde la ñoña Rebelde sin causa hasta la interesante naranja mecánica de Stanley Kubrick, en esta última una refinada y maquiavelica pandilla, que arrasa con todo, choca de frente contra un sistema pavloviano. En la película de Miike la marginalidad es un a priori absoluto, no hay figuras de orden ni de ley, los únicos adultos son yakuzas. La pelicula tránsita con perfecta comodidad por el imaginario del director de Dead or Alive, sin embargo este no llega a poner en escena momentos del calibre de los antes citados lo que es aún más interesante, porque Miike no piedre el norte y nos muestra que al fin y al cabo las luchas de Suzuran no dejan de ser juegos de niños inquietos y sin reglas, mientras que los yakuzas muchas veces juegan a ser niños sin reglas. Furiosa, entretenida, nihilista e iconica; Crows Zero es un film imperdible muy superior a todo lo que se vende bajo ese rótulo en nuestras salas de cine.Trailer Crows Zero



PD: Miike filmo una continuación que obviamente se llamará Crows Zero II
Trailer Crows Zero II

Pudor

Título: “Pudor”
Autor: Roncagliolo, Santiago
Editorial: Alfaguara, 2005, 182 pp.


Ante la resistencia del mundo literario en una primera instancia, Roncagliolo escritor, dramaturgo, guionista, traductor y cáncerigenamente periodista, da a luz una novela que pretende ser el punto que equidista del resto de su obra. A sus 34 años ha escrito al menos 10 títulos y es que desde entre el ensayo “Arte Nazi” y la novela ganadora del premio Alfaguara “Abril Rojo” surge “Pudor”, ficción que sería llevada en el 2007 al cine en España por los hermanos David y Tristán Ulloa.


“Pudor” es una novela con especial arquitectura, un carrusel de imágenes distintas que sin embargo hablan del mismo paisaje. Historias íntimas de miedos y deseos internos, secretos inconfesables, todos y cada uno de ellos atravesados por el pudor.

Pudor de un niño con un sexto sentido, de un abuelo que necesita y exige su ida a un asilo, de un gato que observa a la familia y padece al sentir olores extraños, de una esposa atosigada por un extraño, de un padre en fase terminal y de una reservada hija adolescente.

Pudor…

Roncagliolo dispone del diseño de la novela de manera tal que no perdemos la continuidad de la historia, podremos estar dentro del baño con la hija, siendo el gato, observar al padre y a la madre convirtiéndonos en espías y saber que es lo que sucede en la vida de esta familia. El narrador omnisciente es continente de una pluralidad de voces que hacen de esta novela un tobogán imposible de no leer de una sola vez. La lectura es amena, cercana y con un pluma simple, imposible de no entender. Oral, a no poder más, se transforma en una verdadera atracción fatal.

Pudor es de esas novelas que podrías considerarla como una “tirada matutina”: cortita pero buena. Te enfrentas a la primera de seis narraciones paralelas que conforman la historia personal e intima de esta familia peruana y sin darte cuenta ya estás en la última y concluyente narración. Te toma, te envuelve, te deja en más alto éxtasis para simplemente dejarte arriba y sin aviso: acabar. Los siento, sólo ciento ochenta y dos páginas, ni una más ni una menos, y que Dios te ayude a mantener el goce.
Roncagliolo nos hace tener una relación con el texto como si este fuera un amante casi perfecto, sabe penetrarnos, mantenernos atentos, sin embargo, sin poder evitarlo,la perfecciíb termina con una eyaculación precoz: termina mucho antes y nos deja con la extraña sensación de querer más.

Trailer de Pudor

Gantz

Hace ya un año (siento ser tan vago, la seguridad del tiempo pasado no es mi religión y fuerte), descargué veintiún tomos de un manga llamado Gantz, desde ese instante hasta ahora, por fin, he terminado de leerlos. Debido al tiempo transcurrido se podría pensar que la lectura de Gantz se me hizo pesada, una lata y una obligación, no se podría estar más equivocado.
Gantz es obra de Hiroya Aku (1968), mangaka cuyo trabajo “es de fácil y breve enumeración”: Hen, Zona Cero, Me~teru no Kimochi, además de, claro está, Gantz. Otro punto a resaltar en la carrera de Aku es la invención de lo podríamos llamar “la trayectoria trazada por los pezones”, técnica que sirve para indicar el movimiento de los pechos.
Y bueno ¿de qué diablos va Gantz?
Simple: Kei Kurono, un adolescente, en plena etapa del “ganzo”: inmerso en la cultura pop japonesa, individualista, enajenado, cobarde, flojo, somero, pajero, se encuentra placidamente esperando el metro en un andén de su ciudad (Tokio), cuando, al mismo tiempo de reconocer a un ex compañero de básica, Masura Kato, un sujeto ebrio cae a las líneas del metro. Frente al peligro que corre el ebrio en un andén lleno de gente, reflejo de una sociedad salvadora de su propio culo, que no hace nada por ayudarlo (quizás esta escena sea una exageración, pero ésta es la primera de un festival de exageraciones y, permítanme adelantarme, en la exageración está todo el placer de Gantz), sólo el joven Kato, en un impulso de segundos, se arroja para ayudar al vagabundo tirado. Como éste no reacciona y, frente a la inminente aparición del metro en el andén, Kato reconoce (en otro segundo eterno y revelador) a Kurono, pidiéndole inmediatamente su ayuda. Kurono (gantziando, es decir, como buen hijo de la sociedad) intenta hacerse el “ganzo”, pero la presión social (gantziando otra vez) le lleva a prestar ayuda a Kato. Como era de esperar; los jóvenes salvan al vagabundo ebrio, pero ellos son alcanzados por el tren expreso y, lógico: los trozos de carne y sangre, tanto de Kei como de Kato, saltan de las viñetas, iniciando lo que será un certamen de excesos de sangre, mutilaciones, sexo, tetas, chuchadas, mierdas, balas, armas, sujetos de la puta madre, minas de la puta madre y, claro (sé que esto se ha leído y se leerá en cualquier texto que tenga relación con Gantz), más tetas, más sangre, más descuartizamientos.
Complejo: luego de morir, supuestamente, gracias a su buena acción, Kurono y Kato deberían ir al cielo, revivir en una forma superior o una de esas tantas patrañas de después de la muerte, pero estos sujetos son trasportados a una habitación de hotel en Tokio, donde se encuentran con otros sujetos y una bola negra (Gantz), luego de intentar algunas explicaciones del tipo reality, película de ciencia ficción, terror o ambas juntas (¡gran mezcla! que resume en sí lo que es Gantz), se dan cuenta que están totalmente muertos y, lo peor de todo, es que Gantz, sin pedir “por favor”, les manda a matar unos supuestos extraterrestres donde el lema será: “matar para vivir o morir matando”.
Así la cotidiana vida de Kurono se derrumba, ya no se trata de vivir o morir, se trata de sobrevivir, es decir, situarse y ganar conciencia, de un espacio indeterminado, intermedio. La dualidad vida/muerte es rota en Gantz, la pieza del hotel es ese espacio al centro (quizás esté en otro lugar), esa fractura donde la supremacía de un valor sobre otro puede ser invertida. A medida que avanzamos en la lectura de Gantz, se vuelve imposible reconocer quién diablos es el extraterrestre, quién es el cazador, quién es el humano, quién es el amor, quién es el orden o incluso, avanzando un poco más, es complejo dilucidar qué es lo que separa a Gantz y la habitación del hotel del mundo exterior: la ciencia ficción/terror consume la realidad y viceversa. Es, precisamente, en este espacio donde Kurono inicia su viaje cognoscitivo y evolutivo.
Sin lugar a dudas, Gantz es un gran manga, con un dibujo exquisito, quizás se pueda reconocer de vez en cuando vacíos en el guión (Gantz es manga aún abierto), pero estos vacíos son esos sabrosos espacios indeterminados. Los excesos, ya enumerados, son una explosión de divertimiento pero, a su vez, son el método sin el cual (puede resultar lógico) la magia de Gantz no resultaría; ya que es en el exceso donde los espacios críticos, intermedios, subversivos, explotan, impregnándonos de sangre, carne y tetas, revolucionarias.
Pd: De este manga se hizo una seria de anime que, con cueá, alcancé a ver un capítulo: ¡mala la weá!

Él usó mi cabeza como un revólver

HA NACIDO EL MESÍAS.

Un 27 de marzo de 1963 Knoxville, Tennessee, parió a este gran hijo del Pulp, en el 92’ lo vimos nacer como director gracias a su primer film como director: Reservoir Dogs, pero Quentin se dió a conocer gracias a “True Romance” donde su participación fue de guionista y donde colaboró algo Roger Avary y Tony Scott, quien acabó por dirigir con Patricia Arquette y Christian Slater en los papeles principales [1]

Como decía, Quentin Tarantino, además de actor y director, trabaja sus filmes desde los guiones, preocupándose principalmente del contenido de los textos y de los discursos, la mayoría de estos apuntan a una influencia del cine de artes marciales. Tarantino transforma todo en una permuta, en un gran préstamo e intercambio al introducir elementos de otros géneros como el spaghetti western, el Blaxplotation y Explotation o personajes surgidos de un viejo film porno. Si bien el uso de citas y frases son referencias de creaciones anteriores (de sus películas y de otras películas), este director crea sus historias a partir de la combinación de los más diversos géneros, de los personajes surgidos de su heterogéneo universo cinéfilo. Estos entrecruzamientos, también ponen de manifiesto la unicidad y la coherencia de su obra.

Es de esta obra de la que se desprenderán las siguientes reseñas:

Reservoir Dogs (1992)
Pulp fiction (1994)
Four Rooms (1995)
Jackie Brown (1997)
Kill Bill Vol I (2003)
Kill Bill Vol II (2004)
Death Prof. (2007)


UN PASEO POR LA NUBES

En 1992 el director se lanza a la escena con su opera prima “Reservoir Dogs”, o “Perros de la Calle” como fue estrenada, donde seis gángsters profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Eddie (Chris Penn) para un trabajo. Ellos no se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: Sr. Rosa “mr. Pink” (Steve Buscemi), Sr. Blanco “Mr. White” (Harvey Keitel), Sr. Naranja “Mr. Orange”(Tim Roth), Sr. Marrón “Mr. Brown” (Quentin Tarantino), Sr. Azul “Mr. Blue” (Edward Bunker) y Sr. Rubio “Mr. Blonde” (Michael Madsen).

En 1994 “Pulp Fiction” o “Tiempos violentos” en un nuevo formato, según lo cataloga el mismo Tarantino al comienzo de la película, como Folletín:

Folletín: Novela que se acostumbraba publicar por partes en un periódico con sucesos y coincidencias muy dramáticos, sorprendentes e inverosímiles.
American Heritage Dictionary
New College Edition.
(Tarantino 1994)

Son tres historias de esas características: narraciones por partes, hechos inverosímiles, sin embargo cruzadas todas por los protagonistas Jules (Samuel L. Jackson) y Vincent Vega (Jhon Travolta), en esta película también hemos de observar el tema de los gángsters envueltos en trabajos sucios. En el filme encontraremos la actuación de Mia Wallace (Umma Turman), Butch (Bruce Willis) entre otros.

Al año siguiente “Four Rooms” rompe el esquema del Pulp y violencia, por encontrarse dentro de la categoría de comedia, no así las otras películas que han sido catalogadas como policiales, thrillers o acción. “Four Rooms” esa producción con tres directores más, donde participan entre ellos Robert Rodriguez, Allison Anders, Alexandre Rockwell. Cuatro habitaciones, cuatro directores y cuatro notables cortos que se unen gracias a Theodor, el botones, el que n hace más que hacer todo lo contrario de lo que se le dice. Una comedia llena de situaciones irónicas y un muy buen humor negro. Tarantino tiene participación en la última historia donde se pone en jacke la decisión de Ted, cortarle un dedo a un sujeto a cambio de mil dólares.

Tres años después de “Pulp Fiction”, se da lugar al protagonismo femenino en “Jackie Brown”, la mayoría de las historias de Quentin están sumergidas en el mundo del contenido Pulp: la violencia, las drogas, el sexo y principalmente actividades ilícitas como asesinatos y robos. Jackie Brown contiene esta receta. Protagonizada por Pam Grier, Jackie Brown es una azafata de vuelo que, necesitada de dinero, hace de correo para Ordell (Samuel L. Jackson), un mafioso buscado por la policía. Todo parece ir bien, hasta que un día es sorprendida en la aduana y acusada de tráfico de drogas y evasión. Para evitar ingresar en prisión, la policía sólo deja a Jackie una salida: ayudarles a llegar hasta Ordell.

Luego de un tiempo en silencio, en el 2003 y 2004 es “Kill Bill Vol I y II” la que hace de las suyas, película donde reúne todos los primeros elementos más una cuota de cine oriental y cómic. Protagonizada por Umma Turman “Beatrix Kiddo” es una ex asesina que busca la venganza total y rotunda hacia el hombre que la entrenó, le dio trabajo y finalmente su corazón como también a quienes fueron sus colegas de la muerte. Este grupo llega a interrumpir su boda, asesinan a los invitados, la golpean y luego le intentan dar muerte. Esto desencadena un tsunami de venganza donde el principio único es “Matar a Bill”. Esta película fue filmada de una sola vez y dividida en dos partes, las que como notarán, fueron exhibidas en el 2003 y luego en el 2004.

Finalmente y en conjunto con una productora llamada Grindhouse, lanza su penúltima película “Death Proof” un homenaje a las películas de los 70’ donde el principal atractivo son las bailarinas a go-go y las carreras en autos. Esta película no cuenta con actores muy conocidos, pues es una distinción directa a los dobles que exponen sus vidas en las diversas escenas. De corte tipo B, Death Prof nos muestra la historia de Stuntman Mike <> (Kurt Rusell) maquiavélico personaje que, junto a su inseparable coche, atemorizará a ocho mujeres. En la primera parte, tres amigas; Arlene (Vanessa Ferlito), Shanna (Jordan Ladd) y Jungle Julia Lucai (Sydney Tamiia Poitier) son las víctimas de este sicópata. En la segunda parte (14 meses después) Stuntman Mike va detrás de tres nuevas víctimas, a quienes sigue hasta un inesperado final esta vez en la ciudad de Austin, Tennesee


ÉL USÓ MI CABEZA COMO UN REVÓLVER

Si esos argumentos no te vuelan la cabeza, a mi si, y lo hacen millones de veces más cuando se trata de su discografía. Porque Quentin ocupa sus propios discos para configurar los más deliciosos sonidos soundtrack: The ventures, Delfonics, Nancy Sinatra, ¡The Coaster!, Pacific Gas & Electric, Smith entre otros. Dice Tarantino “para que pagar miles de dólares si puedes hacer tu propio soundtrack” ¿para que?, también me lo pregunto yo.

Y si eso, no sigue pateando tu mente, como no serlo su obsesión por los contrapicados desde las cajuelas de viejos autos, o el uso de la cámara en primera persona siempre salpicadas de sangre, los angulos inclinados donde toma siempre a dos o más de sus protagonistas como en Reservoir Dogs, Death Proof, Kill Bill y otras, o esa fascinación por angulos normales y primer plano a los bellos pies de Thurman o de cualquier chica que le agrade, o ese siempre agradecido ángulo cenital que nos convierte en un dios espectador.

FRASES PARA EL BRONCE

Mencioné con anterioridad que Tarantino tiene una preocupación por la construcción de discursos en sus guiones, lo que más resalta es el uso de ironías como herramienta de gestación del humor. No es difícil rastrarlas, pero si complicado entenderlas, pues se necesita de un muy completo abanico cultural como para poder decodificar algunos dichos donde la función metalingüística es la madre del cordero. Lleno de referentes, lleno de suspicacia, un muy cruel sentido y una aguda observación es que logra imporner frases como:

Mr. White: Lo que se supone que hagas es actuar como un maldito profesional
Un psicópata no es un profesional
No se puede trabajar con un psicópata
(Reservoir Dogs, 1992)

Mr. Blonde: Eddie, sigue hablando como una perra y te abofetearé como a una perra.
(Reservoir Dogs, 1992)

Mr Pink: ¿por qué debo ser Mr. Pink?
Joe: Porque eres un maricón
(Reservoir Dogs, 1992)


Brett: ¿Cuál es tu nombre?
Jules: Mi nombre es Pitt, y no te haz librado de esta.
(Pulp Fiction, 1994)


Marsellus Wallace: Los boxeadores no celebran el día de los veteranos.
(Pulp Fiction, 1994)


Soldado a Butch pequeño: Durante 5 años tu padre llevó este reloj en el culo. Antes de morir me lo entregó a mi. Por dos años lo llevé este reloj en el culo… ahora te lo traigo a ti.
(Pulp Fiction, 1994)

Bill: ¿te parezco sádico? A puesto que en este instante podría freír un huevo en tu cabeza si así lo quisiera. Verás, nena, me gustaría creer que aún ahora estás lo suficientemente consciente para saber que no hay nada sádico en mis actos. Quizás con los otros chistosos, pero no contigo.
Bueno, nena, en este momento este soy yo, más masoquista que nunca…
(Kill Bill vol. I, 2003)

O- Ren Ishií: Para que entiendan cuan en serio hablo diré esto en inglés: como su líder los aliento de tanto en tanto, y siempre en un modo respetuoso a que cuestionen mi lógica. Si están poco convencidos de que un plan en acción que yo haya elegido sea el más atinado, díganmelo. Pero permítanme que los convenza. Les prometo aquí y ahora que tema alguno será tabú. Excepto este, claro, la cuestión que se acaba de discutir. El precio que pagan por plantear mi herencia china o estadounidense como algo negativo es el de su maldita cabeza. Tal como la de este bastardo.
Pues bien, si alguno de ustedes hijos de perra, tiene algo más que decir ¡ahora es el maldito momento de hacerlo!
Caballeros, se levanta la sesión.
(Kill Bill vo. I, 2003)

Beatrix Kiddo: Como te dije antes, te he permitido conservar tu infame vida por 2 razones y la segunda razón es para que puedas decirle a él, personalmente, todo lo que sucedió aquí esta noche. Quiero que el presencie el alcance de mi misericordia viendo tu cuerpo deformado. Quiero que le digas que información acabas de darme. Quiero que sepa lo que yo sé. Quiero que sepa que quiero que sepa. Y quiero que todos sepan que pronto estarán tan muertos como O- Ren lo está.
(Kill Bill vo.I, 2003)

Podría estar horas enumerando las cientos de frases, pero lo siento conejos tontos, los trix son sólo para niños…

Para escuchar...

baby it's you- smith

George Baker- Little Green Bag:

Long time woman- Pam Grier:

Stuck in the middle with you:

Down in the Mexico- The Coaster:

Chick habit:

Shot me down:

[1] http://es.wikipedia.org/wiki/Quentin_Tarantino

Jude Law sale del closet

No es que el tipo haya confesado su homosexualidad, bisexualidad o transexualidad. Sino que es su look de transexual en la nueva pelicula de Sally Potter (en 1992 adapto Orlando de Virginia Woolf con Tilda Swinton). El film se llama Rage, y para más información den una vuelta por cineconchile, que es donde yo lei la info que le posteo.

Algunas curiosidades sobre El curioso caso de Benjamin Button

Primera Curiosidad: “Vivir es perder el tiempo…” leo preocupado y más, si se piensa en el punto sociohistórico en que escribo: una sociedad capitalista, donde el tiempo es oro y, si no se está haciendo oro, estás perdiendo el tiempo. Donde, además, la muerte como parte de la vida sólo se comprende como perdida, perdida de la vida (que no es más que tiempo de capital). El tiempo, en cada segundo, en cada momento, vive martillando ecos de la maldición de nuestras vidas, el tiempo se agota y con él la vida.
La última película de David Fincher, El curioso caso de Benjamin Button, viene a invertir el concepto del tiempo como perdida inexorable de la existencia, al narrarnos la vida de Benjamin Button: un sujeto que nace con las características físicas de un anciano de ochenta años y al que sólo le queda perder un breve lapso de tiempo para morir. Lo curioso en la vida de Benjamin Button no radica en su nacimiento como sujeto ya anciano, sino, en que su duración no se relaciona con la perdida de tiempo, al contrario, su vida sólo es suma de tiempo. El reloj al revés, representado en Benjamin Button, quita a este objeto la maldición de la pérdida, destraumatizando al sujeto.
Al comienzo, cuando se nos narra la vida de un relojero renombrado que pierde a su hijo en la guerra y, el gesto de éste al invertir el curso del reloj (visaje también presente en La ciudad de Gonzalo Millán), se nos exhibe lo que podríamos llamar la paradoja de Button; un sujeto que sólo debe perder, gana, suma y adquiere tiempo, vida. El nacimiento de Button es paradigmático, nace el mismo día del término de la primera gran guerra, su madre muere y su padre lo abandona, perdidas que enseguida son vueltas a sumar. Lo curioso de El curioso caso de Benjamin Button es la conciencia de que en la vida sólo se suma, ya sea jugando con un(a) amigo, viendo alguna película gore, sentado en un sillón sin hacer nada (haciendo todo) y así hasta el finito, para que cuando, en el final de los días, no se piense en lo que se ha perdido o se podrá perder, sino en todo lo que se ha sumado; el gesto de la perdida sumada es lo más curioso de Benjamin Button.
2 Curiosidad: La mayor suma de todas las de Benjamin Button está inserta en la memoria de los amantes.
3 Curiosidad: A pesar de ser una película en esencia temporal, El curioso caso de Benjamin Button, configura los espacios de una manera excepcional, todos, absolutamente, vivos.

Crumbkowski

Colaboración de un tandem soñado: Charles Bukowski/Robert Crumb, aquí
Fuente: Entrecomics

El curioso caso de Benjamin Button

Por si alguien no lo sabe, la nueva película de David Fincher cuenta la historia de un niño que nace con su ciclo vital invertido, es un bebe con la condición física de un ancianito de 80 años: cataratas, artritis, entre otras cosas. Motivo por el cual es abandonado por su adinerado padre en las escaleras de una casa de reposo, dirigida por Queniee (Taraji P. Henson) una mujer de raza negra. En rigor la pelicula (libre adaptación de un cuento de Francis Scott Fitzgerald) comienza con Daisy (el amor de Button, interpretada por Cate Blanchett) en el lecho de muerte, esta última le cuenta la historia de un relojero que tras perder a su hijo en la primera guerra mundial, construye un reloj gigante que camina hacía atrás, después le pide a su hija Caroline (Julian Ormond) que lea una suerte de diario de vida de Benjamin, donde cuenta la historia de su vida. Así es como nos convertimos en espectadores de la vida completa de Benjamin Button, la primera hora del film pasa volando, y no tiene discusión, es impecable en cuanto a la recreación de una época y los efectos con los cuales se caracteriza físicamente al protagonista. En este tramo observamos la formación del personaje, la toma de conciencia de su realidad y su apertura al mundo y las emociones que este contiene.
Pasada esa primera hora comienza lo mejor, porque Fincher salta de un tono y un ritmo a otro a lo largo del metraje, obviamente la primera parte funciona como reloj: el primer trabajo de Benjamin en un barco, su primer polvo, su encuentro con el alcohol y la amistad. Pero pasado ese tramo de tiempo el film baja las revoluciones, y observamos como un Benjamin de carácter mucho más concreto comienza a lidear con emociones más fuertes como un romance clandestino con Elizabeth Abott (una siempre talentosa Tilda Swinton, que no cojea ni en bodrietes como Constantine y lo que sea de Narnia, y que para rematar también actua en la última de los Cohen), o tomar parte en la segunda guerra mundial y observar como fallecen sus amigos. Y es que uno de los valores altos del film es su capacidad de poner en escena a un personaje mucho más complejo al mismo tiempo que pone en escena momentos de mucha intensidad, variando sus códigos y su lenguaje de un momento a otro ( la escena en que Daisy baila solo para él es realmente notable y hay más erotismo contenido en ese momento que en instantes de mayor intimidad). Esa capacidad para variar el ritmo y el tono, en cada tramo de la vida de Benjamin es uno de los aciertos del film, el cual técnicamente funciona a la perfección con una fotografia sobria, en la medida en que no busca generar imágenes iconicas (salvo algunos momentos mínimos), obra del chileno Claudio Miranda. Los efectos especiales solo aparecen cuando son estrictamente necesarios y bajo ninguna circunstancia ganan mayor protagonismo. Y es que la narración es natural a lo largo del metraje, de hecho el director jamás opta por planos y angulos demasiado elaborados. La mejor prueba de ello es la última escena de Benjamín expuesta sin ningun tipo de artilugio o exceso, un momento anticinematografico.

Sin duda alguna el mayor valor del film despierta al apreciarlo en su conjunto, porque todos los esfuerzos están puestos para lograr poner en escena la vida de una persona en su totalidad, siendo el tiempo y la muerte los temas dominantes de la pelicula. Esa conciencia de la muerte que existe desde el principio (con un niño envejecido que no sabe cuanto vivira) hasta el final, ya que al juvenecer Benjamin, el envejencimiento de quienes lo rodean es aún más explicito., esto último cancela cualquier comparación majadera, con otros films. Y la presencia del tiempo es obvia, esta el mismo Benjamín, el reloj que anda hacía atrás, y la progresión temporal es lo que le da unidad a la película que atraviesa casi todo el siglo veinte. Sin embargo una imagen enigmatica ocurre cuando el reloj que anda hacía atrás es cambiado por uno digital, la imagen es de gran elocuencia, el reloj antiguo, analogico, posee las doce horas, solo doce números bastan para llevar la cuenta de una vida completa y el reloj analogico nos ofrece la imagen en su plenitud: sea la hora que sea todos los números están ahi, como si el pasado, el presente y el futuro puedieran ser contenidos en una sola imagen. Mientras que un reloj digital solo avanza hacía adelante, es solo movimiento porque no podemos ver ni las horas que se han ido, ni las que vienen. Quizás esa imagen del reloj define y contiene el film en su totalidad, la posibilidad de observar una vida completa en toda su vastedad (casi todo el siglo veinte), en una época donde el tiempo es solo velocidad. Además la historia de Benjamin es invocada a partir de la lectura de su diario, y es el acto de leer una de las pocas acciones cuyo tiempo no puede ser definido.

Estrenaron The Spirit by Frank Miller

Hoy desembarco The Spirit de Frank Miller (Sin city, 300) y la cosa no pinta nada de bien, mejor no sigo sino me acostumbrare a comentar y críticar cosas que ni siquiera he visto, asi que mejor linkeo a gente que tuvo la (desgracia) de haberla visionado:

Pablo de "El lector impaciente"

Juan Luis Caviaro de "Blogdecine.com"

¿Superman negro?

Ya que más abajo hable de WATCHMEN, no esta demás comentar que el 2008 fue el año de los comics en el cine. El mainstream gringo echo a andar la maquinaria de adaptaciones desde el noveno al séptimo arte, pero lo interesante de la cuestión es que los que llevan la delantera son los superheroes, por lo que la retórica imperante en sus viñetas es a lo que más metraje le ha dedicado el celuloide. Ya esta en boca de todos que los superheroes son el equivalente actual de lo que fue el western, pero dicha explosión no obedece solo a cuestiones de mercado, sino que retoricamente las fábulas superheroicas sirven para exponer y caracterizar un estado de cosas, una época. Se supone que la figura del superheroe esta rodeada de un hálito mésianico, es el elegido o el enviado para poner orden, cambiar la situación y corregir el caos. Esto ya sea con superpoderes y de cara al mundo, en el caso de Superman, o bien con una capucha, capital ilimitado, y utilizando la imagen de un muercielago como Batman.
Obama por el prestigioso Alex Ross

Este año Estados Unidos eligio a Obama, el primer presidente afroamericano de su historia, para reemplazar a mister W. En su campaña a Obama no le desagrado el coqueteo con el mundo del cómic, muy por el contrario sino me equivoco se declaró seguidor de Batman o Spider - Man, incluso tuvo unos cuantos crossovers: con el fotografo aracnido. Lo que prueba que el mundo del noveno arte gringo se invlucro de lleno en la campaña. Pero bueno, el asunto es como se ha dibujado en la figura de Obama a una suerte de salvador, como si el hombre tuviera en sus manos las claves de un cambio rotundo, nadie va a negar que ya es un simbolo de las minorias, pero el verdadero cambio no es parar "los interrogatorios" en Guantanamo, sino que cerrar la base. La expectativa con respecto a lo que pueda hacer Barack Hussein Obama es muy alta, sin embargo su discurso mantiene las ideas de prosperidad y optimismo ilimitado que caracterizan al país del tío Sam, cuan radical será SuperObama para el mundo ya veremos. ¿Que pasará con la producción cinematografica?: esta última seguira derroteros nacionalistas (están esas pelotudas secuencias de la gente ayudando a Spider man, en la trilogia de Sam Raimi), o lineamientos más críticos, como lo que hizo Nolan en Batman Dark Knight, ejemplo interesante de observar, en la segunda parte dirigida por el director de Memento, Batman/Bruce Wayne veia en Harvey Dent una suerte de sucesor, el hombre que se mueve en la legalidad y la politica que asumia el trabajo sucio de cara al mundo, pero bueno ya sabemos que paso con el pobre Harvey, y es que parece que el mundo no esta para heroes.

vigilando a los vigilantes

La mejor prueba de la monstruosidad de WATCHMEN, se deja ver cada vez que alguien intenta reseñarla, gracias a la adaptación de Zack Snyder (remake del Amanecer de los muertos, adaptador de 300) al cine de vez en cuando algún periodista googlero (son casi todos), escribe alguna reseña sobre la obra de Moore y Gibbons dando riénda suelta al montón de lugares comunes que existen sobre ella; que aparecio en la lista de los nose cuantos libros más importantes de nose que época, en un importante y prestigioso medio gringo, que su autor es un "deconstructor", que es lo mejor de lo mejor del 2009. En fin, este tipo de comentarios ira in crescendo a medida que el estreno se acerque, y llegará al paroxismo cuando la peli este en las salas. Pero bueno, este post no es para hablar de la obra de Moore, sino para linkear cuatro comentarios acerca del visionado, harto más escepticos que nuestros bloguers, de poco más de veinte minutos del supuesto opus magnum snyderiano, porque los blogueros de este terruño se vienen haciendo agua, con cada fotograma aparecido en la red (los que también irán aumentando a medida que se acerque la hora del estreno), a tal punto que uno se pregunto si estaba frente ¿al ciudadano kane de las peliculas de superheroes?.
En lo personal no he visto ni un segundo de metraje, porque no le doy ni siquiera el beneficio de la duda a Snyder, director con capacidad visual que funcionó en 300: por cierto el punto más alto de la obra de Miller. Sin embargo a pesar de ser una suerte REMAKER, director del mainstream que lo único que hace es trasladar a la pantalla obras ajenas es un pésimo lector. Cuando refilmo el Amanecer de los muertos de Romero lo único que hizo (salvo los primerisimos minutos) fue imprimirle el ritmo de bombazo-balazo que prima en estos tiempos. Al adaptar 300, tuvo mejor suerte en cuanto a la composición visual y al ritmo épico que logro trasladar desde el comic a la pantalla. Sin embargo WATCHMEN presenta una cantidad de cuestiones complejas a priori que no son menores: narraciones enmarcadas, material ajeno a las viñetas (al final de cada capítulo viene una suerte de texto referencial, como páginas del diario de un personaje, fotografias o recortes de periodicos), y esto solo si se tienen en cuenta lo que primero salta a la vista. Pero lo que más me desagrada es el estatuto del cine mainstream como estatuto de imagen y memoria colectiva, WATCHMEN representa una decada de trabajo para el tandem Gibbons - Moore, fue publicada originalmente en 1986 y parece que existe desde hace muy poco. En fin, creo tardaremos mucho menos tiempo en olvidarla que el invertido en la butaca, cuando sea estrenda, o el que gastaremos para matar la acidez en el estomago que nos produscan las escenas timebullet.

Los testigos del comicidio

"Who will watch watchmen?" por Hernán Migoya en Comicsario

"Una mirada al abismo: 30 minutos de Watchmen" por Antolín Prieto en Cinencuentro

"Develadas tres escenas completas de Watchmen: o el director en su laberinto" por Cesár Santivañez en piensoencomics

"Confieso que he visto Watchmen" por Chiqui Vilca en Culturacomics

(es inevitable comentar como dos de los cuatro títulos parafrasean obras literarias)

Dulce/truco o Placer/muerte

Generalmente se relaciona el amor con la dulzura, lo bello, lo amable. Si el amor no es correspondido, se sufre, pero ese sufrimiento siempre es enaltecido, sublimado. A su vez, suele relacionarse el trabajo poético con esta faceta del amor. Pero, como siempre, lo que se presenta como cotidiano, generalizado, nunca es tal cual como se quisiese, el todo siempre contendrá al vacío y viceversa.
En La llama doble Octavio Paz se refiere al erotismo de la siguiente manera: “El significado de la metáfora erótica es ambiguo. Mejor dicho: es plural. Dice muchas cosas, todas distintas, pero en todas ellas aparece dos palabras: placer y muerte”. El poeta y ensayista mexicano, al igual que Platón, nos presenta la ambivalencia de Eros, éste no sólo es la perfección, la belleza, lo sublime, sino que también es la carencia, el vacío, la muerte. De ordinario, a lo cotidiano siempre se le niega lo oscuro, lo feo, lo excesivo, que éste siempre contiene, en suma, a lo cotidiano se le cotidianiza, como al amor se le sublima, negando cualquier posibilidad negativa o feísta. Empero, siempre habrá sujetos con ojos más agudos de lo normal como verbigracia Gonzalo Millán y John Carpenter.
Relación Personal de Gonzalo Millán, publicado en 1968, es precisamente eso que anuncia el título; una relación del sujeto de enunciación con el mundo, los otros y con él mismo, es un proceso evolutivo de conocimiento, pero negativo; el proceso de conocimiento parte en la infancia, sigue su curso en la adolescencia hasta llegar a un punto de reflexión crítica de todo el “crescendo” del texto. Este proceso de conocimiento tiene como punto de inflexión al erotismo, que es el umbral de la niñez a la adolescencia. Ahora bien, este proceso de conocimiento traumatiza al sujeto, las imágenes del amor, del sujeto amado, desgarran, no son tan dulces ni tan sublimes, la conciencia paradójica de la metáfora erótica se hace presente “Tú con una piedra rompes/ un cuesco de durazno,/ mascas la amarga semilla/ y endulzada la echas en mi boca”, la amarga semilla, que no es más que el erotismo, proviene de un visaje violento que sabe dulce gracias a la amada.
El niño, al iniciar su proceso cognitivo, vive un choque de imágenes, el mundo y sus habitantes no son como los cuentos de hadas, al igual que Eros no es sólo belleza. El choque de estas imágenes puede resultar brutal, provocando una neurosis de carácter apoteósico en el sujeto/niño, bajo este punto se nos hace presente la imagen de Michael Myers, el famoso asesino de la película de John Carpenter La noche de Halloween (1978). Carpenter al igual que Millán nos presenta el proceso cognoscitivo infantil, en este caso Michael Myers de seis años, al comienzo de La noche de Halloween, observa a su hermana teniendo relaciones sexuales con un muchacho, luego que éste se retira, Myers (observando siempre oculto a su hermana desnuda), toma un cuchillo, una máscara de payaso y termina apuñalando a ésta. Esta escena, contiene la ambivalencia del erotismo, que suele traspasar la mayoría de las películas slasher: la pareja de jóvenes teniendo relaciones sexuales (placer) y el ataque agresivo del psicópata (muerte), pero además, esta escena contiene el paso de la niñez de Michael Myers a la adultez, paso que se configura traumático, horrible, desgarrador. La violencia del erotismo presente en La noche de Halloween también está en Relación personal, “Con mis pequeños ojos cegados/ por los trozos de espejos/ que trituran las olas,/ raspo y destruyo hasta desollarte/ los tatuajes de la arena/ y la cal de tu costra,/ para poder hundirte en la carne,/roída por el jugo de limón,/ mi pico de ave”, Eros es bestial, vehemente, lastimoso y, el niño frente a éste, se afronta a pulsaciones prístinas donde la muerte y el placer se resisten y se atraen.
Como hemos visto, en ambas obras el erotismo presenta su dualidad placer/muerte, ahora bien, el sujeto/niño enfrentado a la ambivalencia de Eros sufre un proceso cognoscitivo traumático, este hecho sólo es contenido de alguna u otra forma por la máscara o la coraza. En Gonzalo Millán es el niño/caracol el que protege al sujeto del mundo, en Carpenter es la máscara, ambos objetos funcionan protegiendo al sujeto íntimo de todo conocimiento, cuando el niño/caracol deja su protección reconoce en el erotismo su debilidad, el dolor y la muerte, cuando Myers deja la máscara también es sujeto de dolor y muerte. En suma, tanto la máscara de Myers como la coraza del poeta/caracol en Relación personal son objetos intimistas, que intentan proteger al sujeto del mundo y la sociedad, no importando que éstos puedan ser asesinos en serie o poetas.
Podemos pensar a Gonzalo Millán como un gran poeta slasher o, quizás, pensar a Carpenter leyendo Relación personal antes de filmar La noche de Halloween, porque en ambas obras podemos observar la paradoja de la metáfora erótica: placer/muerte o, la paradoja de Halloween: dulce/truco. Se puede extender lo que dice Grinor Rojo de Millán a Carpenter sin problemas: “La mirada de Millán es inquietante: es el ojo que descubre en el mundo y en el sujeto los espacios y los momentos oscuros, los puntos de quiebre en que la falsa seguridad del cotidiano se desmorona y deja en descubierto su terrible espesor”, Relación personal y La noche de Halloween dan cuenta de estos ojos agudos que saben que cada término contiene a su contrario, tal cual como le da a entender el cuidador del cementerio al Dr. Loommis, cada ciudad, por más tranquila que aparente ser, tiene su asesino. Ergo, el amor, el erotismo, el placer, símbolos de la vida, también contiene la muerte o a un asesino acechando.

S-Y-N-C-O