Sép7imoCirculo

Mandrill

2010-10-12T21:10:00.001-07:00

Llegó harto tarde, pero en fin para que no se la pierdan en DVD; mi crítica de Mandrill la última película de Ernesto Díaz.

Murakami

2010-10-06T20:53:00.000-07:00

¿Midori?
Que le den el Nobel a Murakami
PORQUE la literatura también puede ser una droga
PORQUE tenemos derecho a tener imaginación; es más si queremos nos la fumamos, jalamos, duluimos o quemamos
PORQUE es posible revolcarse en la mierda y lanzarse al abismo de manera elegante
PORQUE en el fondo todos sabemos que Fitzgerald es mejor que Hemingway
PORQUE invento a Midori (Tokyo Blues: Norwegian Wood)
PORQUE inventó el parasexo (vease Malta Kano y Toru en "La crónica del pajaro....")
PORQUE escribe buenas escenas de sexo
PORQUE a veces nos gusta un folletín bien escrito
PORQUE la literatura le debe mucho a David Lynch
PORQUE escribió tres veces la misma novela, a pesar
de que a la primera le había resultado
PORQUE no le tiene miedo a repetirse
PORQUE queremos tener pronto en las manos 1Q82
PORQUE su prosa hipnotica engendra lectores
PORQUE es japonés, escribe como Fitzgerald y usó una canción de los Beatles para títular una de sus novelas.

Estrellas Muertas

2010-10-02T08:56:00.000-07:00

De vuelta en Indie.cl con la nueva novela de Álvaro Bisama. La verdad es que con Daniel lo entrevistamos, pero tuvimos que delegar la transcripción lo que causo problemas y al final impidió que saliera en esta pasada. Pero esperamos ampliar esa entrevista próximamente y ahí tirarla de la mano de nuestro nuevo proyecto.

Hong - Kong según Wong Kar - Wai

2010-09-30T21:42:00.000-07:00

Wong Kar - Wai es uno de los directores que me vuela la cabeza, sus películas desfilan frente a mis ojos, mientras me dejo hipnotizar por el influjo y la belleza de sus imágenes, donde cohabitan tanto la suciedad y estrechez de las calles de Hong Kong como la fluorescencia de sus luces, y la cadencia de una corte de hermosas mujeres filmadas con un perturbador sentido de la sensualidad; basada en siluetas envueltas en brillantes vestidos de corte oriental, en voces estruendosas y suaves que susurran promesas libidinales.

Vía Twitter pillé un artículo de Letras Libres sobre Hong Kong capturado por la lente del maestro.

La isla de Wong Kar-wai vive en un limbo entre la ensoñación y la realidad. Se trata de un lugar de colores saturados, luces eléctricas y horizontes borrosos. Ese Hong Kong es una ciudad donde las nubes se mueven a un ritmo acelerado, y donde las personas parecen flotar. Es una ciudad donde los barrios bajos no están peleados con la elegancia y la sensualidad. Nunca una pared sucia y despintada se había visto tan sexy como cada vez que Maggie Cheung va a comprar fideos en In the Mood for Love (2000). La actriz camina al ritmo de un waltz, pasa la mano por la pared y baja los escalones lentamente mientras su figura estilizada aparece y desaparece entre las sombras.

Carriers

2010-09-17T20:49:00.000-07:00

Hipersensibilidad. Sientes el frío atravesar tu piel, el esmog de Santiago despedaza tu nariz y la gente que camina por el centro sin tocarse y sin mirarse destroza tu paciencia. Flota en el aire una celebración pomposa y marketera que alude a nuestra identidad y a lo que somos con discursos marcados por la hipercorrección y la alusion a tres colores y una serie de signos con los que harias una fogata para calentarte las manos, porque estas fuera de eso. En tu interior hay un terremoto emocional y sentimental, es un sismo de proporciones, pero como pasa con los sentimientos, puede que las casas y los edificios se queden en el lugar de siempre, y sus habitantes ni se enteren de que su mundo pudo quebrarse. Caminas sin rumbo negandote a experimentar los lugares comunes de la historia, al mismo tiempo que silencias y te guardas los gritos que profieren tus entrañas, los signos vitales porque cuando los sentimientos se mueven es el cuerpo quien habla, antes de que tu cabeza le ponga nombre al movimiento telúrico.
En medio de ese choque de fuerzas, decides poner tu cabeza en suspensión por un par de horas, por eso te gusta ir al cine de manera intempestiva, para quebrar el tiempo y la realidad en el instante en que esta apunto de pasar todo y nada al mismo tiempo. Lo sorprendente es la cantidad de sincronias que puedes establecer entre tu hipersensibilidad y un film. Quien hace la película es quien la ve, quien la fagocita y la mezcla con sus recuerdos, enganchando sensaciones e imagenes que serán y que fuerón a un film que quizás no tiene nada que ver con esa maraña de pensamientos. Una Isla desierta rodeada de barcos fantasmas a la deriva, que constituyen un terreno nuevo en tu geografía personal. En esta oportunidad el film se conecta escandalosamente con tus sentimientos, no es que te veas reflejado en la pantalla, sino que es más profundo, son las emociones y los sentimientos desprovistos de cualquier máscara lo que se pasean por la pantalla, los identificas y los desnudas en tu cabeza porque lo más impresionante es el disfraz. Hay más verdades en una buena película de terror que en un biopic, los sentimientos son mas verdaderos en una película de género que en un documental, porque los géneros y las subespecies cinematograficas, asumen su derrota y parten del delirio. Porque a veces en eso se convierten ciertas emociones y sentimientos que no puedes poner en palabras; en delirios y sueños afiebrados, en imagenes sueltas y deseos dispersos que no puedes hacer salir a flote.
Carriers parece ser el debut anglo de los hermanos David y Alex Pastor, tipos a tener en cuenta que se despacharon una película donde lo que menos importa es la sangre y el gore, donde no interesa el miedo, lo que esta por encima de eso, son las cadenas invisibles que nos atan unos con otros y que a veces se quiebran fácilmente. Un par de hermanos con un par de chicas viajan en un auto con un par de tablas de surf, directo a un paraiso idilico donde los hermanos pasaban el verano entre las olas y el pan con jaiva. El mundo se fue a la mierda, porque un virus acaba con la gente, te vuelve algo putrefacto apenas te toca, te roza o lo respiras. Y cuando alguien es contagiado tienes que alejarte de él irremisiblemente. El virus no tan sólo destruye tu cuerpo sino que hace estallar la red de emociones que unen a los personajes, el virus saca lo peor de nosotros, pero a escala humana. Nada de canibalismos ni retrocesos al pleistoceno, la verdadera tragedia en Carriers es tener que abrir la puerta del auto y obligar a que el nuevo infectado se baje para poder seguir tu camino, la facilidad con que en apariencia se destrullen los sentimientos y las relaciones humanas, cuando la muerte y la putrefacción es inminente. Carriers es una road movie atipica, casi poética donde también pueden ocurrir situaciones ya vistas, como el grupo de hombres que sobreviven y quieren secuestrar un par de chicas para satisfacerse, un padre que quiere salvar a su hija, pero todo se deshace y se pierde, todo se ahoga en la perplejidad de un cielo azuloso que presencia la tragedia imperterrito. La carretera lo borra todo cuando ya no pasa nada, cuando ya no hay ninguna historia posible, el último aliento de vida es sólo un recuerdo idilico al que aferrarse, con la convicción de que las olas seguiran golpeando la tierra aunque desaparescamos.

La cinta blanca

2010-08-24T21:52:00.000-07:00

Haneke ha experimentado un proceso muy parecido al de David Cronenberg, si bien el primero tiene menos filmes en el cuerpo, ambos nacierón con sólo un año de diferencia. Y ambos han filmado obras rotundas que han dejado a muchos espectadores como si hubiesen visionado la Snuff movie de Videodromo. Creo que ambos, con un estilo particular cada uno, han explorado temas como las contradicciones y la violencia que hay agazapada en la vida moderna, los dos han explorado cierto tipo de monstruosidad que, o esta escondida por ser rotunda; en el caso Cronenberg, o bien porque esta disfrazada con un traje elegante; en el caso de Haneke. Y en sus últimas obras ambos han alcanzado tal dominio de lo cinematografico que son capaces de insertar en cada escena un hálito o magnetismo retorcido, como si sólo con ver la punta dBerriosel iceberg, pudieras intuir que en el fondo yace una masa viscosa de horrores y cadáveres.

Esta vez Haneke no tan sólo hace gala de esa habilidad sino que además se da el lujo de filmar una obra compleja, coral, con ciertos tintes alegóricos, que no recurre a ningún tipo de maroma o encriptación, y juega siempre con las cartas sobre la mesa, dándose el lujo de coquetear con cierto tipo de thriller protagonizado por niños, que muy pocas veces nos ha dejado buen sabor de boca al salir del cine. La cinta transcurre en un pequeño pueblo protestante al norte de Alemania donde comienzan a ocurrir una serie de crímenes, que en un principio no parecen tener conexión, pero después empiezan a delinear una serie de relaciones oscuras, además de estar relacionadas con secretos de ciertos personajes del pueblo, como el Baron y el Doctor; niños torturados, granjeros suicidas, incendios premeditados son parte de la gama de atrocidades que ocurren.

Haneke esta vez no detiene en detallar lo caprichosa y banal que puede ser la crueldad, sino que se esfuerza en componer un cuadro detallado y complejo de una comunidad, donde todos son afectados de alguna forma con cada crimen, poniendo al espectador en el lugar de un joven profesor de otra localidad, que comienza a atar cabos y tiene cierto interés en descubrir la verdad. Filamada en colores pero proyectada en blanco y negro, Haneke decide usar ese recurso para escenificar el esfuerzo de un grupo humano, que cree ciegamente en la posibilidad de llevar una vida basada en una moral maniquea y sin tonos medios, el título del film se debe a que se acostumbra poner una cinta blanca en los niños, para dar cuenta de su total pureza e inocencia. Haneke consigue desarrollar a cada personaje de manera génerica como si este fuera uno de muchos ejemplos, uno de mil relatos que se repitieron en los albores de la primera guerra mundial.

Y es que el objetivo de la obra no es filmar un thriller al uso, sino que dar cuenta de un relato que es capaz de explicar como la creencia de una fe total, en una forma de entender el mundo, es capaz de engendrar un tipo de monstruosidad absoluta y perfectamente irracional, a la manera de Hanna Arendt o Marc Broch, Haneke filma una obra donde da cuenta del surgimiento de los totalitarismos, y es que en los libros de historia siempre se nombra a Hitler y al nazismo pero rara vez se responde como un país, o una comunidad completa fuerón capaces de avalar el horror, cuya pureza o ideal, nunca estuvo disfraza. Sin embargo el mayor acierto de la cinta es su claridad, su capacidad para exponer lo sustancial, la herida abierta de una serie de impulsos reprimidos que terminan deformando a quienes los experimentan.

El hiperrealismo de Takehiko Inoue

2010-08-04T12:11:00.000-07:00

Corria el siglo XII y María de Champagne le encarga a un clérigo y poeta llamado Chrétien de Troyes la composición de una serie de romances, donde se cuentan las aventuras de los caballeros que son parte del Ciclo Artúrico (Perceval, Lancelot, etc.). El objetivo de tales obras era moderar la conducta de la gente de la corte, que gustaba más de las fiestas orgiásticas y de retozar a campo abierto. A partir de las aventuras y el aprendizaje de los caballeros, la gente aprendía modelos sobre moral y ética, tanto como las formas correctas de controlar sus pulsiones libidinales, porque los caballeros debían aprender no tan solo el arte de la guerra, sino que también el arte del amor. El ejemplo es antiguo, pero en él encontramos los rasgos esenciales de cualquier relato heroico; una estructura que condensa las ideas de una determinada clase dominante, que a partir de ciertos relatos transmite no tanto lo que es correcto e incorrecto, sino lo que podemos entender por héroe, cuando hablamos de alguien con capacidades extraordinarias, que realiza acciones más allá de los límites de la gente común.

En este sentido los héroes de los relatos tienen dos objetivos que a veces corren juntos o separados: el primero es probar, a partir de sus acciones, ser parte de una casta de seres superiores, mientras que el segundo consiste en establecer o devolverle el orden a una comunidad. Un ejemplo clásico del primer motivo es Hércules que realiza los doce trabajos para poder acceder al Olimpo y ser reconocido como parte del panteón. Mientras que en el segundo tenemos a Jesucristo que se sacrifica para purificar y volver consciente de sus pecados a la humanidad, al mismo tiempo que prueba su origen divino. Esto puede retorcerse y presentarse de diversas formas, la complejidad y riqueza de un personaje depende de cómo se utilicen estas ideas. Por ejemplo, y saltando ya al terreno de las viñetas, el Batman de la película Dark Knight acepta cargar con el peso de los crímenes de Harvey Dent para mantener la imagen de éste y no quebrar la única posibilidad de orden. Se vuelve un antiheroe solo en apariencia, porque lo principal es el sacrificio en post de la comunidad al igual que Jesús. Por otra parte Superman puede ser un personaje interesante porque es parte de una civilización superior que se ha extinguido, quedando solo él, por lo que ese desarraigo hace que su relación con la comunidad de seres humanos pueda ser tremendamente problemática.

Lo que dije antes me sirve de argumento para intentar dar cuenta del tremendo placer que experimento al leer los mangas de Takehiko Inoue. Más de alguno lo reconocerá si advierto que es el creador de la popular Slam Dunk, más de alguno también pensara que no es más que una suerte de Jim Lee asiatico que gusta de una estética realista. El asunto es que los personajes de Inoue son bastante atípicos y se mueven en una condición existencial marginal. Inoue adora a los tipos peleadores que no saben hacer otra cosa en la vida que jugar con un balón –no digo patear porque este autor adora el basquetball, en fin–, sujetos pasionales y pulsionales que no se adaptan a las reglas del sistema pero que canalizan sus energías y emociones vitales a partir de una actividad física. En Slam Dunk Inoue trata el tema de la adolescencia, su condición problemática y cómo se adaptaba Hanamichi Sakuragi y compañía a partir del básquetbol, logrando cierta experiencia épica de la vida, claro sin dejar de lado cierto condición trágica porque solo pueden practicarlo mientras están en la secundaria.

Inoue continuará lo trazado en Slam Dunk en dos obras ya de madurez, donde prácticamente toma a sus antiguos personajes donde los dejo; eso sí, a partir de otras historias. La primera es Vagabond, un manga de samuráis donde Inoue cuenta (su modelo es una novela de Eiji Yoshikawa) la vida de Miyamoto Musashi, el samurái japonés más famoso, que practicó el bushido (camino de la espada) hasta sus últimas consecuencias, pero siempre desde la precariedad y la pobreza, negando todo rasgo noble, vanidoso y autoritario propio de los samuráis del siglo XVI donde existía una rígida estratificación social, en la que los guerreros estaban en la cima. Musashi se convierte en el más fuerte y célebre hombre de su tiempo viviendo como un indigente. Inoue nos cuenta esa historia desde que Musashi tiene 17 años, y no es más que un joven que está saliendo de una niñez tormentosa y violenta, convertido en una bestia con sed de sangre a tal punto que mató a un hombre por primera vez a los 13 años.

Vagabond va por el tomo 33 y aún falta camino, por lo que absorbe todo el tiempo de Inoue. A pesar de ello éste vuelve a su pasión, el básquetbol, con una serie que realizará en sus descansos: Real. Es una obra que comienza donde termina Slam Dunk. Nomiya, uno de sus protagonistas, es expulsado del colegio por haber sido responsable de un accidente donde una joven queda parapléjica, por ende carga con una culpa inmensa, a demás de ser privado de la posibilidad de jugar básquetbol. El segundo protagonista es Togawa Kiyoharu, un joven de 20 años sin una pierna que práctica el básquetbol en silla de ruedas. Habrá un tercer protagonista que triangulará la relación de los personajes. La obra tiene como centro el básquetbol en silla de ruedas., pero es solo la excusa para hablar de la relación problemática de las personas con su cuerpo cuando están mutilados, hablara de la culpa y el desconcierto, cuando no se puede desarrollar aquello que da sentido a la vida. Y ese es el problema principal, los personajes de Inoue están imposibilitados de llevar sus vidas a partir de un relato establecido que los integre a una idea de sociedad, Miyamoto Musashi es considerado un criminal por lo que debe cambiar de identidad, mientras que Nomiya es el clásico hombre gorila que en apariencia es puro músculo pero interiormente sufre por no poder conectarse con la gente.

Inoue desarrolla un estilo hiperrealista basado en la presencia de infinidad de elementos presentados de manera clara y precisa dentro de la página, es cosa de ver alguna viñeta de Vagabond a campo abierto, o los paisajes urbanos de Real, donde la realidad en la que orbitan los personajes está presentada de manera tan clara, rotunda y concreta que la estética sirve de base para afirmar esta incapacidad de los personajes de asimilar un relato vital, porque están aplastados por la sociedad y el lugar que les asigna. Por ende, el centro de las obras de Inoue es la búsqueda de sentido para la existencia, nada de jerarquías y castas, ni órdenes perdidos, simplemente el goce y la consciencia de algo llamado vida, manifestado en la perfección de un tiro de tres puntos o el silencio filoso de una katana que sigue la trayectoria de un golpe mortal.

TEXTO APARECIDO EN INDIE.CL

Pateando Culos

2010-08-02T20:14:00.000-07:00

No son pocos lo que le enrostran a Mark Millar ser el blockbuster del cómic; un tipo que escribe guiones para obras espectaculares, con un ojo puesto en la posible adaptación cinematografica. También se le acusa de mezclar personajes de manera impune como ocurre con Némesis que se presento con la premisa; "¿si el Joker fuera Batman?". La verdad es que si trabajas para la industria es mejor ser astuto y tomar las riendas de tus creaciones, porque en estos tiempos donde hasta a Rob Liefield le han ofrecido adaptar sus ilustres viñetas a la pantalla, es mejor tener cuidado con lo hacen con tu obra, no te vaya a pasar lo que a Morrison a quien le plagiaron Los Invisibles de manera flaite e impune. La verdad es que no hay pecado en quere asegurarle el futuro a tus hijos, parece que al mundo le desagrada que Millar sea tan directo, la verdad es que prefiero eso al lameculismo de Stan Lee y su pinta de abuelo bailarin.

Con respecto a lo segundo, Millar le ha dado dinamismo a una industria chata e inmóvil hasta la oscificación, dando rienda suelta a un finisimo sentido de la parodia. Kick Ass es una obra que actualiza el espirítu del Spider-Man de Steve Ditko de manera hilarante y corre una cantidad de riesgos demenciales para un comic book, no tengo idea hasta que punto Millar mete las manos en la producción y el guión de la adaptación pero como ocurrió con Wanted, la adaptación es otra obra, que no le hace ni cosquillas al original. La película de Vaughn es otra cosa, una versión softcore, que no tolera en algunos puntos la ausencia de ficción del cómic de Millar - Romita. Mención aparte para Hitgirl, porque la verdad es que Millar y Romita se sacaron del sombrero un segundo Wolverine.

The Fixer

2010-07-30T13:31:00.000-07:00

Frank Miller dispara:

El personaje se llama The Fixer, y un aventurero en busca de una misión. Ha sido entrenado en operaciones especiales, y cuando atacan su ciudad, de pronto todas las piezas se colocan en su sitio y todo su entrenamiento entra en juego. Él ha estado ahí luchando contra el crimen sin poner su alma en ello… lo hace para mantenerse en forma. Es una criatura mejor adaptada a la sociedad, aunque a lo largo de la historia dispara a 100 personas.

Parece que Miller volvera en gloria y majestad, desechó a Batman, para sacarse del bolsillo a un personaje a lo Hartigan, de su propia factoria.

Frank Miller al habla/ Vía Entrecomics

Trailer de Walking Dead de Frank Darabont

2010-07-24T11:26:00.000-07:00

Se filtro el primer trailer de la adaptación de Walking Dead de Robert Kirkman a la pantalla chica. Esto si que promete, un tipo como Darabont que hace que las soporiferas novelas de Stephen King se vuelvan entretenidas e interesantes, y que adora hacer películas de larguisimo metraje, deberia lucirse con el material de Kirkman. Creo que Walking Dead será el reverso de Lost, partiendo por pasar de la hiperficción de la segundaal tiempo aboluto y lineal de la primera.
Lamentablemente noes la mejor calidad, pero de todas formas de disfruta y el sonido es bastante decente.

Ediciones B publicará Karma Police

2010-07-23T22:29:00.000-07:00

Si alguna vez existió algo parecido a una industria del comic en Chile, la dictadura la borro del mapa. Ahora parece que podemos volver a comenzar a partir del movimiento de la novela gráfica, que de a poco a ido generando altas expectativas, a pesar de que aún no aparezca una obra clave, todos hablan de Road Story de Fuguet y Martinez, pero la verdad es que el autor de Mala Onda es un blockbuster disfrazado de autor, así es que yo aún espero un pistoletazo de partida que de verdad haga que la gente de este puto país comience a hacer sinapsis.

Y me saco el sombrero con la gente de Mythica que dejo emigrar al tandem Baradit-Caceres entendiendo la importancia de que una gran editorial comience a publicar narrativa gráfica. Quizás es el primer gran paso para que los dibujantes y los guionistas puedan llegar a vivir de su arte.

Baradit da la noticia en su desquiciado Blog.

Entrevista a Matías Bize

2010-07-19T22:18:00.001-07:00

Con motivo del estreno de La vida de los peces, pude entrevistar a Matías Bize, lamentablemente acaban de subirla a mas de un mes de haberla realizado.

Scott Pilgrim en Indie.cl

2010-07-03T14:48:00.000-07:00

Segunda crítica de cómics en Indie.cl, esta vez le doy un par de palos al mainstream superheroico de la mano de Scott Pilgrim.

A primera vista, y antes de adentrarnos en la obra, cabe decir que el éxito de Scott Pilgrim es el signo de un cambio más profundo, que comienza a ocurrir en el centro de la industria del cómic, en el mainstream estadounidense; y es que nuestros queridos súper héroes de toda la vida están en retirada, para dejarle el centro a las obras del cómic moderno, a una nueva sensibilidad que antepone la experiencia y el arte antes que la industria, y que cambia al fandom endogámico por cualquier lector crítico y ágil. Tenemos obras: Persépolis, Épileptico, Agujero Negro, George Sproott, solo por citar cuatro títulos que se me vienen a la cabeza. Tenemos autores: Joan Sfar, Lewis Trondheim, Chris Ware, Daniel Clowes, Joe Sacco, Jason, Jiro Taniguchi y un largo etc. Y más aún tenemos una gloriosa y multicultural galería de precursores: Alan Moore, Will Eisner, Frank Miller, Yoshihiro Tatsumi, Art Spiegelman, Robert Crumb y un aún más largo etc. Puede que Scott Pilgrim no le vaya a la saga en profundidad, experimentación y valor crítico a las obras y autores citados, sin embargo posee una libertad creativa, a la par que una capacidad para explorar ciertos sentimientos que está más en sintonía con los autores que están más arriba que con los hombres y mujeres en piyama de DC y Marvel

Merchandising

2010-07-01T14:10:00.000-07:00

Polera de Shintaro Kago

+ Tezuka

2010-06-30T11:42:00.001-07:00

No hace mucho pillé esta imagen en el blog de Pepo Pérez. ¿Será Tezuka?

Tezuka Kidd

2010-06-29T19:06:00.000-07:00

Chip Kidd es un diseñador gráfico al que todos deben conocer por sus trabajos en DC comics. Ideas suyas son las letras que se van desvaneciendo número a número en Final Crisis, también son obras suyas los logos de All Star Batman y Robin, y All Star Superman, que si alguien se ha fijado bien esta en pendiente o inclinados hacía arriba según el personaje. Más notorio es su trabajo con las obras de Frank Miller, por ejemplo los dos tomos de Batman DK que no tienen edición en español, pero que son iguales a esos recopilatorios pequeños de Sin City, que por supuesto también diseño Kidd.
Las imagénes de arriba son las obras suyas que más me gustan, son diseños para obras de Osamu Tezuka publicadas por la editorial estadounidense Vertical. La primera imagen corresponde a Apollo's Song obra que como no he leido (no tiene edición en español), no tengo idea que intento hacer Kidd, así que pasemos a la alucinante Oda a Kirihito, que Vertical publicó en dos tomos con la misma portada, salvo por la huincha transversal con el título nombre de autor que uno puede mover a derecha e izquierda y presenciar la tranformación del Doctor Kirihito (esta fue editada en español por la fenecida Otakuland). La quinta imagen corresponde a MW y es notable, como Kidd juega con las letras del título a partir de la distorsión de la identidad del protagonista, en fin, ya ni hablar de la imagen inferior con esas expresión entre dolor y placer puesta con un morado intenso. Y la última imagen es mi favorita, es notable lo que hizo Kidd con los tomos de Buddha; así cualquiera quiere tener a Tezuka en su estanteria.

El Escapista de Michael Chabon

2010-06-27T18:23:00.001-07:00

Portada de Chris Ware para el primer tpb del escapista

Por fin encontré la novela de Michael Chabon: "Las asombrosas aventuras de Kavalier y Clay", cuyas 700 y algo páginas me estoy devorando. En ella se cuentan las peripecias de Sam Clay y Joe Kavalier, dos muchachos judíos que hacen carrera en el mundo de los cómics en los años cuarenta, con su personaje El Escapista: maestro de la fuga y la prestidigitación que es capaz de liberar a los oprimidos de cualquier atadura. En plena segunda guerra mundial la novela explora y da cuenta del nacimineto de la industria del cómic, de los problemas para ser percibido como arte, de su influencia al combatir los superheroes el nazismo, la explotación de los dibujantes y guionistas a quienes se les arrebatan sus derechos. Todo a partir de una editorial inventada: Empire cómics, que por supuesto compite con las majors de la época como Timely (que ahora conocemos como Marvel) y National (que ahora conocemos como DC).
Buscando en internet, descubri que Dark Horse publicó seis números de 80 páginas del Escapista, invitando a variados artistas; desde Jason a Eddie Campbell, a participar realizando historias cortas no tan sólo del personaje principal sino que de otros que aparecen en el libro de Chabon como Polilla Luna.

Más sobre el Génesis

2010-06-12T09:37:00.001-07:00

Marco Rauch, editor de Mythica desmenuzó también el Génesis de Crumb, y bueno, no estamos para nada de acuerdo con respecto a la obra. Así es que haré mis descargos en los comentarios de 2Cy1M.

Vía/DosCafésyUnaMesa.com

Leyendo a Bisama

2010-06-09T22:00:00.000-07:00

Falta poco para que el nuevo libro de Bisama: Estrellas muertas, aterrice en librerias, y en Letras Libres le dedican un artículo donde es leido como se merece, y no con un montón de prejuicios rídiculos, propios de un lector superficial, como lo hacen por estos pagos. Abajo un extracto del artículo escrito por Mauricio Montiel Figueras.

"Justo con un estallido, el de una bomba colocada en un restaurante de Santiago, inicia Caja negra, cuya trama se fragmenta en esquirlas que vuelan en distintas e insólitas direcciones donde confluyen un rockero japonés que desaparece misteriosamente –la desaparición como fuga metafísica es una de las preocupaciones de Bisama–, un productor de cine trocado en terrorista, unos gemelos que dirigen películas de culto, una estrella de glam rock y un autor de novelas policiacas dispuesto a revelar el mundo que acecha “detrás del lenguaje. Las palabras ocultan ese mundo. Sólo tachándolas se puede entrever el mecanismo. Es un mundo [...] desencajado, inenarrable [...] pero no lo vemos porque las palabras lo tapan”. La fragmentariedad también está presente en Música marciana, donde un viejo ex drogadicto narra la vida y enigmática muerte o desaparición de sus catorce hermanos para ilustrar con nitidez los versos de Enrique Lihn citados en Caja negra: “Una condensación de absurdos personajes, algo como el horror de un álbum de familia.” En ambas novelas se dibuja asimismo la figura de un patriarca elusivo: en Caja negra, Samuel Mori se esfuma sin dejar huella luego de convertirse en fan de las cintas de sus hijos; en Música marciana, el pintor surrealista que funge como trasunto de Roberto Matta hace de sus gafas oscuras un parapeto que lo defiende de su vasta progenie (los dos patriarcas, aún más, comienzan el exilio en travesías marítimas que se complementan: Mori viaja de Europa a América mientras que el trasunto de Matta emprende el trayecto inverso). En ambas novelas campean las críticas a la identidad chilena: “Hablamos en chileno, en esa habla informe que persigue, que acosa a las otras como si fuera un monstruo, una personalidad escondida” (Caja negra); “Despreciaba de su país de origen [esa] medianía que por momentos se transformaba en locura, en puro miedo cerval al abandono, en una versión lamentable de la pena” (Música marciana). Ambas novelas concluyen con estampas líricas de un apocalipsis que amenaza un territorio “donde los habitantes hablan una lengua que enuncia el mal mejor que ninguna”.

Críticando cómics en Indie.cl

2010-06-07T21:05:00.001-07:00

Ahora no tan sólo soy crítico de cine en Indie.cl, sino que también de cómics. Ambas labores son relevantes para mi, sin dejar de pensar que hay una gran diferencia entre ambas, cada vez que escribo sobre cine, inevitablemente me siento parte de una discusión mayor donde participan más críticos de medios de diversos tamaños, que le dan relevancia a ciertos filmes por encima de otros, lo que connota un significado, al mismo tiempo que cada uno inserta el film elegido en el campo cultural destacando ciertos valores que tienen un efecto sobre dicho campo.
Por otro lado al escribir sobre cómics, me siento inevitablemente solo y abandonado, porque el cómic en Chile no es reconocido por los medios, la única forma en la que se manifiesta se da cuando se estrena un filme que es una adaptación. Esto es bastante incomodo y produce problemas de espacio, porque inevitablemente al cómic le toca la pieza más chica de la casa, y pasa a ser un objeto parasitario que tiene como consecuencia la publicidad viral con la que se promocionan este tipo de películas. Ya ni hablar de las obras que eligen adaptar. En este sentido creo que críticar cómics en este país es un esfuerzo un tanto quijotesco, porque la gran mayoría de lectores verdaderos son también parte de la misma pequeña industria que se esfuerza por salir adelante y hacer obras, yo mismo incluso soy aspirante a guionista. Por eso me parece un esfuerzo valioso la crítica, porque no tan sólo ayuda a generar discusión y para configurar determinadas obras que pueden convertirse en influencia, o para reflexionar acerca de la producción local, sino que más aún como una forma de introducir y engendrar lectores que se sientan acogidos por el espacio vital que representa cada viñeta como un nuevo territorio a explorar.

Primera crítica de cómics: el Génesis de Robert Crumb

Diez razones por las que me gusta Scott PIlgrim

2010-06-04T20:03:00.000-07:00

1)Solo he leído el primer tomo de Scott Pilgrim, de Bryan Lee O'malley, y debo admitir que me ha enganchado hasta la médula.2) Scott Pilgrim es un joven de 23 años que esta un poco a la deriva, tiene un grupo de rock que suena horrendo, vive en un pequeño departamento con un amigo gay, sus padres se fueron a Europa , lleva un año soltero y se le ocurre salir con una colegiala, se enamora de Ramona Flowers a la que conoce en sus sueños antes que en la realidad 3) Scott Pilgrim desarolla el motivo clásico del adolescente outsider que no encuentra un asidero en el mundo de los adultos, el problema es que Scott Pilgrim es varios años mayor que la sufriente Enid de Ghost World, ádemas de poseer una imaginación desmesurada que va a contrapelo de sus carencias materiales. 4) Scott Pilgrim se debate entre Kniven Chau; una adolescente de colegio católico, china, virgen y sin experiencia. Y Ramona Flowers, una mujer independiente con siete ex - novios a sus espaldas. 5) Cuando Scott esta en medio de este trance amoroso, crees que llega el momento de la madurez, porque esta enamorado de Ramona Flowers, pero para estar con ella debe luchar contra sus siete malvados ex-novios en espectaculares combates que mezclan la acción de Dragon Ball con la parafernalia de los Power Rangers. 6) Problemas complejos se resuelvan a partir de una imaginación afiebrada e hiperkinetica. 7) El autor de Scott Pilgrim es un muy buen narrador gráfico, que utiliza el formato y las reticulas del manga para engendrar un estilo propio.8) El autor de Scott Pilgrim tiene muy buen sentido del humor. 9) Scott Pilgrim es editado por Oni Press una editorial pequeña, y se abrio paso a través del boca a boca, hasta que llegaron las grúas de hollywood y llamarón al bueno de Edgar Wright (Shaun of the Dead, Hot Fuzz) para dirigirla.10) Scott Pilgrim no es una lectura ligera, pero tampoco es una lectura pesada, ni comercial ni cerebral, ni hamburguesa ni caviar.

Monster de Urasawa editado por Larp y la rentable infantilización de los lectores

2010-06-01T18:15:00.000-07:00

Monster de Naoki Urasawa posee una historia editorial bastante particular, la primera edición en español es del 2001 a manos de Planeta, que decidió editarla en tomos de 120 páginas; la mitad de un clásico tankoubon japones, por lo que los 18 tomos originales se convirtieron en 36. Usaron un papel baratisimo, y diseñaron portadas especiales para los 36 números, estos detalles hicieron que más de alguno desistiera comprarla. El 2007 la mexicana Vid sacó una edición que si respetaba los 18 tankoubon japoneses, el problema es que para sus mangas acostumbran usar un horrendo papel, que parece roneo de bajo gramaje, con traducciones inocuas y rotulación vertical, como si leyeramos de arriba-abajo, al estilo japones. Cuando supe que Larp iba a publicarla, tuve la esperanza de que era el momento de tener una edición decente entre manos. No es que la de Planeta fuera tan mala, el problema es que es muy dificil conseguir una serie de 36 tomos en Santiago de Chile, más dificil si la edición viene de España. Argentina es la meca del manga para sudamerica; Ivrea, Larp y en menor medida pero mucho valor ya que editan a Tezuka; Deus Ex, son estas tres editoriales las que garantizan la presencia del manga en las estanterias de estos pagos, con buena distribución. Que haya material de Glénat, Ivrea-Esp, Norma y Planeta ya es voluntad de los dueños de las tiendas.

Portada de la edición de Planeta en extensos 36 números

Monster cuenta la historia de Kenzo Tenma, un neurocirujano japones asentado en Dusseldorf-Alemania donde desarrolla una exitosa carrera tanto en la práctica como en la teoría, a través del desarrollo de investigaciones. Su carrera toma otro rumbo cuando desobedece a su superior y decide operar a un niño que tiene una bala incrustada en su cabeza, en vez de operar a una importante autoridad, lo que pone en jaque la imagen pública del recinto hospitalario. El problema del Doctor Tenma es que nueve años después aquel niño se convierte en un imparable asesino en serie, lo que sumerge al protagonista en un problema ético-moral de proporciones épicas. Este es el nudo de la acción de Monster, que en sus 18 tomos cuenta la caceria que emprende Kenzo Tenma por detener al asesino que cree haber engendrado. El problema que plantea Urasawa es oscuro y profundo, trata sobre como la rigidez de ciertos parámetros éticos y morales pueden llegar a tener monstruosas y violentas consecuencias. Urasawa es un autor que podría denominar usando los rótulos de la industria japonesa como Seinen, o manga de adultos, esto puede verse en el planteamiento inicial de Monster, pero quizás queda más claro si se analiza con detenimiento la ejecución de la obra. Basta echarle un ojo atentamente al primer tomo para observar la maestria de Urasawa para caracterizar a los personajes, con unas cuantas líneas es capaz de dar cuenta del cúmulo de emociones que embarga a cada uno en el transcurso de la obra. Cada gesto, cada reacción es una nota que hace varias el resgitro de un thriller cuyo objetivo no es el placer de descubrir ciertas verdades, sino que las consecuencia que estas tienen en cada personaje, los que siempre estan sujetos a presiones y cambios, siempre pelean por dominar cierta naturaleza inestable. Además la obra esta llena de subtramas e historias que se ligan de distinta forma con el eje central. En síntesis una obra aguda, insidiosa que exige al lector con un registro claro y en apariencia simple.

Tenma decide salvar al pequeño Johan desencadenando una espiral de muerte

Monster es un imprescindible, por eso me hice con el tomo apenas cayeron las cajas de Larp por estos lados. En un principio me decepcionó bastante la calidad de la edición, un papel que si bien mantiene cierta blancura con mucha dignidad, se transparenta en ciertos pasajes de manera grosera. Una encuadernación humilde, y una traducción que si bien es efectiva tiene unos cuantos errores que de seguro se produjeron en la rotulación. Sin embargo lo que más me quemó, fue que no tuvieron la buena educación de colocar notas al pie con la traducción de las palabras en alemán. En los últimos tres años los argentinos han publicado sólo 3 títulos interesantes para adultos, o Seinen; Vagabond de Takehiko Inoue, Gantz de Oku Hiroya y Monster de la que acaba de aparecer el primer tomo hace una o dos semanas. Sólo tres obras que exigen a los lectores una comprensión más profunda, que los manidos relatos de superación y formación que se van a repetir hasta el final de los tiempos. El 95% de lo que se imprime en Argentina es material puramente comercial, apelando a las series de moda como Naruto, One piece o Bleach, tanto como a la nostalgia a partir de obras como Saint Seiya, Slam Dunk, Ranma, Inuyasha o Samurai X. El mercado argentino no quiere madurar y en gran medida se dedica a alimentar al fandom, perpetuando la forma en que este consume las obras como objetos fetiches, y no como lectores dinámicos con la suficienta capacidad crítica para establecer la relacion que hay entre el título como identidad y su formato material. Y es que la reciente edición de Monster no se diferencia en nada a como editan Deathnote o One Piece, no hay ni una marca o gesto que aliente a otro tipo de público a leer las obras, a pesar de que estas necesiten de otro tipo de lector para desarrollarse plenamente. La cálidad de las publicaciones también ha mantenido cierto nivel medio, no se aprecia ninguna intención de acercarse al nivel de editoriales como Glénat. No me gusta el panorama, no me agrada que en vez de publicar títulos nuevos e interesantes se reediten obras comerciales bajo el rótulo de edición deluxe cuando lo único que le agregan es una solapa, por la cual doblan el precio. La infantilización del público y la nostalgia es una de las consecuencias del capitalismo depredador, que sólo quiere ampliar sus digitos, convirtiendo al adulto con experiencia y capacidad crítica en un consumidor-niño, al tiempo que se establecen politicas editoriales conformistas que no abogan por subir el nivel de profesionalismo de quienes trabajan en las editoriales.

Portada de un tankoubon clásico, que es el modelo utilizado por Larp

El cómic es el único medio que establece una relación directa y discursiva con su soporte material, por eso las politicas editoriales son significativas y dan cuenta de la realidad inmendiata tanto del mercado como de los lectores. Falta mucho para que veamos una edición como el Monster Kazenban que comenzó a editar Planeta el año pasado, una edición muy cuidada, con páginas a colores, y un papel de alto gramaje e impoluta blancura, que en sólo nueve tomos contiene la historia completa. De esta forma se hace justicia a una obra imprescindible, que a partir de este formato llegara a una masa de lectores que se verán influenciados de manera gravitante por ella, si es negativa o positivamente, es cuestión de cada uno, por algo estamos entre adultos ¿o no?

Al unir los 9 tomos Kazenban se forma un meláncolico mural

"They fuck with the wrong mexican"

2010-05-05T20:41:00.000-07:00

Hace muy poco, Jan Brewer, goberadora republicana de Arizona, firmó una de las leyes más severas contra los inmigrantes ilegales en E.E.U.U. La ley, convierte en crimínales a todos los inmigrantes indocumentados que se encuentren en este estado, permitiendo, además, que la policia pueda detener a cualquier persona que sea sospechosa de serlo. La ley causó un inmediato rechazo por parte de grupos inmigrantes residentes en Estados Unidos, de grupos de defensa de los derechos cíviles, de otros estados y del gobierno mexicano. Ahora bien, el estado de Arizona no tenía presupuestado que se metían con la gente equivocada. Y si se querían poner duros, pues bien, hay sujetos que están acostumbrados a eso. Jan Brewer, Arizona, Machete tiene un mensaje para ustedes.

Fuck Arizona!!!!!

Criticando

2010-05-03T19:53:00.000-07:00

Tengo botado el blog, porque me las estoy dando de crítico de cine y de comics para Indie.cl y acaban de subir mi primer texto sobre cine (en el link esta integro): una comparación crítica entre La nana de Sebastian Silva y La teta asustada de Claudia Llosa. Les dejo el primer párrafo como boton de muestra.

La falta de recursos en el cine latinoamericano es la causa que lo condena a la referencialidad. No hay cinta filmada bajo tales límites territoriales que no acuda a los referentes más cercanos, siempre y cuando de ellos se pueda extraer alguna buena historia. Un director latinoamericano jamás podrá darse el lujo de filmar una epopeya romántica de esas que salen a borbotones de los estudios hollywoodenses; porque una película filmada en estos pagos es más el esfuerzo de un pueblo, de un grupo social, que de una industria. Por eso no es casual que cada vez que una obra sale a La falta de recursos en el cine latinoamericano es la causa que lo condena a la referencialidad. No hay cinta filmada bajo tales límites territoriales que no acuda a los referentes más cercanos, siempre y cuando de ellos se pueda extraer alguna buena historia. Un director latinoamericano jamás podrá darse el lujo de filmar una epopeya romántica de esas que salen a borbotones de los estudios hollywoodenses; porque una película filmada en estos pagos es más el esfuerzo de un pueblo, de un grupo social, que de una industria. Por eso no es casual que cada vez que una obra sale a competir al extranjero, éste o tal certamen tenga en vilo a un país en el instante en que se abre el sobre que hará gritar a algunos y llorar a otros. Dicha situación de compromiso nacional no ocurre muy seguido. Lo más común y lo más interesante es observar cómo el público recibe ciertos filmes, porque inevitablemente tales obras, en Latinoamérica, dicen y exponen algo de quienes están sentados en las butacas.competir al extranjero, éste o tal certamen tenga en vilo a un país en el instante en que se abre el sobre que hará gritar a algunos y llorar a otros. Dicha situación de compromiso nacional no ocurre muy seguido. Lo más común y lo más interesante es observar cómo el público recibe ciertos filmes, porque inevitablemente tales obras, en Latinoamérica, dicen y exponen algo de quienes están sentados en las butacas.

Más Vatifilia y ¡LA MOMIA ROJA!

2010-04-08T20:39:00.001-07:00

por PALOMO
(Clickear encima para agrandar)

por CHRISTIANO

por Mariano Ramos

Si hay un tipo talentoso en el mundo de las viñetas chilenas, ese es Christiano, cuya creación más conocida es El antipoeta Sanhueza que apareció en las páginas de Publimetro y luego fue recopilado en un tomo (acá un boton de muestra). El asunto es que Christiano en conjunto con otros artistas nacionales tiene un blog llamado La momia roja (brillante oxímoron) en el cual le sacan filo a sus lápices para lanzarse a retratar la actualidad política de este estrecho y terremoteado rincón del mundo, y como no, también se ceban en la actualidad internacional (como se puede apreciar en las eclesiasticas viñetas que ilustran esta entrada). Ahora La momia roja quiere dar un paso adelante y pasar a una publicación en papel, pero para eso necesita de ¡suscriptores! que suelten un par de lucas y así poder lanzar tres números de prueba.
El humor gráfico tiene toda una tradición en este país, doy fe de ello, y es que en lo personal he de asumir que mis primeros cómics fueron las Topaze que venían los domingos en el diario La Tercera ¡así es! mi primer acercamiento al mundo del cómic fue con una revista de humor político; ni idea si entendía algo de lo que había en esas páginas, pero esos dibujos causaban una poderosa atracción en mi. El esfuerzo de Christiano y compañia busca revivir y encausar esa tradición, y eso en los tiempos que corren, con un periodismo prácticamente unidimensional ,ligado a los grupos de poder ecónomico que son quienes mas encima gobiernan ,es algo notable. Podemos participar de esto y hacer que un nuevo medio de comunicación masivo y de calidad surja, circule en papel y sea una verdadera oposición al gobierno, a través del lenguaje gráfico, que en lo personal es de los más subversivos y universales, así que a ayudar que un par de lukas no es nada.

Si te interesa la suscripsión clickea AQUÍ

Blog de LA MOMIA ROJA

Vía/ Mythica

Chile Steampunk

2010-04-06T22:16:00.001-07:00

En la página de Mythica ediciones se puede ver un adelanto de diez páginas de la que al parecer será su próxima publicación: 1899, que nos trae a Francisco Ortega como guionista y Nelson Daniel en los lápices. El adelanto es estupendo y promete mucho.

¿De que va 1899? Aquí entrevista a Francisco Ortega y Nelson Daniel en Blogzup

La reconstrucción de Chile

2010-04-05T20:09:00.000-07:00

¡Otra ilustración notable! e increiblemente lucida con respecto al acontecer politíco del país. Eso si, es obra de El Gat invisible, artista que trabaja para EL TEMPS de ¡Cataluña!.

Vía/ The Clinic

Santa acabada

2010-04-04T19:04:00.001-07:00

Acaba semana santa, y no me siento ni más ni menos santo. Terminé sin huevitos de chocolate y, a su vez, terminó mi viaje de un cruzero por islas paradisíacas, lamentablemente, de la peor manera. Muchas veces los caminos que uno recorre en pos de algo se tuercen, de eso, ni siquiera el camino a la santidad se salva, bien conocido es el dicho popular que explica cómo el camino al infierno está lleno de buenas intenciones. Cada fin propone un viaje, ahora bien, esos viajes, por más planeados que estén, pueden variar. Muchos somos los náufragos que nos perdemos en ilusorias y, a veces, terrorificas sendas o tentaciones, sin embargo, en este punto, lo que diferencia a un santo de cualquier otro sujeto, es que el santo puede tomar incluso el camino más abyecto y transformalo en algo sublime, bello. Ejemplo de aquello es la siguiente cita, que deseaba compartir con ustedes:

"Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba hasta las entrañas. Al sacarle, me parecía que las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor, que me hacía dar aquellos quejidos; y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor, que no hay desear que se quite... No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad le dé a gustar a quien pensare que miento"

Santa Teresa.

Vatifilia

2010-04-03T22:05:00.000-07:00

Vano oficio tratar de contener en palabras la fuerza expresiva de estas viñetas. Los artistas gráficos expresan mejor que nadie la violencia, no tan solo de los abusos, sino que también la de quienes hacen oidos sordos a ellos, en esta semana poco-santa.

Aquí + caricaturas

Låt den rätte komma in

2010-03-29T20:05:00.000-07:00

Ese es el nombre original de la película, que en españa se llamo Dejame entrar, título con un sentido tremendamente profundo para la mitología vampiríca, y que en el estupendo film de Tomás Alfredson adquiere interesantes ribetes simbólicos. Lamentablemente aterrizo en nuestras terremoteadas salas con el horrendo nombre de Criatura de la noche, ni que fuera un remake de una de Wes Craven, en fin que es un deber moral de cualquier cinesifilitico pagar la entrada y disfrutar de esta joya, que harto esperamos y aguantamos DVD en mano.

Como ya la habíamos visto antes, un colaborador de este blog, nos lego un texto (si alguien conoce paradero de Mis_polainas, se ruega enviar información).

Déjate entrar

"Sin nombre" de Cary Fukunaga: El abrazo roto

2010-03-28T18:31:00.000-07:00

Ahora que todos los países de Ámerica Latina se aprestan a celebrar los doscientos años de independencia, vale la pena tener presente que lo único que ha caracterizado estos dos siglos de vida "autónoma" (mejor ni entrar en detalle con respecto a los casos de intervencionismo), es la imposibilidad de erradicar la violencia del continente, violencia heredada desde que Colón se bajo de su carabela y que encuentra manifestaciones contemporáneas por toda la región como: los horrores de Ciudad Juaréz en la frontera entre México y Estados Unidos, las maras de centroamérica, las guerrillas y los sicarios en colombia y un largo etc. Esto llega a tal punto que es a partir de la violencia que se instauran las políticas neoliberales en el continente, teniendo como puntapie inicial la dictadura presidida por Pinochet en esta larga, angosta y terremoteada faja de tierra. Por eso no es casual que desde sus manifestaciones más brutales hasta las más simbólicas, sea la violencia un motivo presente a priori en el cine latinoamericano; desde películas ya famosas como Ciudad de Dios (2002) de Fernando Meirelles, hasta obras maestras menos conocidas como La mujer sin cabeza (2008) de Lucrecia Martel, sin olvidar por supuesto, películas recientes como La teta asustada (2009) de Claudia Llosa. Sin nombre (2009) de Cary Fukunaga se destaca por dos elementos: su película habla de la inmigración y de las maras, por ambos motivos podría pasar a engrosar una lista sobre el cine latinoamericano contemporáneo, sin embargo su director, al igual que ocurre con Joshua Marston y María llena eres de gracia (2004), es estadounidense, eso si de madre sueca y padre japonés.

Al principio Sin nombre nos narra dos historias: la de Cásper y Smiley al interior de la mara salvatrucha en Chiapas - México y la de Sayra en Honduras. En la primera asistimos a la incersión de Smiley en la mara y todo lo que eso connota, partiendo por una brutal golpiza de doce segundos que se le propina a todos los recién llegados. Y al conflicto de Casper que esta enamorado y sostiene un romance con una chica que vive hacía el centro y no tiene nada que ver con los mareros, por lo que roba tiempo de sus obligaciones con la banda para dedicarselo a ella. En el segundo arco argumental vemos como el ausente padre de Sayra retorna a Honduras tras ser deportado de Estados Unidos, y quiere emprender un viaje a través del Salvador y México para entrar de manera ilegal a Nueva Jersey. El film nos expone la marginalidad total de los personajes sin caer en excesos, basto un plano general de Sayra escuchando a su padre quien quiere llevarsela para darle un mejor futuro,para ver de fondo las miserables casitas de un suburbio hondureño. Quizás al principio la historia de Casper y Smiley desequilibran el conjunto del metraje, dado el salvajismo y la brutalidad de las maras, pero después todo retorna a su cause cuando la historia se entronca a partir del viaje en el techo de un tren de carga que atraviesa méxico de sur a norte, punto en el que se encuentran Casper y Sayra, el primero huyendo de una venganza consumada y una condena en vías de ejecución, mientras que la segunda viaja por la voluntad de su padre con quien no tiene muy buenas relaciones. El viaje es por una ruta marginal, y bajo las peores condiciones, siempe con miedo por ser descubiertos por la policia de inmigración o por ser asaltados por cualquier banda. Todos son personajes que se mueven como fantasmas, porque no existen para un estado legal, no hay ni una autoridad o tipo orden en el film, todo esta regido por la fuerza y la violencia, todo esta reducido a una gama de instintos primarios.

La película posee varios méritos cinematograficos, Cary Fukunaga director de cine con estudios académicos en Nueva York se acerca a una realidad que absolutamente desconocida para él con la máxima naturalidad posible, respetando incluso el uso de dialectos, nada de hablar un castellano neutro para que esto se entienda desde Ciudad de méxico hasta Barcelona. En segundo lugar no cae en tremendismos ni exageraciones al exponernos la brutalidad de la realidad que nos expone, de hecho la dirección de fotografia es increíblemente sobria y equilibrada sin exagerar ni mesurar nada, mostrandonos una paleta de colores que refuerza la sensación de naturalismo que envuelve los escenarios. Los personajes no son arquetipos, sino que se mueven y reaccionan de acuerdo a un conjunto de valores y normas asociadas a su cultura y emociones. Un claro ejemplo de esto ocurre con los mareros, de hecho Fukunaga nos expone a la Salvatrucha cámara al hombre como si un documental se tratara, sin emitir juicios de valor con respecto al colectivo sino que poniendo sobre la mesa los claroscuros de la banda, vemos lo salvaje que pueden ser sus rituales y costumbres, así como vemos la camarderia y los vínculos emocionales que estos desarrollan como si fueran una familia. Y aquí llego a lo más notable, porque Fukunaga centra su película en un solo tema, frente la desmesura y pesades de la realidad que nos expone, centra su cámara en un sólo punto desde el cual se despliegan todos los personajes y adquieren sentido las acciones: las relaciones filiales. Sin nombre es una película sobre la necesidad de arraigo de personajes que se mueven en otro mundo, pero de un arraigo emocional, la idea de nación no existe en esta película salvo como una forma de coherción, todos los personajes buscan establecer relaciones filiales, ya sea a través de la mara como una familia que niega cualquier otro princio de unidad o de la unión a partir de la búsqueda de un sueño en común, que rara vez no términa por torcerse.

Celeste Buenaventura

2010-03-24T18:04:00.000-07:00

Es moneda corriente que en la Isla Chiloé, ubicada al sur de Chile que es el espacio dónde transcurre el presente cómic, las madres solteras tiendan a atribuir sus retoños al Trauko, suerte de hombrecillo rudo que hace de las suyas en los bosques y lugares solitarios de la isla dejando embarazada a cuanta damisela se adentre en sus dominios. Dicha leyenda esta en el centro de la obra en cuestion, y parece que ese tono picaresco que la domina termina dejando de lado cualquier posible dramatización. Y es que el panteón mitologico chileno se caracteriza por dar cuenta de problemas y situaciones domésticas, a escala humana, delineando dramas intimos y desarraigados de cualquier gran conflicto existencial. Esto no quiere decir que Celeste Buenaventura sea un cómic poco serio, muy por el contrario, es una obra en la que su protagonista es acusada de un crimen. Un asesinato que involucra al hombre que ama, en un momento que es el punto en el que Celeste se abrira al gran caudal de emociones humanas ,que marca nuestro paso a la adultez, parece que Celeste se iba a encontrar con el Amor pero en el camino se atraveso la Muerte.
Y es esto último lo mejor del cómic, lo más logrado; todo empieza como un clásico encuentro en una niña de provincia, huerfana, que no esta destinada a grandes cosas en esta vida y su amigo de toda la vida: Conrado, que asiste a la universidad en una ciudad-capital. El diálogo no dice tanto como el dibujo, ese abrazo ambiguo y esas miradas cercanas que esconden grandes sentimientos, esos signos de dos jovenes que comienzan a descubrirse un nuevo mundo,para ellos hasta que otro mito picaresco se cruza en su camino: el del pillo chileno. Común es el dicho que dice la oportunidad hace al ladrón, el problema es que en Chile la ética se reduce a que si no aprovechas la oportunidad eres un idiota redomado y perteneces a otro bando, eres otra clase ser humano. Suena simple y común, sin embargo esa forma de actuar ha engendrado actos de mucha maldad. Y como decía antes, parece que la pareja iba a seguir la senda del amor pero se aparecio la muerte, pero Celeste no esta sola aparece su padre el Trauko y su mundo se expande, se abre hacía toda la mítologia local convirtiendo a Celeste de una niña común de provincia en la hija de un hombre legendario, lo que claro suena postivo, pero más que eso es complejo, y ahí esta el segundo acierto de la obra, y es que Celeste se inserta en este mundo mitologico, no como una variable mágica de su mundo sino que como variable compleja, el paso a la adultez esta marcado por la comprensión traúmatica de que el ser humano esta imbricado y conectado a una serie de poderes y variables que superan su individualidad, esto último esta representado por el panteón mitologico chilote, por las envidias y recores de personajes como la Fiura, poderes en las sombras y reencuentros familiares que Celeste sufre y comprende porque en su camino se cruzo la muerte. Conectar a un ser humano común y corriente con los poderes que constituyen nuestro mundo es motivo clásico en lo que se refiere al uso de la mitologia, la forma a escala humana que da el guión de Rauch es notable, más aún cuando construye un personaje femenino que problematiza ciertos aspectos básicos y arquetipicos en su relación con las figuras masculinas. Puede que sea una lectura para adolescentes, pero de que el cómic chileno esta mejorando, no hay duda.

Hell And Back

2010-03-19T11:43:00.000-07:00

No se en que momento perdí el rumbo; depresión, problemas académicos y familiares, una maraña de emociones parecidas a un abismo me envolvio por bastante tiempo. Con ayuda de amigos, familia y polola logré salir. Quise comenzar un nuevo año de la mejor forma posible, viendo todo con nuevos ojos y energías, emprender proyectos ansiados hace bastante tiempo y dedircar más de mi a quienes quiero.
Pues bueno el año no comenzó de la mejor forma posible, de pronto este país mostro su peor cara; la ignoracia, la irresponsabilidad y una etíca de libre mercado que permea a todas las clases sociales llevaron a que un multimillonario de derecha, ligado a la dictadura militar (que como toda dictadura que se precie masacro y extermino a miles de personas), fuera elegido presidente. La desason fue muy grande, asumir que este país no tiene memoria lo fue aún más.
Y como los trances historicos a veces tienden puentes hacía problemas más intimos y personales a los pocos días falleció mi querido perro, así es, mi mascota desde hace catorce años murio de manera violenta y estrepitosa en las ruedas de un vehículo pesado. No es que le eche la culpa al multimillonario de derechas de la muerte de mi perro, es sólo que la decepción y la pena parecian querer mover las piezas de la realidad inmendiata, para ajustarla a sus objetivos, a las emociones con que gustan poseernos.
Y para el final esta la guinda de la torta; viernes 27 de febrero, 3:34 a.m. Duermo con un placer, unas ganas, una plenitud y una profundidad que me había experimentado hace mucho, pero que mucho tiempo. Quizás soñaba con mis planes para este año. 3:35 a.m. La tierra se sacude la mayor de las furias, parece que todo se viene al suelo, absolutamente todo. Al otro día la ciencia le pone cifra al sacudon: 8,8 grados; 900 veces fuerza que en Haití. Ciudades arrasadas, la gente loca saqueando las tiendas y sembrando más pánico y terror que el mismo terremoto , miles de familias cercenadas por un maremoto que no se anuncio. Los más afectados aún lloran y buscan en las costas los cuerpos de sus seres queridos, otros lo perdierón todo. Para quienes el terremoto solo significo un sacudon y un susto de muerte aún sufren de insomnio y los nervios no los dejan en paz ante el más minímo remesón.
Sin duda alguna es un 2010 que ha comenzado poniendola difícil, pero aquí estoy, dispuesto hasta a revivir este rincón del averno. Porque cuando vez que ante la miníma oportunidad, la masa se lanza a robar, saquear e imponer la ley del más fuerte en menos de 24 horas, aprendes que un país que se sacudira como el infierno cada 25 años, la educación y la cultura han de ser las piedras angulares de una sociedad que estara reconstruyendo sus casas, sus escuelas, sus cimientos cada 25 años.

Asi es que SEP7IMOCIRCULO ¡reinicia sus transmisiones! Con más cine, más literatura y más cómics.

Energía Atómica

2010-03-06T20:03:00.000-08:00

Hace rato que esta en la web, pero como este rincón del averno estaba dormido, simplemente se nos paso. Pero como nunca es tarde, aquí esta el link para que puedan disfrutar del primer webcomic de Atómica. Que no saben nada sobre Atómica. Pues les cuento que es el proyecto editorial-comiquero-superheroico más interesante (incluso más interesante que varias novelas gráficas que verán la luz a futuro) que ha dado esta larga, estrecha y terremoteada franja de tierra. Y no es de extrañar si el proyecto salio de la cabeza de Sergio Amira, quien como se puede ver en cualquier pin up de Atómica juega limpiamente exponiendo siempre sus influencias y homenajes, que son muchos pues el sombrero de mago de Amira, cualquiera que haya leido su calabozo del androide lo sabe, es más profundo y rico en prestidigitaciones que el de muchos reputados guionistas del país del norte, asi es que nada de comparaciones majaderas que Atómica se defiende sola.

El webcomic en cuestión se titula Got the time (la referencia a cierta canción esta mas que explicitada en el cómic), y en él presenciamos como unas vacaciones familiares se convierten en tragedia (¿jugando a predecir el futuro reciente?). Nelson Daniel es quien esta a cargo de los lápices y demuestra solvencia narrativa, en fin que esta gratis (legalmente) en la web y leer no cuesta nada.

Link a un posto con links con info sobre Atómica

TERREMOTO

2010-03-02T16:39:00.000-08:00

La playa en Pelluhue después del terremoto

El viernes pasado volvi de mis vacaciones del sur, con las pilas cargadas al máximo, con los conflictos y problemas personales en vías de ser totalmente resueltos. Santiago se me presentaba como la tierra de las posibilidades a la que me enfrentaria de nuevo con toda mi fuerza y astucia; una ciudad que amo y odio, que me seduce y a veces me hace temer y odiar. Esa noche me quede dormido muy profundamente, como hace siglos que no lo hacía, sin saber que tres horas y media después de cerrar los ojos, un terremoto me botaria de la cama.

Desde mi más tierna niñez recuerdo que siempre me hablaban del famoso terremoto del 85 (naci el 86). La gente lo evocaba con cierto orgullo, como si en su cabeza experimentaran reminiscencias del momento. Lo sé por en sus rostros siempre se dibujaba una placida calma, la calma de alguien que esta satisfecho, de alguien que guiado por el recuerdo volvia a sentirse orgullosos de no haber sentido miedo. Y es que esa era la impresión que dejaban en mí, que nadie tuvo miedo. Pero habia una segunda impresión subyacente; evocaban el suceso como si este nunca fuera a repetirse de nuevo. Por más que todos se preguntarán tras la evocación: "¿cuando será el próximo?" todos lo hacían con la misma tranquilidad de un cientifico que anuncia cuando se extinguira el sol; sabe que será en tres mil años, que no estara vivo y esa sensación de saber que no estaras en el último tren se nota en su tono de voz.

El viernes pasado experimente "mi primer terremoto", asi de tierno y es que si vives en Chile te tocara sentir la tierra moverse con furia unas dos o tres veces en la vida, a menos que los caminos de aquello que algunos llaman destino te tengan en Madrid, o por lo menos en el extremo de Chile donde se supone no esta temblando. El asunto es que la experiencia duro casi tres minutos y bueno, no sentí miedo. Mi casa es bastante sólida y vivir a mas de cien kilometros de la costa, hace que ni por un segundo pienses en una ola maciza, de diez metros que entrara por tu puerta y se lo llevara todo, tus espacio, tu oxigeno, tus movimientos. Sin duda alguna ambos factores son claves para darle a alguien la autoridad de decir "no tuve miedo". ¿Y entonces que mierda se siente? se preguntara más de alguno. Y para ser justos he de decir que las emociones que se apoderan del cuerpo impotente, del cuerpo sacudido por la tierra, a tal punto que no puedes ni caminar, como si la venganza comenzará con devolverte a un estado antediluviano, son emociones que est

án un poco más allá del miedo. Por poco más de dos minutos sientes que todo se acabo, que el libro que es cada vida se salto trescientas páginas para llegar a las del final, no al último capítulo, sino a las que están en blanco, las que ya no son parte de la novela sino que están ahí, blancamente impolutas por lo azares de la edición. Por poco más de dos minutos sientes que absolutamente todo se vendrá abajo y la oscuridad se convierte en tu cabeza en una blancura que todo lo devora. Afortunadamente si vives en Chile sabes que la tierra no temblará eternamente, muy por el contrario, sabes que

solo le bastan dos minutos para ponerlo todo por el suelo. Solo nos queda resignarnos y asumir la inmovilidad absoluta y aguantar la respiración para sobrevivir al minuto eterno.

El terremoto ocurrió el viernes 26 de enero, el lunes 1 de marzo todo el mundo vuelve a la máquina, a la capital, Santiago, locus grisaceo donde habita casi la mitad de Chile. Mucha gente pudo haber retornado ese viernes fatal, con la ilusión de no tener que invertir tres o cuatro horas de vida haciendo la fila de una plaza de peaje, un sábado o un domingo, de dicho fin de semana, en el que el grueso de la población retornaria, a sus hogares, trabajos, colegios, etc. Es en lo que piensas una vez que tras el terremoto vez la tele y/o escuchas la radio y te enteras que localidades y ciudades completas han desapa

recido, lugares con playas y costas llenos de gente por estos tiempos, comienzas a desear que ojalá muchos hayan decidido volver aquel viernes. Hasta que te ocurre lo que a muchos les debio pasar: observas atónito por la pantalla como el aquella playa donde estuviste pasandola tan bien hace unas pocas horas se convirtio en una espesa maza donde pululan trozos de casas, autos, barcos y cadáveres. El sentimiento es intraducible, en lo personal, hace exactamente una semana, siete días antes del terremoto estuve en una playa del sur donde experimente variadas formas de felicidad y plenitud que trate comprimir en imagenes capturadas por una cámara digital. Como dijo el ciego más sabio: "A la realidad le gustan las simetrias y los leves anacronismos".

La playa en Pelluhue antes del terremoto (esta foto la tome yo)

Biografía de Lennon

2009-11-27T19:00:00.000-08:00

A través del Moleskine de Iván Thays me entero que Anagrama publicó la biografía de más de ochocientas páginas sobre John Lennon escrita por Phillip Norman, la cual se puede adquirir por unos nada modestos 34 euriales, que bien los valen dado el volumen del libro y una que otra fotito en couché que debe venir, como siempre ocurre en este tipo de obras. En El Cultural , apareció una excelente reseña de Pérez de Albéniz que permite hacerse una idea de la profundidad de la obra.

Lennon fue uno de los príncipales motores creativos del grupo de rock más grande la historia, los Beatles, así es que por mi parte espero que esta obra aterrice luego por estos pagos, y que ojalá no llegue a un precio exórbitante como siempre ocurre con la colección de Ensayos de Anagrama. O a ver si se vende bien y baja pronto a la colección Compactos, cuyos precios hacen que mi encorcetado bolsillo respire con tranquilidad. En fin que no me lo pierdo.

Ver libro en el catálogo de Anagrama

quizás la única idea en la que Lennon creía como si fuera un dogma...

Otros diez años en viñetas

2009-11-25T19:52:00.001-08:00

Se acerca el 2010, y con él comenzamos a cerrar otra década mas. Por lo mismo empiezan los balances y todos queremos ser participes de la criba que filtra las obras memorables de la paja molida. Y en este caso los bloggeros dedicados al mundo de la viñetan han dado el pistoletazo de salida y se han puesto a discutir o revisar rankings con las obras más significativas de este decenio. Y como siempre hay de todo, autores geniales e incombustibles como Alan Moore, que se hace presente con Promethea, o Grant Morrison que con All Star Superman demostró que no existen personajes malos sino que malos artistas (frase que si bien es tópica, muchos olvidan con desmesurada facilidad), ya que en esta maravillosa obra el escóces resucito a un verdadero cadáver del noveno arte como es el hombre de la gran S. Por otra parte, y aún mas significativamente esta el hecho de que el comic underground o de autor ya no lo es, ya no esta en el margen, sino que comienza a invadir los anaqueles donde antes solo habían obras literarias en una hermosa batalla en la que ganamos todos los lectores voraces. Ahora tenemos fácil acceso a obras tan significativas como Breakdowns de Art Spiegelman o El cátalogo de novedades ACME de Chris Ware. En este sentido y como bien dice Pepo (en un artículo que pueden leer revisando el link de más abajo) hay verdaderos hitasos como Pérsepolis de la Satrapi, que si bien no ha llegado a librerias por estos pagos, ha hecho que mucho ente libresco se acerque a una comiqueria, y de paso agarre otra cosilla además de la Satrapi. En fin, los tiempos estan cambiando como diria el bueno de Bob Dylan, a ver que nos depara el futuro, por mientras no esta demás partirnos el seso sobre las obras más importantes de esta década, o de paso comentar la experiencia de algún lector converso que haya visto iluminada su vida por el mundo de las viñetas, que haya descubierto el poder de las palabras o los dibujos en un cómic (manga, BD, comic-book, novela gráfica) antes que en alguna forzada lectura infantil.

Aquí dejo tres links interesantes dónde se puede checkar este debate:

"Los mejores cómics de la década" en el Ciudadano Pop

"Los mejores de la década según ROCKDELUX" en Es muy de cómic (Pepo cuelga la lista que aparece en la ROCKDELUX de aniversario por sus 25 años, en el link se puede leer el artículo que el mismo Pepo publica en la revista, más la lista con los links a las reseñas de las obras elegidas)

"Los 25 mejores cómics de esta década" en CH999

Recuerdos ajenos

2009-11-22T18:22:00.000-08:00

"La lectura es el arte de construir una memoria personal a partir de experiencias y recuerdos ajenos. Las escenas de los libros leídos vuelven como recuerdos privados"

Ricardo Piglia en Formas Breves

Esto va a próposito de lo que escribi sobre Man on Wire, gracias a Mis_Polainas, colaborador silencioso de este humilde rincón del averno, estamos todos esperando que salga a la luz.

TR3S (formas de descender al infierno por una mujer)

2009-11-22T11:51:00.000-08:00

La dalia negra de James Ellroy

El cadáver de Elizabeth Short aparece descuatizado sobre una acera en Los Ángeles; la jungla de asfalto ha dado a luz un fruto de su cosecha roja. Los periodistas la bautizan como la dalia negra, por su parafernalico peinado. Bucky Bleichert y Lee Blanchard son un par de duros policias, que se vuelven parte de una casta de malditos, al hacerse cargo del caso. Para resolver el misterio del asesinato de Betty Short deberán pegrinar por las entrañas de un Hollywood que en las pantallas parece un sueño eterno, pero que los policias verán que no es más que un infierno, en el que descuartizar a una aspirante a actriz no es más que un eslabon de una cadena de pestilencia y horror. El autor de L.A Confidential y Mis rincones oscuros se basa en un caso real y en su experiencia personal, su madre también fue violada y asesinada, para delinear una road movie que traslada a los lectores directamente al séptimo circulo, haciendolos parte de la búsqueda por una verdad, que al final no interesa, porque lo importante es saber si se puede vivir después de mirar al abismo.

Lo cristalino y Help a él de Rodolfo Fogwill

Escritor, poeta, editor, publicista, consultor de empresas y cocaínomano retirado. Rodolfo Fogwill es un experto a la hora de autoretratarse como un outsider, ajeno a cualquier forma de stablishment literario. El presente volumen contiene dos piezas de distinta naturaleza. Lo cristalino, trata acerca de la pregunta por el arte: un pintor en busca de su estilo, sueña que un escritor le propone pinra un cuadro que "por efectos de la perspectiva" y el "tratamiento de la materia del color" emule la visión de una persona. Puestas en abismo caracterizan los devaneos mentales del artista en suspensión, en este texto que es aparentemente leve y etéreo. Diametralmente opuesta, la segunda pieza del libro es la hipersexual nouvelle Help a él (1982), doble enedemoniado del Aleph borgeano, narra la historia de un hombre enamorado de la suicida Vera Ortiz Beti. El protagonista al visitar a su padre y a su hermano, sube a la habitación de esta y se sumerge en un tour de force sexual, donde jugara al cambio de roles y al fetichismo con su Beatriz Viterbo. Todo, por cortesía de una extraña droga que difumina la realidad, tal y como lo proponen los dos textos.

Así que usted comprendera de Claudio Magris

Claudio Magris (Trieste, 1939) es un multifacético personaje de las letras italianas; académico ,prolífico ensayista y dramaturgo, en los 90" comenzó su incursión en la narrativa dando obras tan notables como Microcosmos (1997). Estuvo casdo con Marisa Madieri, quien también oficiaba de correctora de textos, que falleció en 1996 producto de un cáncer fulminante. El dato es insoslayable a la hora de abodar Así que usted comprendera, texto estructurado a partir de un monólogo de una mujer que esta interna en una Casa de Reposo, quién le cuenta al presidente de esta lo que ocurró tras encontrarse con su amante: un poeta que consiguio un permiso extraordinario para poder verla. Magris reescribe el mito de Orfeo a partir de su propia Euridice, cambiando el Hades por la Casa de Reposo, a medio camino entre el mito y la realidad, con un sólido fondo poético y forma drámatica, el escritor italiano siempre preocupado por los límites, esta vez opta por estar entre la vida y la muerte: "Era yo su tierra pérdida, la sabia de su floración, de su vida. Había venido para rescatar su tierra de donde había sido exiliado."

Las ideas estan en el aire

2009-11-21T13:30:00.001-08:00

Dos de las mejores películas de este año, en el fondo ¿son la misma película? (Notese como Walt y Carl usan los pantalones de la misma forma).

Moebius al habla

2009-11-21T12:03:00.000-08:00

Acabo de leer esta entrevista en el blog de Pepo a Moebius, donde el hombre se despacha unas cuantas perlitas. La entrevista aparecio en La Vanguardia, pero la quitarán en unas horas más asi que han de leer desde el blog de Pepo.

Escoja la viñeta de su infancia...

La soledad, y a través de ella, el descubrimiento del poder sin límites de la imaginación y de la observación de las cosas: una mosca, el agua, la hierba..., todo.

¿Y por qué esa soledad?

Mi infancia fue muy plácida, pero era hijo único de adultos que trabajaban y pasaba mucho tiempo solo. Descubrí el poder del dibujo muy precozmente, con cuatro años. Mi primera lectora fue mi abuela, una mujer sencilla y buena; fue tan entrañable su reacción que aquel primer halago fue la raíz de toda mi historia como dibujante.

¿Qué ha conquistado?

Que usted esté aquí: cada pregunta suya es una victoria, el resultado de mi trabajo para conquistar el interés. Ser entrevistado es un privilegio que nadie conoce en la vida normal; es un requerimiento de autenticidad.

Pero no sucumbió a ello.

Tengo dos aspectos como tengo dos firmas: una gran capacidad de bucear en mi interior y también una buena capacidad de comunicar; no me da miedo el otro.

¿Eso lo aprendió entonces?

Aprendí algo esencial que ha constituido mi filosofía de vida: el error, la imperfección, es lo que nos permite abrirnos para cambiar y conocer al otro, porque la fuerza (la intelectual, la física, la de seducción) cierra, levanta un velo y deja fuera al otro. Al fuerte sólo le salva un agujero en el velo. Los otros entran en nosotros como el agua, que nunca sube, siempre fluye hacía donde no hay impedimentos.

Leer entrevista integra AQUÍ

Retrato de un artista parado en un cable

2009-11-20T20:03:00.001-08:00

Se supone que mi ostracismo duraba hasta el 20 de noviembre, y a pesar de que no he terminado mi tesis motivo por el que no debria volver, aquí estoy de vuelta en el vicio bloguero. Y he querido volver tras el reciente visionado del documental Man on wire de James Marsh, obra que se me ofrecio como una suerte de viento fresco y poético, en medio de una actividad, de una escritura tan cosificante como la académica. Y es que no hay día en que no me cuestione lo que hago, un textucho que no leera nadie, en fin que es el último paso para que me den el famoso cartón, que de buena gana romperia apenas este en mis manos, y esto no lo digo influenciado por el visionado del documental, muy por el contrario, son pensamientos que me atormentan cada tanto. O quizás sí, lo digo alentado por el documental, quizás vi el documental adrede, me busque en él, busque cierta topografia emocional y sentimental en su propuesta, no hace mucho lei que un escritor cuyo nombre no recuerdo dijo algo como que leemos para buscarnos a nosotros, o algo así como leemos solo aquello en que nos reflejamos. Realmente no recuerdo quien lo dijo, parece que fue Vila - Matas, de lo único que estoy seguro es que no lo dije yo, pero quizás si lo pensé y de pronto lei a Vila - Matas (pongamos que fue Vila - Matas, que escribe tanto y tan bien) y encontre mi pensamiento, mi idea en su escritura. Pero que estoy diciendo, si estoy a años luz de Vila - Matas, el asunto claro, es que las ideas están en el aire y más de una persona puede llegar a la misma por distintos caminos. Y más aún con una idea tan básica como de la que estoy hablando. Cualquier buen lector, es más cualquier lector constante, habrá pensado lo mismo, porque cualquier lector (u espectador, perdón por los cinefilos) que consuma peliculas o libros con cierta voracidad, lo hará para buscarse en cierta forma así mismo, y en la medida en que encuentre trozos de sí, de lo que fue, de lo que será llegará a la misma idea. Que poco originales somos. Imaginense a alguien que escribe una tesis, un comentario al margen más marginal de la escritura, que por su ceguera egocentrica no se sabe marginal. En fin a veces el arte es puro impulso, pura ruptura concentrada en un instante, en una imagen: como la de un francés caminando sobre un cable entre las torres gemelas, una verdadera conquista, simplemente un loco se infiltro en el fenecido wtc en 1974, tendió un cable entre ambas torres, camino por él, se recuesta, se arrodilla, se burla de los policias que lo estan esperando con los brazos abiertos (y que más tarde admitiran la conciencia de estar viendo un acto que nunca más verán en sus vidas), porque solo él puede caminar por ese cable, es su territorio. En fin, que este francés loco desafia la gravedad, la vigilancia del wtc, a los policias y por qué no al mismo capitalismo dada la gratuidad de su acto, así es nomas, qué hombre en la luna ni que nada, sólo un cable a 450 mts de altura.

Me agarro la Tesis, vuelvo en noviembre

2009-10-17T15:17:00.000-07:00

Tenía que pasar, ahora que me pican las manos por escribir sobre la nueva película de Tarantino (que ha dejado claro lo subnormales que pueden ser los críticos de cine, especialmente los de internet), que es UNA OBRA MAESTRA QUE NADIE SE PUEDE PERDER digan lo que digan, como dice la canción, y es que si sueltas unos morlacos por ir a ver basura como Transformers o hamburguesas recocidas como las adaptaciones de cómic superheroicas has de aventurarte con uno de los contados directores contémporaneos que hace cine de autor DE VERDAD, aunque no lo entiendan, aunque algunos no sean capaces de raspar el tejido visual de la obra, cada uno ha de experimentar esta maravilla por sí mismo. Y es que a mi me agarro mi tesis, estoy en la quemada para terminar mi Licenciatura en Literatura y no doy pie con bola, asi es que no me queda otra alternativa que el ostracismo, y dejar de lado ciertos vicios como el bloggeo, así es que nos vemos el 20 de noviembre, si es que sobrevivo.

Sector 9: "Blockbuster con piel de oveja"

2009-10-07T12:20:00.000-07:00

Existen dos tendencias que orbitan en el cine mainstream y que me aventuro a decir que en poco tiempo serán moneda corriente. En primer lugar esta el hecho de vender películas como si estás hubiesen sido hechas en el patio de la casa de un director, y el tipo en cuestión solo se hubiese gastado el vuelto del pan para filmarla. Sin duda alguna un claro ejemplo de esto es la oscarizada Slumdog Millionare, película supuestamente filmada entre gallos y medianoche por Danny Boyle , film en el que la miseria de la capital india aparece sospechosamente estetizada. En segundo lugar y en directa relación con esta primera tendencia esta el uso de técnicas que tienen que ver con el falso documental, como la visión subjetiva, cámaras caseras y videos que a todas luces parecen descargados de internet. En este caso, como diria el bueno de McLuhan "el medio es el mensaje", porque el uso narrativo de tales recursos busca pactar un contrato de verosimilitud con el espectador, al tiempo que algunas veces sirve como pie forzado para enmarcar una obra (como la olvidada Holocausto Caníbal o REC). Con una mezcla de estas coordenadas se nos prensentaba Sector 9 (District 9) dirigida por Neil Blomkamp y apadrinada por Peter Jackson en labores de producción. Película que surge a partir de una idea desarrollada por el mismo Blomckamp en un corto, a la que hecha mano tras fracasar la puesta en marcha de una película sobre HALO (un videojuego). Y bueno la premisa expuesta en los trailers, que es la que vemos en el primer tercio del film, no podía ser más atractiva. Blomkamp se echa a Spielberg al bolsillo y nos expone a un grupo de extraterrestres sobrevolando, ni Chicago ni Manhattan, sino que Johannesburgo (Sudáfrica), donde las autoridades los acogen encerrandolos en un gueto, el mentado Sector 9, provocando una serie de trastornos sociales en la población que obligan a las mismas autoridades a tomar la determinación de trasladarlos a otro lugar con más pinta de campo de concentración que de reducto habitacional. Ahí es dónde entra en escena nuestro protagonista Wikus van der Merwe (intepretado por un desconocido Sharlto Copley), quien será asignado para dirigir la operación de traslado. Y mientras se encuentra cumpliendo su trabajo es que van der Merwe es contaminado por una suerte de combustible alíenigena que lo hará convertirse gradualmente ennuno de los langostinos.

El metraje del film puede dividirse perfectamente en tres partes: la primera que es donde se plantean los conceptos y premisas, donde Blomckamp pone las cartas sobre la mesa y que sin lugar a dudas es donde se luce al usar esa estética de falso documental de la que les hablaba antes mostrandonos el caos social desatado por el asentamiento extraterrestre, como si de una grabación de CNN se tratara, ese verismo invocado al principio le sirve al director para estabecer una serie de correlatos sociales de bastante profundidad convirtiendo a los langostinos en verdaderos parias, que sufren toda la violencia del sistema, cabe traer a colación en este punto las escenas del desalojo donde se les quiere hacer firmar una suerte de contrato donde aprueban el traslado, escena bastante violenta si se piensa que siempre se quiere tratar a la otredad con los parametros propios. En la segunda mitad asistimos al proceso de trasnformación de Wikus, y vemos al empezar a convertirse en langostino es perseguido por las autoridades que quieren "estudiarlo" para aprender a usar las poderosas armas de los extraterrestre que sólo funcionan a partir del ADN alienigena. Y claro la transformación de Wikus implica la destrucción de su vida y el inicio de una carrera por sobrevivir, es la historia del tipo que se convierte en la otredad a la que coaccionaba, y debe aprender a vivir con ello. Y bueno la tercera parte es la resolución del conflicto entre humanos y alienigenas que se radicaliza por la cacería de Wikus.

El primer problema de Sector 9 es el esquematismo con el que desarrolla la acción, al principio vemos un tono paródico, cargado de ironía, que sirve de fermento para establecer varias lecturas, sin embargo a medida que la historia se comienza a cerrar en Wikus la cosa se comienza a desdibujar y el retrato social que antes teniamos desaparece en todo sentido. Se supone que ese enfásis en la crueldad humana que antes era para los langostinos y ahora para Wikus debería profundizar en las ideas trazadas al principio pero no es así, porque Blomckamp no logra exponer personajes, solo dibujos mal hechos sin fondo ni forma, lo que se puede apreciar en los que dirigen los organismos de poder, siendo este el segundo gran problema de la película que además afecta a otros personajes, como la esposa de Wikus, su amor pérdido y móvil de sus acciones para intentar volver a ser humano, y es que hay más vida en una postal que en la mentada esposa de Wikus, y asi es como la película se cae a pedazos, dando la impresión de que a Blomckamp le estorban las ideas tratadas al principio, impresión que se ve reforzada por como se ceba en las escenas de violencia, y ya ni hablar de cierta batalla hacía el final que si se recortara y se pusiera como parte del metraje de los Transformers de Michael Bay dudo que alguien se diera cuenta. Y es que sinceramente no me comrpo que esta nuez de oropel llamada Sector 9 haya costado solo treinta millones de dólares. Hitchcock decía que es mejor partir de un lugar común antes de terminar cayendo en uno, y Blomckamp claramente hace el tránsito contrario y termina entregandonos una película deshilachada, que a pesar de estar muy por sobre la media a lo que estamos acostumbrados a ver del mainstream, mira muy pero muy de lejos a la que hasta ahora es la joya del cine fantástico de la última década: The host del surcoreano Bong Joon-Ho (Gwoemul, 2006).

Cine a Luka

2009-10-05T19:27:00.000-07:00

(fotograma de la cinefila Goodbye Dragon Inn de Tsai Ming Liang)

Mañana es el infame día del cine, y es que aunque nadie se resiste a la seducción de pagar mil pesos por una entrada (soy un seducido más), es muy díficil elegir que ver con una cartelera tan pobre, triste y lánguida. Parece que los distribuidores eligen el día con precisión de orfebre para estrujar películas que no le interesan a nadie, y es que ahí veremos mañana las ordas de escolares comandados por su profesores haciendo fila para ver atentados cinematograficos como Lluvia de Hamburguesas, La cruda verdad o Fuerza G. Qué pensaran esas cabecitas cuando sepan que Pelham es un remake de una película tan vieja como sus papas, y que por supuesto jamás verán. Más de alguno se repetirá el hitazo de este veraniego invierno (summer movies rulz) y se embutira en las butacas para disfrutar de la tercera entrega de La era del hielo, y es que si Manfred y compañia sobrevivierón al mes de septiembre, no me extraña que sobrevevivan a la desaparición del Gondwana. En fin si alguien quiere descargarse o comentar que vio, ahí están los comentarios a vuestra disposición; por mi parte pongo las manos al fuego por las siguientes peliculas: Sector 9, La nana, El silencio de Lorna, Entre los muros y Bellamy del incombustible Claude Chabrol.

¡Nos vemos mañana!

News sobre Bolaño

2009-10-05T19:15:00.000-07:00

Bueno pues que ya les decia en un viejo post que el bueno de Bolaño esta más lejos del silencio que nunca, pues que Anagrama va a reeditar las obras que no estaban bajo su poder (La pista de Hielo, La literatura Nazi en América) y ha partido con Una novelita lumpen; así es que la historia de los hermanos huerfanos y un viejo luchador debería aterrizar próximamente en la librerias locales. En segundo lugar, la revista 60 watts saco del olvido un viejo cuento escrito por Bolaño a los veintipocos años, bajo el batailliano título de El contorno del ojo.

"Jueves. Una curiosa criatura parecida a una vaca gigante pero que posee un pico de pato. Las palabras del periódico se ordenaron como un acertijo infantil dentro de mi cabeza. Me levanté a las cinco de la mañana. Después de lavarme descorrí la cortina: al fondo, en las escarpadas, muy lejos de la aldea, unas fogatas me recordaron los campamentos militares de mi adolescencia. Eran los carboneros. Más allá, hacia el oeste, entre bosques y campos de cultivo, el tendido ferroviario y un tren iluminado a medias que se perdía en la noche. Martes. El comisario político de la aldea vino a visitarme. Eran las siete de la mañana y la puerta estaba abierta. Debió deducir que me hallaba despierto y entró. El hombre quedó sorprendido de encontrarme sentado en el suelo, de cara a la pared, sin ninguna prenda de vestir encima. Al volverme hacia él se puso a parpadear y musitó que lo sentía. Le dije que no importaba. Mi rostro recién afeitado contrastaba con su cara soñolienta. Luego dijo: buenos días camarada Chen, y se marchó. Me quedé un instante escuchando sus apresurados pasos sobre el camino."

A próposito de la reedición de Una novelita Lumpen Jordi Gracia escribe en el país No hay un Bolaño menor

Entrevista a Jodorowsky

2009-10-03T11:50:00.000-07:00

"En abril de 1991 -gracias a las gestión de Editorial Hachette y contando con la convocatoria y organización del PRED (Proyecto educación para la Democracia), de Editorial Arrebatos y Trauko Fantasía- se realizó un encuentro de Alejandro Jodorowsky con el mundo del cómic nacional. Durante más de cuatro horas los dibujantes, guionistas y editores de cómic interrogaron y dialogaron con Jodorowsky. Su vasta experiencia y conocimiento de este nuevo "arte industrial", como guionista de los mejores dibujantes del mundo, permitio que este encuentro se convirtiera en un verdadero hito para los dibujantes chilenos."

-Antes de empezar, quisiera agradecer a Editorial Hachette, que nos dio la oportunidad de tener a Jodorowsky aquí, entre nosotros.

Jodorowsky: Me da mucho gusto hablar con ustedes. Yo salí de Chile en 1953; nací en Iquique, pero a los 6 meses me llevarón a Tocopilla. Allí viví un verdadero paraíso porque era hijo de extranjeros. Mi padre se hacía pasar por ruso. En realidad era judío pero nunca lo supe. Mi casa se llamaba la casa de Ucrania, la casa de los rusos. Nunca me pude poner pantalones cortos porque tenia las piernas blancas, de leche. Pero lo pasé muy bien y, como tenía pocos amigos, me puse a leer como a los 5 años. Lo primero que leí eran cómics. Creo que se llamaban El Pulgarcito, también estaba el Príncipe Valiente, Mandrake el Mago, El Rey de la policia Montada, las maravillas de las maravillas. Aún sigo leyendo El príncipe Valiente en Francia. Nunca deje de leer esos cómics. El cómic siempre fue muy importante en mi vida porque empecé a leerlos de chiquitito. Fui a México, hice teatro, 100 obras de teatro, y seguí leyendo cómics y publiqué en un periodico que se llama El Sol de México, una página cada domingo, durante 5 años, que se llamaba Fábulas Pánicas. Como se trataba de una cadena de 20 períodicos en todo México, lo leían más de 1 millón de personas cada semana. Yo dibujaba mal, pero como tenía algo que decir , me lo soportaban. Era un cómic como iniciático, filosófico, que salia cada semana. Tuvo mucho éxito porque yo iba diciendo todo lo que pensaba de pósitivo. No era un cómic destructivo sino positivo. Por ejemplo habían dos personas que estaban rezando y uno decía que la mejor manera para rezar no era pedir sino para decir gracias. Pero no era mi oficio. Yo hacía cine, pero de pronto, un proyecto que se llamaba Duna, en el cual trabaje dos años, se cayó al suelo. Me desengañe del cine y empece a entrar en los cómics.

(Recopilación de las Fábulas Pánicas de editorial Grijalbo)

Viví durante 10 largos años del cómic. Alimenté a mis 5 hijos y gané mucho dinero. El cómic es un arte industrial, era una carrera, un negocio y, a la vez, es un arte maravilloso. En Francia el cómic se considera como algo cultural. Yo publico un álbum cada tres meses, traducidos como a 10 idiomas.
El cómic era antes de Humanoides Asociados, Astérix, Tintin, era el cómic belga que se llamaba de la Línea Clara. El cómic europeo era esencialmente comercial, pero sin ningún sentimiento nuevo. A partir de Humanoides Asociados se creó un nuevo movimiento que pasó a EE.UU., marcando muchos de los cómics de ese país.
Yo empecé con los Humanoides Asociados desde su fundación con Druillet -que ahora se dedica a pintar-, Moebius, Dionet, que era el originador y que luego se lo comio la T.V. Allí también estaba yo. No firme en ese grupo, económicamente no entré porque no pensaba hacer cómics. Más tarde, cuando quise hacerlos, me fue muy fácil puesto que esa compañia había nacido de un discurso violento en pro del cómic que yo di ahí. Hoy Humanoides es como una fábrica de discos, comprada 3 ó 4 veces. Yo he pasado por 3, 4 ó 5 dueños. El cómic crece, entonces se producen grandes cataclismos y lo compra Hachette, luego los españoles y ahora es de una compañia suiza.

(los fundadores de Les humanoides associés: Bernard Farkas, Jean Pierre Dionet, Philippe Driullet y Jean Guiraud, mejor conocido como Moebius)

-¿Qué es para ti el cómic?
Jodorowsky: El cómic para mi es un arte maravilloso, pero hay que tomarlo como un arte industrial. Es totalmente diferente de las vanidades de la literatura. Cuando hablas con un poeta o con un novelista, se toman como la gran cosa. Son usados politícamente, son honoríficos, tienen premios establecidos, etc. El cómic es humilde, no es considerado arte, es despreciado. Hay que partir de la base de que es un arte, pero un arte industrial, que es un oficio más. Es lo primero que hay que visualizar.

Un dibujante tiene que dar en su página todo, tiene que ser personal y tiene que aprender a contar lo que él quiere contar. Es lo primero que hay que hacer. En el comic existen los ganapanes, que sufren mucho aunque van a la segura. Pero para eso se necesita una industria del cómic. Detrás de cada cómic hay alguien ganándose el pan. Una verdadera compañia de cómics se da cuando hay gente, jóvenes o viejos, que tienen la actitud para tomar la página y expresarse como lo sienten. Eso es lo más importante. Pero es muy díficil para un dibujante expresar todo el tiempo su mundo. Tiene que aprender a colaborar todo el tiempo con otro, con un autor, y equilibrar, unas veces él y otras el otro. En Francia los porcentajes van 50% y 50% de las ventas. Además hay un adelanto que también se reparte 50% para el autor y 50% para el dibujante. Luego se paga por página: 2/3 para el dibujante y 1/3 para el escritor. Lo que el escritor escribe en un mes, el dibujante lo dibujara entre 6 a 8 meses, a menos que sea un loco, como Gal, que ya lleva 6 años dibujando el álbum porque se echa 3 meses en una plancha. En toda su vida ha hecho dos álbumes. Conmigo ya va a salir, o sea, le queda como un año y medio de dibujos. El es profesor de dibujos, es genial, una página de Gal pasa a un museo. Un dibujante de cómic invierte entre 1 y 4 días para hacer una plancha. una semana ya es demasiado. Luego hay un colorista que paga la empresa, no se le quita un porcentaje al dibujante. El colorista va aparte. Por otra parte, a un dibujante no le conviene trabajar con un escenarista porque le tiene que dar el 50% de los derechos de autor y 1/3 de la página. Así es como funciona en Francia. Lo que es fundamental para el cómic es que el escritor tiene que ponerse detrás del dibujante, para el público, lo primero que cuenta es el dibujante no servirse a sí mismo. Hay que hacer las historias para el dibujante. Por ejemplo Moebius me dice "no me pongas caballos muertos, no los puedo dibujar". No le pongo caballos muertos. Tienes que escribir para el dibujante en los términos que el dibujante te pida. Por ejemplo Frank Miller, el más famosos de todos los giuonistas de cómic, esta trabajando con Geoff Darrow y se plego completamente a su estilo y decidió no poner mucho texto, dejándolo al minímo y plegándose a Darrow. Con el japónes que tiene su forma muy peculiar de montaje de dividir en cuadritos, yo no puedo decirle cuadro 1, cuadro 2, cuadro 3. Tengo que dar las descripciones y los diálogos, y él va a cortar y montarlo como quiera. [...]

(viñeta de La pasión de Diosamante dibujada por Jean Claude Gal)

-Aquí en Chile no sabemos hacer cómics, hay problemas técnicos y tambipen una gran esperazna. Yo fui al cine a ver El padrino, y uno se da cuenta que el cine latinoamericano no puede hacer eso.

Jodorowsky: anda a ver mis películas...

-En el cine hay una obra maestra realizada a partir de muchos talentos: hay un fotografo, un escenografo, un director, actores, etc. En el cómic nos enfrentamos a dos talentos solamente, pero que tienen que llegar aser talentos...

Jodorowsky: Conmigo sucedio de la siguiente manera: Moebius era un star. Hacía un cómic que se llamaba Blueberry, llevaba 20 años dibujando Blueberry, porque salia uno por año, con un escritor que se murió y que es conocidisimo por hacer series comerciales. Este escritor tomo un personaje como un gusano, como Superman, que no cambia. Entonces es una construcción lineal. Tintin es siempre Tintin en una aventura, no cambia. ¿Qué puede cambiar? Comprendes eso. Bueno, a mí se me ocurrió, y fui el primero en hacerlo, que había que limitar el número de álbumes que correspondian a una historia. Es decir había que comenzar y terminar una historia en 5 partes: El Incal Luz, El incal Negro, contraste, Lo que esta arriba y Lo que esta abajo, y La Quinta Esencia, fue muy larga y se dividio en dos tomos. Se comienza una historia y se cierra la historia. Vamos a hacer una novela. Pero cómo vamos a demorar 6 años, ¿va a esperar el lector? Lo vamos a hacer epserar. Entonces como las seriales, en cada capítulo hay una curiosidad y al final del volumen...¿Qué pasará? Y durante seis años esperarón. Son novelas.

(Portada original del Incal Luz, primer volumen de seis)

Esta entrevista es muy extensa, yo solo he subido el principio, y faltan aún más de diez páginas. Como dice el primer párrafo transcrito fue realizada en 1992 y esta incluida en un volumen que contiene tanto la entrevista a Jodorowsky como un cómic echo por el poeta Enrique Lihn títulado Roma la Loba, una obra excelente que no alcanzo a terminar. La edición de dicho volumen deja mucho que desear, ya que sumado a su exclusividad porque sólo se editarón 500 copias, esta la pésima transcripción de la entrevista (transcriben Gaal y no Gal o veta varón y no Metabaron, solo por citar un par de ejemplos que corregi al subir este extracto). Por si fuera poco el editor responsable no se aventuro a titular la obra con el nombre que había escogido Enrique Lihn, sino que la título con el génerico título de Un Cómic. En fin que afortunadamente la obra en cuestion se puede descargar gratis de Memoriachilena, asi pueden leer la entrevista íntegra y echarle un ojo al cómic de Enrique Lihn, que pide a gritos una reedición.

Para descargar el volumen en pdf, clickear aquí

La imagen de los fundadores de Humanoides y asociados fue extraida de FotosdeCómics

Gabriel Rodríguez gana premio Walt Whitman

2009-09-26T11:55:00.000-07:00

Esta noticia me ha dejado de una pieza; le han dado el premio Walt Whitman al dibujante chileno Gabriel Rodríguez por su trabajo en Lock & Key, obra que cuenta con Joe Hill hijo de Stephen King en el guión. El Walt Whitman es un premio otorgado por el Instituro Chileno Norteamericano que habitualmente términa en las manos de poetas y escritores, en esta ocasión Rodríguez se impuso a gente como el poeta Claudio Bertoni y la escritora Diamela Eltit. Esto si que ha sido un espaldarazo, hace poco todo el mundo hablaba sobre la columna de Molina Foix y nuevamente un premio literario cae en las manos de un artista gráfico materializando una tendencia que no hace otra cosa sino ir al alza, y tiene que ver con el posicionamiento de los cómics al campo cutural (y el chileno sin duda alguna es bastante pobre a pesar de la plata que circula en este rincón del mundo), haber si nos ponemos las pilas porque Rodríguez hace rato que esta haciendo cosas importantes en el mercado norteamericano. No tan sólo ha adaptado al cómic el Beowulf de Zemeckis, sino que varias obras de Clive Baker, además ya se había ganado el British Fantasy Society por la misma Lock & Key. Hace poco Javier Marías ganó un importante premio literario otorgado por una universidad del sur, y su obra completa aterrizó en las librerias se Santiago, ojalá algo así ocurriera con Rodríguez porque a pesar de ser un artista nacional Lock & Key no esta a la venta aquí (Panini cómics editó en español la obra) . Para términar un link a una columna de Ándres Gómez Bravo sobre el premio de Rodríguez.

(Una de las portadas de Lock & Key)

FELICITACIONES A GABRIEL RODRÍGUEZ

La gente normal no lee cómics por Andrés Gómez Bravo

Cuando los escritores son unos bestias

2009-09-25T19:29:00.000-07:00

La cosa esta que arde, resulta que un escritor de la tercera división de la literatura española se despacho una columna el finde pasado, donde cual inquisidor oscurantista medieval mando a los cómics y al cine de animación a la hoguera. Claro, todos tenemos opiniones y si queremos decir algo, si no nos gusta o no nos gusta algo argumentamos, la cosa es que que los argumentos de Vicente Molina Foix son de baja calidad, opiniones al voleo que lo único que ponen en evidencia es la soberana ignorancia del señor este. Bueno pues aquí les dejo el texto integro.

(clickear encima para agrandar)

Un par de perlitas

"Proliferan los cursos, semanas, exposiciones en museos y simposios también dedicados al cómic, y todo coronado porla disparatada instauración, hace más de un año, del premio nacional del cómic, con el que nuestro ministerio de Cultura enaltece al dibujante de monigotes, con la misma dignidad (y el mismo dinero) que otorga al mejor novelista, poeta o ensayista."

"Que tanta gente y tasntos críticos serios digan que una chorrada de plastilina como Up es una obras maestra del septimo arte me produce verguenza."

La República de Foix

En lo personal, el asunto este no me da tanta rabia como pena, es una lástima la ceguera intelectual que yo pense que sólo se daba en latinoamerica, con unos cuantos escritorsuelos fascinados por las faldas del poder. Pero veo que no es así, y es que no hay peor barbarie que la del prejuicio, la descalificación y la opinión que se busca convertir en dogma. El señor Foix no hace más que apropiarse de un argumento más antiguo que las putas, y no es otro sino el reclamo platónico contra la imagen, el miedo al símbolo en estado puro en el que uno puede sumergirse a placer. Y es que bueno la literatura tiene el privilegio de usar el lenguaje, o mejor dicho una variedad estilística de este, y claro con el lenguaje ordenamos nuestra realidad; un libro de leyes o un código cívil no estan redactados como un texto literario (bueno, esto es bastante discutible, pero ese problema es otro, y bien grande) sin embargo la materia prima es la misma. Mientras que en el cómic el dibujante nos muestra aquello de la realidad que le sirve para vehicular su mensaje, sus emociones, sus reflexiones, sus contradicciones. Platón expulsó a los poetas de la República, y estos sin duda alguna volvierón y se instalarón comodamente a vivir en/ y de ella; por ahi anda García Márquez cambiandole la chata a Fidel, y volviendo al artículo en cuestion el mismo Molina Foix se queja de que los dibujantes se les premie tanto,o más , que a él con dineros del estado. En cierta forma Platón también expulso a los dibujantes, y estoy seguro de que volverán, la diferencia es que cuando vuelvan la República no será la misma. Molina Foix representa al intelectual acomodado que vive de rentas y de cuanta columnilla se agarra en un diario, este no es el problema claro, todos tienen derecho a vivir comodamente, pero me pregunto dónde quedo el lugar del artista, que pasó que en tan poco tiempo que se acomodo al sistema y pareciera "querer cambiarlo desde adentro"; y es que en este siglo que comienza son los dibujantes, y los guionistas (que esa gran huelga en el país del norte no se nos olvide) los parias, y bueno, yo no le veo nada de malo a serlo.

pd: que yo me banque el Vampiro de la calle Méjico, y empece a leer el Abrecartas, y este Molina Foix no ve ni de lejos a Enrique Vila - Matas o Javier Marías, quienes son por mucho los mejores escritores españoles contémporaneos ( y que por supuesto se los recomiendo [París no se acaba nunca de Vila -Matas y Negra espalda del tiempo de Marías]).

Otras destacadas respuestas al señor Foix

"Los dinosaurios van a desaparecer"; carta a Molina Foix por Cesár Santivañez en Pienso en Cómics

Por alusiones de Álvaro Pons en La cárcel de papel

Carta abierta a Vicente Molina Foix por Antonio Garrido en El planeta de los cómics

El poder de la viñeta por Joan S Luna en 13 millones de naves

Cuando ruge la marabunta por Pepo Pérez en Es muy de cómic

"Los cómics son al arte lo que los homsexuales al ser humano" dice un campeón de ping - pon de Hérnan Migoya en Comicsario

En defensa del noveno arte por Juan Gómez Jurado en La voz de Galicia

Via/ Es muy de cómics

"Zombies en la Moneda": No sólo de carroña viven los zombies

2009-09-21T16:56:00.000-07:00

Ya llevo bastante tiempo sin escribir, asi que llegó la hora de ponerse las pilas tras haber pasado de lo mejor las fiestas patrias. Y bueno ya que es septiembre nada mejor que lanzarse sobre una obra del noveno arte made in Chile, la que no podía ser otra sino Zombies en la Moneda. Los argumentos que la situan por sobre otras son los siguientes: es el primer cómic chileno que aparece hasta en los noticieros centrales producto de un despliegue publicitario notable, es la obra que ha estado en boca de todos, y eso en un país dónde se lee tan poco, dónde se tiene tan poca estima por los libros y la cultura es notable. El segundo argumento es que ZELM es obra de Mythica ediciones, editorial dedicada exclusivamente al noveno arte, que en poco más de dos años ha conseguido un ritmo consistente de publicación, con obras de calidad tanto originales (Me llaman Pulp!) como clásicas (El Doctor Mortis), convirtiendose en un proyecto concreto, consistente y con un futuro bastante prometedor si continua cumpliendo sus metas.

Prejuicios y referencialidad

Debo confesar que siempre tuve ciertos prejuicios con respecto a Zombies en la Moneda, porque como otras obras esta también recurre a la referencialidad (ya que la propuesta es qué ocurriria si una horda de zombies se toma Santiago y ataca el palacio de gobierno), y con referencialidad me refiero a que los artistas de este país en general siempre intentan realizar un puente, un traspaso o híbrido cultural emulando formas de la cultura pop usando como telón de fondo o escenario a Chile, o bien ciertos simbolos identitarios que sean iconicos. El resultado de esto son obras facilonas, que se conforman con ese traspaso y que recurren a un humor sin gracia alguna, un ejemplo son los superheroes locales como Capitán Chile o Super Vaca (Renzo Soto), en quienes también se pueden ver resultados bastante dispares, el arte y algunas historias de Criastián Díaz para el Capi con realmente notables, sin embargo sería genial ver el arte de Díaz en proyectos de otra naturaleza, con otros tonos y matices. Y bueno la calidad del arte en cuestion siempre deberia estar en primer lugar, y esto lo digo porque apenas vi la portada de Alan Robinson para la obras, mis prejuicios se desvanecierón frente a la cálidad del trabajo, donde la tan manida referencialidad (creo que la imagen de Michelle Bachellet es tan iconica como la de Salvador Allende, ¿serán los lentes?) estaba totalmente superada por el estilo de Robinson.

La obra y las historias

Zombies en la Moneda es un tomo prestigio de 66 páginas en blanco y negro, con un papel blanquisimo, por el que espero que la editorial siga apostando, dejando de lado opciones más lujosas. Y es que materialmente el volumen es exquisito, la encuadernación, el papel y el rotulado son maravillosos, y si a esto le sumamos la portada de Alan Robinson creo que el volumen en sí tiene un valor material innegable. La obra esta constituida por seis historias cortas , antecedidas de una breve cita en plan From Hell de autores que van desde George Sand hasta García Marquez, las que abarcan diversos puntos de la invasión zombie. Por otra parte no puedo dejar de comentar el primero de los tres prólogos que uno ve apenas abre el tomito, y que esta firmado por Juan Andrés Salfate, el friki oficial, el hombre del cine clase b y z en la televisión, es él quien abre los fuegos con un encendido prólogo (que bien podría ser de clase b) sobrecargado de adjetivos que funciona, pero le imprime un tono a la obra y a lo que viene:

"Al igual que los zombies, el cómic en nuestro país se niega a morir . Nada más oportuno, entonces, que esta nueva quimera del noveno arte plasmado en tinta criolla. Como todos sabemos, los incombustibles muertos vivientes- acaso el más gremial de los monstruos clásicos de la pantalla grande- han servido fielmente en la construcción de metáforas antroposociopatasde toda índole. Por lo mismo, cabe destacar los asertivos y no menos mordaces discursos que trae este catalizador de estilos gráficos titulado Zombies en la Moneda."

Salfate da cuenta del lado más salvaje y corrosivo de los zombies, aquel que puede verse en las películas de George A. Romero, padre del género moderno, dónde lo importante no es la tensión y el susto, sino que el potencial representativo de los muertos vivientes para dar cuenta del sopor de las sociedades posmodernas, de la zombificación de los seres humanos inertes frente a la realidad que los determina, y los conviertes en muertos vivientes. Salfate le imprime un tono a la lectura, y es que un prólogo así no se puede obviar, es totalmente funcional, en comparación a las breves intervenciones de los editores Manuel Villa Vilches y Marco A. Rauch (quién también escribio el guión de la primera historia).

Primera Historia: TV ZOMBIE

El veterano Eduardo de la Barra, quien trabajara en la mítica Topaze, es el encargado de materializar el guión escrito por Marco Rauch, quien escribe una farandulera historia donde unos personajes bastante conocidos por cualquier televidente de esta angosta faja de mundo, se están preparando para realizar uno de esos programas vomitivos que auscultan la vida de los famosos ( y ni tan famosos), cuando son atacados por una orda de zombies furiosos. En ocho páginas Rauch y de la Barra nos cuentan una historia echa a la medida para el público chileno, con personajes reconocibles por cualquiera, una historia satírica que saca provecho de la faceta de caricaturista de de la Barra. El punto fuerte de esta es el desenlace dónde se esboza un origen para los zombies, del que no dare detalles por razones obvias, además de jugar de la Barra con los lectores porque en las viñetas más amplias los personajes miran al frente como si pusieran atención a los espectadores, convirtiendo a lector del cómic en espectador televisivo, lo que se relaciona y tiene resonancias con el final. El punto flaco es que de la Barra no narra, porque una cosa es narrar, dónde se entrega información visual o se da cuenta de una acción que entabla relación con las otras viñetas, y otra muy distinta ilustrar o caricaturizar, donde toda la información se concentra en un sólo dibujo. Y esta carencia se nota en algunas viñetas muy planas o que no se entienden, como aquella en que un personaje atropella a un zombie.

Segunda Historia: El Pago de Chile

Esta segunda historia abre con una cita de Leonardo Da Vinci: "Así como una jornada bien empleada produce un dulce sueño, así una vida bien usada causa una dulce muerte." La cita es absolutamente funcional, ya que el trasfondo ético que posee, la relación entre satisfacción y trabajo de la que tanto gusta Clint Eastwood, por dar un ejemplo (coff coff Gran Torino coff coff), es el móvil de esta historia. Asistimos al momento en que un humilde carabinero que viven en un conventillo es llamado a presentarse a servicio debido a la orda de zombies que esta atacando Santiago, el oficial debe dejar de lado su día de asueto y ponerse el uniforme, además se haya en la incertidumbre entre salvar a una mujer que mendiga todos los días en el centro de la ciudad y la preocupación por un hermano homosexual que se encuentra en una situación desfavorable. El guión de Kobal, es interesante, parte de un lugar común para exponer una pequeña gran tragedia de corte social, cuyo desenlace se relaciona con las connotaciones históricas de su título. Kobal intenta exponer una pequeña historia, una historia menor en apariencia y contraste con LA HISTORIA, la que términa en los libros, con los hechos que después serán recordados. El arte de Cristóbal Jofré posee influencias del manga, sobre todo en el uso de los fondos y la diagramación de algunas páginas, lo cual funciona muy bien si se piensa que lo que se tiende a tomar del manga son las fisonomias y expresiones más características, parece que Jofré entiende que lo interesante de la producción oriental es la simetria interna de cada viñeta.

Tercera Historia: Gloria y Victoria

Lamentablemente no puedo decir sino que esta es la historia de más bajo nivel del volumen, Manuel Mella Vilches y Claudio Muñoz (CAOZ) corren a cargo de los guiones y el arte respectivamente. En esta historia, también de ocho páginas al igual que todas las demás, asistimos al enfrentamiento entre la primera línea de guardias de la Moneda y los zombies. Es clara la inteción de Vilches de querer contarnos una historia de carácter épico, una suerte de prólogo que de cuenta de la batalla imposible que se apróxima, sin embargo el arte de Muñoz es totalmente deficiente, lo cual es raro si se tiene en cuenta el buen nivel expuesto por este en su personalisima Me llaman Pulp!, y es que precisamente en las viñetas de plano general, dónde se expone el fragor de la batalla es dónde falla Muñoz, cuando tiene que dibujar una gran cantidad de personajes sólo le salierón garabatos, y ya ni hablar del remate épico de la historia. Además el guión termina cayendo en un tópico absoluto, en un lugar común del que una obra como esta, con el tono con el que es presentada debe huir como de la peste.

Cuarta Historia: Escape de la Estación Mapocho

Supongamos que existe un género nuevo, como el policial, el romance, etc. Un género con su propia identidad y sus propias reglas, supongamos que ese género se llama nerdismo o ñoñismo y tiene como protagonista a....un ñoño por supesto, una persona que consume su vida extasiado por los videojuegos, la ciencia ficción, etc. Siempre por decisión propia, por placer, no porque no caigan las minas o algo así. Supongamos que Big Bang Theory es una serie que cabe en este género. Ahora que lo tenemos perfilado supongamos que estos personajes se hayan en la situación que han visto decenas de veces en sus peliculas favoritas, en este caso nos encontramos en una convención de Fantasía en la Estación Mapocho, centro cultural de Santiago que alberga desde la Feria Internacional del Libro hasta la Feria de Agronomia, pasando por recitales varios. Pues en pleno evento ñoñistico, los protagonista de esta historia se encuentran cercados por la orda de Zombies que en un principio son confundidos por apasionados cosplayeros. El guión esta escrito a cuatro manos por Maxwel Yezpitelok y Kobal, quienes nos narran una historia nerdista de supervivencia, dónde unos amigos tratan de salvarse poniendo en práctica los conocimientos adquiridos tras horas jugando Resident Evil, sin duda es la historia de tono humoristico materializada por Ronny Tobar con una estética animada que le imprime un tono ad hoc al guión. El problema es que el guión abusa del chiste fandom, al punto que la obra es devorada por sus referentes, los nombres pesan más que la historia, que al final incluso quiere terminar de manera tragicomica. Como decia alguien por ahí, lo que empieza como comedia, termina como pelicula de terror.

Quinta Historia: Camino a la Moneda

Con guión de José Lagos y arte de Sebástian Lizana, en esta historia aparecen los politicos, los servidores públicos, las caras conocidas; los zombies están en las puertas de la Moneda intentando entrar, por lo que la cuestion se vuleve una preocupación nacional y comienza a aparecer en noticiarios, etc. La historia es simple, porque es de transcisión y su objetivo es trasladar la acción al palacio de gobierno, el guión de Lagos nos muestra a los candidatos a la presidencia y las acciones que realizan intentando ayudar, y al final lo único que queda es un nuevo bombazo en la Moneda, un bombazo con resonancias históricas. El guión es flojisimo y demasiado suave con los politicos a quienes muestra, mientras que el arte de Lizana tiende al hiperrealismo, por eso se le dan bien los objetos y los zombies, cayendo en las fisonomias y movimientos, además del final que debio haber sido atronador. Dar vuelta la página y sentir el bombazo retumbando en mi cabeza, enmudeciendo mis sentidos, conseguir eso con papel y tinta es el objetivo del cómic.
Sexta Historia: La casa donde tanto se sufre

Esta es la joya del volumen, es por mulcho el guión más ambicioso, el acto final de la comedia y la tragedia. Si algo no le falta al guión de Angel Bernier son ideas. Los zombies han entrado a la Moneda y en su interior la presidenta Bachelet esta escondida junto a un guardaespaldas, la situación posee resonancias históricas, porque emula a la última resistencia de Salvador Allende el 11 se septiembre de 1973. Bernier divide la narración en dos líneas, nos muestra a los zombies adueñandose del palacio de gobierno, como si de un clásico recorrido turistico se tratará, Bernier comenta cada espacio del palacio, dando cuenta de los hechos históricos que ha presenciado, mientras en las viñetas vemos a los zombies haciendo de las suyas, la segunda línea narrativa nos muestra a Bachelet resistiendo con su guardaespaldas y recordando una vieja historia que nos traslada a al Chile del horror, los centros de detención y tortura, una página al agua en manos de Huicha nos acerca al horror, en medio de la ficción pura y dura esta ese horror, más verdadero y real que cualquier arte. Artísticamente también es la historia de mejor nivel, quizás no posee la espectacularidad que consiguen ciertos momentos otros autores como Lizana en la última viñeta de Camino a la Moneda, sin embargo Huicha en los lápices y Cristobal Jofré en las tintas consiguen narrar la historia visualmente de manera consistente durante las ocho páginas, hasta la diagramación y el uso de reticulas poseen un sentido narrativo, quizás el reproche mayor en este sentido sea la narración enmarcada, se apreto demasiado en una sóla página, por lo que no se aprecio bien la información de cada viñeta.

Sumando y restando

Creo que al final, las conclusiones son más positivas que negativas, hay elementos en Zombies en la Moneda que hacen pensar en futuras obras de alto nivel. Los puntos bajos son principalmente a nivel artístico, cada historia tenia ocho páginas solamente, se les puso un límite estricto a cada implicado, lo que hizo salir a flote las imperfecciones y deudas estilisticas, y no me refiero solo al arte, en cuanto al lenguaje figurativo, sino que también a la escritura, hay mucho que pulir. Quizás lo que falto fue un afiatamiento entre los encargados del arte y del guión, una mayor planificación, una maduración de las historias y su puesta en escena,la forma en que se dosifica la información y se narra página a página, viñeta a viñeta. Sin embargo creo que los aspectos positivos son muchos, en primer lugar esta el nivel material de la publicación, que es intachable, en segundo lugar esta conseguir crear una obra masiva de cálidad, y digo de cálidad porque todas las partes se esforzarón mucho por hacer una obra polisemica, una obra que se expandiera y pudiera contener múltiples lecturas, una obra que invita a los lectores a ver mucho más allá. Ese es sin duda el mayor mérito, el que se puede apreciar incluso al usar recursos paratextuales como el prólogo y las citas antes de cada historia, estas últimas funcionan como invitaciones a la reflexión, como llaves que abren puertas e invitan a lector a pensar y a releer, creo que eso es invaluable. Además esta el esfuerzo por crear una obra múltiple con una arquitectura coherente, Zombies en la Moneda parte en el living de cada casa, y términa en dónde se cocina la historia con mayúscula.

Las páginas expuesta estan sin terminar, la primera pertenece a TV ZOMBIE y carece de los diálogos, la segunda pertenece a LA CASA DONDE TANTO SE SUFRE y carece de texto y tintas, decidi no escanearlas y subir estas versiones incompletas como una forma de ir encontra de los escaneos de cómics que atentan ciertas propuestas editoriales que buscan generar una industria. Además de tener presente el alto valor material de la obra en cuestión en oposición a su bajo precio.
El pin up final es obra de Daniel Mejías, y fue coloreado por Cristóbal Cofré, no viene en el volumen, fue extraido del foro de Mythica Ediciones.
Las páginas fueron extraidas del foro de Ergocomics.
Editado el 22/9 a las 10:52, tras una relectura sin el cansancio y el sueño que enmarcarón la escritura el autor quito unas haches y cambio unos conectores en muy poco tiempo, con el simple objetivo de no sentir verguenza.

Sienkiewicz y sus dictadores amistosos

2009-09-08T19:21:00.000-07:00

Bill Sienkiewicz (Pensilvania, 1958) es un maestro del cómic norteamericano, en su obra mezcla técnicas como el collage, la pintura al óleo o el mimeografo. Alcanzó notoriedad en el mercado estadounidense al trabajar en obras como Elektra, Moon Knight, además de su trabajo en las portadas de varias series. En 1989 realiza una colección de trading cards (cartas coleccionables) cuyo motivo son los dictadores que el tio Sam ayudo a sitiuar en el globo, especialmente en latinoamerica como forma de "protegernos de la amenaza comunista". Y claro no podia faltar...

Via/ EntreComics que a su vez lo encontro en Comicopia, dónde esta el link de origen (¡que vivan los links!)

"Administrar no es crear"

2009-09-05T21:08:00.000-07:00

Presos políticos se dan una mano en Dawson, Isla 10.

La nueva película de Miguel Littin

¿Qué piensa de Latinoamérica hoy, en relación a 35 años atrás, cuando usted salió de Chile?

-Hoy vuelven a galopar los antiguos dioses, los de la rebelión. Este continente no existe sino en la medida en que se rebela contra una opresión que es secular y que fue una suerte de neocolonialismo ecónomico y cultural, que es lo que hicierón todos los regímenes de tipo tipo administradores burocráticos. Administrar, no crear nada nuevo y, por lo tanto, lo nuevo sigue pendiente. Y surge producto de que las brechas históricas se abren, porque todo el mundo empuja. Y América latina esta empuando para nacer de nuevo. Si no quieren ver el fenómeno de Venezuela como un fénomeno, no lo vean. Si no quieren ver el fenómeno de Ecuador o Bolivia, no lo van a ver.
¿Y como ve a Chile en este panorama?
-Acá los edificios están tapando la cordillera. Nos vamos a despertar un día y vamos a ver puros edificios, y en la punta un empresario con una bandera llena de niebla.

-Catalina May entrevista a Miguel Littin en The Clinic-
Pd: cuando suban esta edición a internet, linkeo la entrevista

Postales de Santiago

Un mapuche que pasea por el centro de Santiago

Una joven que pasea por el centro de Santiago

Una estudiante que pasea por el centro de Santiago

¡Día del blog!

2009-09-01T14:34:00.001-07:00

De todos los chiches que posee internet, el blog es mi preferido, creo que es un vehículo de conocimiento, experiencia y debate impagable. No hay día en que no invierta a lo menos un par de horas recorriendolos. Por eso no puedo hacer la vista gorda en este día del blog (que en rigor fue ayer), y como lei por ahí la gracia es recomendar cinco que no esten en las listas de enlace, ni en favoritos. No tendría mucha gracia recomendar los que tenemos enlazados, todos son excelentes y están ahí siempre, asi que para bien o para mal aqui van mis cinco blogs:

La vida en viñetas: "Pienso en cómics"

César Santivañez es un joven peruano que maneja las riendas de este sitio, apasionado absoluto por el noveno arte, es capaz de criticar y análizar conciensudamente tanto una obra del mainstream, como cualquier fanzine limeño, para el día siguiente entrevistar a Milo Manara.

Más noveno arte desde el país incaico: "CIUDADANO POP"

Gianco y Daniboi también son peruanos, y es que nuestros vecinos del norte, son realmente apasionados por el noveno arte. Pero el asunto es que no se quedan sólo con eso porque el nivel de la discusión que plantean es bastante alto, algo que deberiamos aprender aqui. Cada vez que me doy una vuelta por el Ciudadano Pop aprendo algo nuevo, y es que al igual que Santivañez, Gianco y Daniboi un día pueden hablar de Tarantino para el lunes siguiente entrevistar al talentoso John H. Williams III (responsable de obras maravillosas como Promethea , junto a Alan Moore y Desolation Jones, junto a Warren Ellis).

El noveno erotismo: "Lecturas no recomendables"

Scott McCloud en Entender el cómic (Understanding comics, que en los noventa Ediciones B tradujo con el horrendo titulo de Como se hace un cómic) dice que este arte es el de lo invisible, porque a través de dibujos, de trazos, busca hacernos sentir aquello que no podemos ver (movimientos, olores, etc). Hermosa paradoja, que emparentaria el cómic como arte visual con el expresionismo. Precisamente el erotismo es uno de los géneros predilectos del arte secuencial, y para que no crean que todo es hembras con prominentes escotes atravesando el cielo, vale la pena pasearse por lecturas no recomendables, y echarle un ojo a los maestros del erotismo como Manara, Serpieri y Azpiri.

El paroxismo visual: "Mira y Calla"

Dedicado al diseño, la ilustración y la fotografia, que día a día no tan solo sube muchas imganes, sino que tambipen muchos links. Simplemente mirar y callar. Diariamente es saqueado por muchos bloggers, este blog es un secreto a voces. Simplemente mirar y callar.

El lado oscuro del cine: "Dobleverso"

Sin comentarios...

"La Nana": el otro cine chileno

2009-08-31T20:14:00.000-07:00

El cine chileno esta dando un giro contundente en cuanto a registro se refiere, y es que ya no hablamos de registro sino que de registros. Como nunca se había visto antes, existe un grupo compacto de directores con un estilo definido, con propuestas interesantes y que en cada film estan demostrando oficio y ambición, la que cada uno ha desarrollado en su medida justa, de a cuerdo a las posibilidades de las que dispone. Tenemos a Ernesto Díaz que con Mirageman demostró que los géneros no solo son propiedad de presupuestos astronomicos (y eso que estamos hablando de superheroes), ni de culturas dominantes, muy por el contrario consiguio mezclar drama, aventura y comedia en film inteligente y maduro. La reinvención de Pablo Larraín con Tony Manero supuso un giro radical con respecto a Fuga, su fallida y costosa opera prima, lo que es más meritorio si se tiene presente que, el hijo de un senador de la derecha dura, tuvo los cojones para dar cuenta de un Chile brutal sin caer en tópicos burdos. Y ya ni hablar de Sebastian Lelio quien ha demostrado que se puede hacer cine de autor con La sagrada familia y Navidad. Por atrás viene picando Fuguet al que Alfaguara le deberia pasar plata para que haga peliculas, que en eso es talentoso, y deje de escribir barrabasadas. Y para el final dejo a quien nos concita, al multifacetico Sebástian Silva (músico y dibujante además de director de cine), quien en La vida me mata fue capaz de contar un bella historia sobre la muerte, en riguroso blanco y negro, además de condimentar con toques precisos de un surrealismo contenido y bien dosificado, que terminaban delineando una impagable mirada infantil, dejando de lado cualquier amago fatalista. Con su segunda película, Silva se mete con un personaje arqutipico de la idiosincrasia chilena, las nanas o asesoras del hogar, mujeres que no ven ni el sol ni la sombra por que viven en casas ajenas cuidando hijos ajenos, al punto de creer que son propios. Así es nomas, lamentablemente las nanas representan cierta neoesclavitud y son un rasgo caracteristico de la topografia social en los barrios adinerados. Por lo que es un tema interesante, pero peliagudo si pensamos que es tremendamente fácil caer en maniqueismos sociales.

Cualquiera que haya visto el trailer o leido la sinopsis sabra de que va la pelicula: Catalina Saveedra interpreta a Raquel, la nana de una familia acomodada, que producto del severo stress producido por llevar las riendas de una casa sufre de ciertas molestias de salud, que obligan a que la familia busque a alguien que le de una mano en las labores diarias, algo que en Raquel, verdadera dueña y señora al punto de tener hijos predilectos, no causa mucho agrado. Por lo que valiendose de ciertos trucos, consigue que se vayan una tras otras hasta que aparece Lucy,interpretada por Mariana Loyola, quien le dará un giro a la cuestión. Si bien es dificil hablar de oficio ya que cuenta con sólo dos películas a su haber,Silva tiene mucha habilidad, talento y conciencia del material con el que trabaja, de las historias que cuenta, porque en sus obras nunca pierde el norte de la fábula que esta narrando, por más que inserte disgresiones y otras entradas en sus filmes. Algo que es bastante meritorio para un director que gusta del segundo plano y lo subliminal. En La Nana Silva deja de lado cualquier maniqueismo social y construye, en Raquel, un personaje alienado y huraño, fracturado en su interior porque la película pone enfásis en un conflicto que si tildo de existencial, seria hacerle un deshonor a una pelicula muy bien narrada. El asunto es que la alienación que expone en la película es muy profunda e intima, ocurre cuando las relaciones de producción se confunden los sentimientos, lo que se da sólo cuando aquello que nos caracteriza como seres humanos es lo que esta en juego. Este conflicto es el centro de la película, es el que hace que Raquel sienta como sus hijos, aa quellos que no lo son, a pesar de estar unidos a ellos solo a través de una relación laboral. Esa perdida de los límites, ese quiebre, es la peor lesión que aqueja a Raquel, y a partir de este punto puede observarse como Silva compone una obra de carácter social sin sacrificar ni un ápice la dignidad del personaje. La situación de Raquel cambia con la llegada de Lucy, quien con su energía y simpatia hara que Raquel sea consciente de su situación, en una escena realmente memorable, donde la simpleza de su ejecución constrasta con la profunda compresión y empatia que esta en juego.

Cumpleaños de Robert Crumb

2009-08-30T08:58:00.000-07:00

Hoy, 30 de agosto, el genio retorcido y sexualmente maniaco de Robert Crumb cumple 66 años. Y cada día falta menos para que veamos su versión del génesis.

Parecidos razonables: Bass, Bissette -Totleben

2009-08-24T20:12:00.001-07:00

En primer lugar la primera página del número 21 de The saga of Swamp Thing, a cargo de Alan Moore en los guiones Steve Bissette y John Totleben en el arte. Sólo veintipocas páginas para hacer historia y apropiarse de un personaje dandole un giro radical, nunca más se ha visto algo así en el mainstream. Y abajo la imagen que inspiraria al equipo de Swampy, el arte de Saul Bass para Anatomía de un crimen de Otto Preminger, Bass marco una época en Hollywood dónde hacer afiches era todo un arte, no como ahora y esas babosadas echas en cinco minutos.

Teaser trailer de "Inception"

2009-08-24T19:38:00.000-07:00

Nada que decir, Cristopher Nolan es de mis directores favoritos, no me la pienso perder.

Tom Whalen

2009-08-23T12:45:00.000-07:00

Un afiche del Resplandor (The Shining) de Stanley Kubrick en manos de Tom Whalen

Tom Whalen es un ilustrador y diseñador de treinta y pocos años, con un estilo gráfico muy peculiar, que sigue la senda del constructivismo ruso y el bauhaus de Saul Bass, este último artista famoso por sus trabajos en la industria del cine al diseñar afiches o títulos para directores como Hitchcock (suyo es el conocidisimo afiche de Vértigo) u Otto Preminger. Whalen, amante de la cultura popular, se dedica a reinventar afiches y portadas, de películas y cómics, logrando hacer que las imágenes que son parte de la cultura de masas pasen por su particular estilo.

Cómics

Los Avengers (Los Vengadores): los héroes más poderosos de la tierra, creados y agrupados por Jack Kirby y Stan Lee, son parte de la edad de plata del cómic estadounidense.

Antes de llamarse Marvel, la editorial de cómics se llamo Timely, y su trabajo data de los años cuarenta. De esta época son personajes como Namor, Capitán América y la Antorcha Humana que en su momento tuvierón que darse una vuelta por Europa para "patear traseros nazis".

Cine

Más recordada por su esteticidad que por su calidad cinematografica, The Warriors de Walter Hill es una película setentera dónde una pandilla (Los warriors) que es injustamente acusada de asesinar a un lider de otra, debe retornar a Coney Island en una noche, mientras son perseguidos por otras bandas en busca de venganza. La traición y el viaje se unen en esta adaptación libre de la Anábasis de Jenofonte.

Army of Darkness (El ejercito de las sombras), continuación directa de Evil Dead II, antes de Spider - Man, Sam Raimi hizo sus primeras armas en el cine B, nuevamente esta peli es más recordada por su potencial iconografico, al estar ambientada en una suerte de bizarra edad media, que por su calidad cinematografica.
Dawn of the dead (El amanecer de los muertos) es la magistral segunda parte de la trílogia zombi clásica de George A. Romero, si no la has visto, ¡a que esperas! (nada de remakes)

Minibusts

Simon Pegg a la Shaun of the Dead

Marv de Sin City

Mike Myers de HalloweenThe Spirit de Will Eisner

Links

Tom Whalen en DevianArt
El blog de Tom Whalen

Shintaro Kago

2009-08-16T15:22:00.000-07:00

Portada de Super-conductives brain Parataxis

A simple vista las imágenes de Shintaro Kago (1969), autor de guro (al igual que Suehiro Maruo autor de La sonrisa del vampiro) son perturbadoras hasta la médula, puntillosamente desagradables; es imposible mantenerse incolume frente a su arte e historias. Por lo mismo es interesante adentrarse a su obra, el tipo no es una suerte de serial killer en potencia, o un coprofago-maniaco-sexual como más de alguno pensara al ver algunas imágenes de su trabajo. Muy por el contrario la visceralidad de su arte es la materialización de las obsesiones, locuras y esquizofrenias del mundo desarrollado, de un oriente brutalmente occidentalizado. Cuerpos desmenbrados, la mierda y los fluidos corporales expuestos sin el menor pudor son muestras de un arte sincero, porque ese grotesco llevado al límite de lo tolerable no es otra cosa sino el reflejo de un mundo para el que la desnudes ya no basta, como si el pornofilo ya no se excitara con un coito y tuviera que arrancarle la piel a la actriz.

Suicidios

El suicidio de un Chef

El suicidio de una abuela

El suicidio de Ultraman

El suicidio de un bombero

El suicidio de un mangaka

Páginas de Manga

Página de Abstraction

Páginas de Punctures

Sabido por todos es lo obsesivos que son los japoneses con sus metas profesionales y la competitividad, dudo que alguien no haya escuhcado el viejo mito de los universitarios que se cortan dedos. Pues en Punctures, la gente se hace agujeros para alejar cualquier malestar que los desvie de sus metas. Por ejemplo un personaje dice: "Retiré mi estomago, no quiero vivir más con el temor de una úlcera." (traducción de Dhrago)Página de The memories of others

Página de Disc

En Disc un médico vive obsesionado con los agujeros que ve al diseccionar los objetos más cotidianos, se me en problemas cuando empieza a lamer las partes de un joven.

Shintaro Kago, su estudio y su perrito. A que se lo imaginaban de otra forma.

"A decir verdad, no me gusta dibujar especialmente escenas de sexo, y si tuviera elección preferiria no hacerlo. Pero cuando dibujas para una revista erótica, como que no puedes evitarlo. De cualquier modo los temas que trato son bastante extremos, y la gente tiende a pensar que yo hago esas cosas en la vida privada, pero yo sólo estoy tratando de establecer una voz propia dentro de los límites de las reglas y principios que me han impuesto."
-Fragmento de una entrevista, puede leerse completo en este link de Entrecomics

Sadistic Circus

Links
-Página dónde Kago sube ilustraciones (esta en japones).
-En Samehat recopilan las ilustraciones de Kago.
-Descargarse 33 historias del blog de Dhrago
-Entrecomics tiene abundante material sobre Kago.

Tarantino, bastardos, cómics y "Big Jerry"

2009-08-15T11:12:00.000-07:00

Espero con ansías la nueva película de Tarantino, para ir calentando motores, desde Tarantinospain recojo un par de datos. El primero es que a través de Playboy se público una escena de la película a modo de cómic, el que fue ilustrado por R.M Guera responsable de la maravillosa SCALPED que esta haciendo de las suyas en el sello VERTIGO. La segunda es una frikada impagable, y es que entre las excentricidades de Tarantino esta fotografiar a los miembros del equipo cuando los pilla durmiendo, incluidos los actores, con un consolador gigante llamado "Big Jerry", algo que por supuesto no ha sido del gusto de todos.
Via/ Tarantinospain

"Enemigos Públicos": El hombre que mató a John Dillinger

2009-08-12T19:35:00.001-07:00

Julio, el mes por antonomasia de lluvias y diluvios ha sido, este año, uno de los más secos que recuerde. Algo que no tan sólo es aplicable a la meteorología, sino que además a lo que estrenos se refiere, si bien del año pasado solo recuerdo, por estas fechas, a Wall - E y el Batman de Nolan ambos filmes son de un nivel que dejaba a cualquier cinefilo duermiendo tranquilo cada fría noche de julio, e incluso podía pasar agosto de lo más bien. En fin tuvimos que esperar el mes del cachondeo gatuno para que la nueva película de Michael Mann aterrizara en las salas locales, y vienera a llenar ese vacío en nuestros corazones hechos de celuloide, que ya estaban con problemas de taquicardia por no tener un estreno del calibre del Dark Knight de Nolan, para que acompañe a la siempre fiel Pixar (que se hizo presente este año con la maravillosa Up) en las carteleras locales. Sin embargo hasta los más fieles al culto Manniano (entre quienes me cuento, en su rama menos ortodoxa) tenian sus dudas tras la frustación producida por el visionado de Miami Vice, película tecnicamente impoluta e irreprochable, dónde hasta el brillo de las carrocerías, el rugido de motores, los lentes de Jamie Foxx y los gestos de la musa de Zhang Yimou, Gong Li estaban friamente calculados. Sin embargo la exquisita estetización hacía la que se inclino Mann no fue suficiente y Miami Vice termino siendo una película carente de ritmo, pero por sobretodo de ambición, una bellisimo chasis frío como el acero. Y ahí fue cuando los miles (no digo millones, porque si fuerán millones el mundo sería un lugar mejor) de Mannianos temierón por la salud artística del maestro. Afortunadamente el maestro esta de regreso, como una chispa de luz, como un aliento salido de un cadaver, que no hay otra imagen posible para el mainstream hollywoodense. Así es lady´s and gentleman Michael Mann nos regala, sin duda alguna un filme robusto y lleno de riesgo, tanto en sus planteamientos de fondo, como en su puesta en escena, una película politicamente incorrecta protagonizada, por si fuera poco, por un soberbio Johnny Depp, que demuestra que no sólo con maquillaje la cosa anda bien.

Basada en el libro "Public Enemies" de Brian Burrough, el nuevo film de Mann narra el último año de vida de John Dillinger (Johnny Depp), atracador de bancos tan famoso como Al Capone en la época de la depresión. El Dillinger que nos presenta Mann es un tipo apasionado por la vida, que saca partido a cada segundo y se niega a la posibilidad de asociar su identidad con un rol preestablecido, bandido con tintes románticos que es capaz de comandar habilidosas fugas de la cárcel para rescatar a sus amigos, que sólo roba el dinero a los bancos, y hasta en los momentos más complejos le saca a vuelta al asesinato a sangre fría. El punto de inflexión esta dado por su archienemigo el agente Purvis encarnado por Christiane Bale, al que se le encarga dar caza a Dillinger como sea. La frialdad y nivel técnico de los métodos de Purvis encarnan un cambio de paradigma en la administración de la fuerza policial, de la rocambolesca relación entre policias y ladrones, donde las chapas de buenos y malos son bastante difusas observamos como el uso de tecnologías, el uso de los medios de comunicación masivos, sumado a metodos bastante sucios ponen las cosas en su lugar, poniendole punto final a las peripecias romanticas de Dillinger. Es la época de la depresión, el sistema se hace pedazos y las fuerzas de la ley y el orden necesitan un enemigo público número uno, una amenaza absoluta, un chivo expiatorio. En este sentido la película no tan sólo es la pasión de un gangster, sino que además, con un intachable rigor historico podemos presenciar como el búreau de Chicago se convierte en lo que conocemos actualmente como el FBI de la mano de Edgar J. Hoover. Claramente a Mann no le incomoda que ese cambio paradigmatico lo identifiquemos con la politica exterior norteamericana pre-Obama (hasta ahora podemos decir eso) que caracterizo a los gobernantes de las tierras del tío sam por más de medio siglo. Esta intención de Mann de hacer un film de época basado en hechos reales, de nuevo no tiene nada, y más aún cuando se alterna la historia con un personaje icónico, este recurso también lo usan los biopics (una cruzada personal se vuelve colectiva, o proyecta desde su singularidad un cmbio histórico). Sin embargo es innegable observar como el cine norteamericano esta pasando por una época refundacional, tras el periodo de Bush una camada de directores pertenecientes a diversos circuitos y generaciones se han metido con la historia para analizar en que momento se jodio todo, y no tan sólo eso, sino que además para buscar nuevos referentes contradiscursivos. De esta forma Enemigos Públicos se relaciona perfectamente con El Intercambio (The Changeling) de Clint Eastwood, mientras que por otra parte estan directores como Gus Van Sant y Steven Sodebergh, el primero con Milk y el segundo con su genial díptico sobre el Che (El argentino y Guerrilla). El valor y el vigor del último film de Mann reside precisamente en sintetizar estas perspectivas, porque no tan sólo es capaz de delinear una figura romántica de tintes fundacionales (como representate de una época perdida), que producto de su época se convierte en un vagabundo existencial, en Paul Belmondo en las películas de Godard, sino que además entra en la discusión historica que viene desarrollando Eastwood en varias de sus peliculas.A más de alguno le sono a locura la asociación hecha con Gus Van Sant y Steven Sodebergh, sin embargo la cuestión es más profunda de lo que parece, sobretodo si se observa con detención el apartado técnico de Enemigos Públicos. En la excelente Camino a la Perdición, Sam Mendez lleva al paroxismo la estética clásica del género dotando de un aire mitico impagable a la que hasta ahora es sin duda su mejor obra. Tras Camino a la Perdición, ya no se pueden hacer películas de gansters a la vieja usanza, y es que Mendez nos enseño cuan arraigada estaba la estetica sobre la mafia en nuestro inconsciente, estética que no es otra cosa que un constructo, una ilusión cinematografica bordada a través de decenios (y que también ha influenciado el comportamiento de mafiosos verdaderos, sino preguntenle a Roberto Saviano). Mann entiende a la perfección el mensaje, y filma su película casi exclusivamente en digital, a más de alguno le habrá chocado las escenas de acción filmadas camará al hombro, escenas confusas, calculadas, pero no estetizadas, escenas secas que parecen carentes de un proceso de posproducción; casi podemos oler la polvora de las metralletas. Mann, el maestro estilista se reinventa absolutamente y borda una película llena de angulos y planos incomodos, algunos que parecen imposibles, como en la huida de la cárcel, al principio. Al igual que los otros directores nombrados, Mann elige la fragmentación, elige narrar desde dentro entendiendo así que la historia es un producto fragmentado cuyo valor cambia dependiendo de donde obturemos, desde que punto miremos esta piedra multiforme, a riesgo de parecer poroso y deshilachado. Lo importante es que Michael Mann esta de vuelta, más arriesgado que nunca, nadie se lo puede perder, por mi parte recomiendo su visionado más de una vez.

The Host

2009-08-10T22:01:00.000-07:00

Jamás he sido buena recomendando películas, pero creo que mi deber ético, luego de haber visto The Host, es mínimo!!!! sentarme frente al pc y escupirles en la cara que me movió...

Estrenada en el 2007 y del director Bong Joon-ho, y protagonizada por Song Kang-ho (ya lo vimos en el señorito venganza, lo recuerdan?, el papá de la niña que muere ahogada en el río), Byeon Hee-bong, Park Hae-il, Bae Doona y Ko Ah-seong; The host aparenta ser una película, personalmente, poco creíble (y es que jamás me han atraído mucho los monstruos y todas esas vainas) sin embargo te encuentras con algo más que un ser extraño que habita en un río, te encuentras con una historia llena de terror, comedia y por sobre todo drama. Un sin fin de subtextos que acá no te voy a contar, pero te adelanto que esta no se trata de Alien, ni de Tiburón...

los efectos especiales, la puesta en escena y la notable y brutal combinación entre el drama y el humor lograron que al fin, una tipa simple como yo, enganchara de una vez por todas con el cine de monstruos acuáticos....

colapsé!!!!!!

Colapse conmigo y ponga atención, de las películas que en particular he visto, jamás había observado una con tanta premiación junta, según datos on line, la lista dice más o menos así, tome nota:

Annual Asian Film Awards (Festival Internacional de Cine de Hong Kong)
Mejor Película
Mejor Actor, Kang-ho Song
Mejor fotografía, Hyung-ku Kim
Mejores efectos especiales, The Host
Baek Sang Art Awards
Mejor película
Mejor actriz revelación, Ah-sung Ko
Fantasporto (Festival Internacional de Cine de Oporto)
Mejor Director, Joon-ho Bong
Festival de Cine Asia-Pacífico
Mejor montaje, Seon Min Kim
Mejor sonido, Tae-young Choi
Mejor actor de reparto, Hie-bong Byeon
Festival de Sitges
Mejores efectos especiales, unknown
Premio Orient Express, Joon-ho Bong
Grand Bell Award, Corea del Sur
Mejor director, Joon-ho Bong
Mejor montaje, Seon Min Kim
Premios Blue Dragon
Mejor película
Mejor actriz revelación, Ah-sung ko
Mejor actor de reparto, Hie-bong Byeon
Mejores Efectos Especiales
Premios de Cine de Corea
Mejor Película
Mejor director, Bong Joo-ho
Mejor fotografía, Hyung-ku Kim
Mejor iluminación, Lee Kang-seon
Mejores efectos especiales, The Host
Mejores efectos sonoros, Choi Tae-yeong
Festival de Cine de Jun Daejong
Mejor director, Joon-Ho Bong
Mejor montaje, Seon Min Kim
Nominaciones
Premios Empire, Reino Unido
Mejor película de terror
Festival de Cine de Jun Daejong
Mejor Película
Mejor actor, Song Kang-ho
Mejor actor de reparto, Hie-bong Byeon
Mejor actriz de reparto, Ah-Sung Ko
Mejores "Planificación", Choi Young Bae
Mejor fotografía, Hyung-ku Kim
Mejor iluminación, Lee Kan San y Jung Young Min
Mejores efectos especiales, The Orphanage, EON, Kwak Tae Young, Hwang Go Kyun y Kim Byung Ki
Mejores efectos sonoros, Lee Seung Chul, Choi Tae-yeong
Grand Bell Awards, Corea del Sur
Mejor Actor, Kang-ho Song
Mejor fotografía, Hyung-ku Kim
Mejor actor de reparto, Hie-bong Byeon
Mejor actriz de reparto, Ah-Sung Ko
Mejor película
Hong Kong film Awards
Mejor película asiática
Saturn Awards, USA
Mejor Película Internacional
Mejor interpretación by a Young Actor, Ah-Sung Ko

Si no le queda claro, puede acercarse a la página oficial: http://www.notrofilms.com/webthehost/

Finalmente dejo ante ustedes dos joyitas, la primera es el trailer de la película y la segunda una de las mejores escenas de ésta....

Si aún así, no le queda claro y si no colapsa como yo... amigo mío, busque en google algún tipo de tratameinto para seres intocables, cinéfilamente hablando.

Agradecimientos:
Pablete, nada que decir... muchas gracias otra vez

Bukowski al habla

2009-08-04T19:24:00.001-07:00

"No había esperanza. Toda mi vida había querido ser un escritor y ahora tenía mi oportunidad y no se me ocurria nada. No había corridas de toros ni combates de boxeo, ni jovénes señoritas. Ni siquiera había un conocimiento profundo de nada. Estaba jodido. No pude conseguir la palabra y me tirarón a una esquina. Bueno, todo lo que podía hacer era morirme. Pero siempre me lo habia imaginado distinto. Quiero decir, al escribir. Quizá fuera la película de Leslie Howard. O leer la biográfia de Hemingway o D.H. Lawrence. O Jeffers. Podías empezar a escribir de mil maneras diferentes. Y entonces escribias un poco. Y conocías a algunos escritores. Los buenos y los malos. Y todos tenían almas mecánicas. Te dabas cuenta en cuanto te metías en una habitación con ellos. Sólo había un gran escritor cada 500 años, y tu no eras él, y ellos ciertamente tampoco. Estabamos jodidos.""Como cualquiera podrá deciros, no soy un hombre muy agradable. No conozco esa palabra. Yo siempre he admirado al villano, al fuera de la ley, al hijo de perra. No aguantó al tipico chico bien afeitado, con su corbata y un buen trabajo. Me gustan los hombres desesperados, hombres con los dientes rotos y mentes rotas y destinos rotos. Me interesan. Están llenos de sorpresas y explosiones. También me gustan las mujeres viles, las perras borrachas, con las medias caídas y arrugadas y las caras pringosas de maquillaje barato. Me interesan más los pervertidos que los santos. Me encuentro bien con los marginados porque soy un marginado. No me gustan las leyes, ni morales, religiones o reglas. No me gusta ser modelado por la sociedad."

"La cosa era mantener cuatro paredes a tu alrededor. Si tenias cuatro paredes, tenías una oportunidad. En cuanto estuvieras en la calle, las oportunidades se irían al carajo, ellos te tendrían, te tendrían bien cogido. ¿Para que robar algo si no lo puedes cocinar? ¿Cómo te puedes follar a alguien si estas viviendo en un callejón? ¿Cómo te vaz a dormir si todo el mundo ronca en el albergue de la Misión? ¿Y se rompen tus zapatos? ¿Y huelen? ¿Y es insano? Ni siquiera puedes mear sin mojarte, ver sin tener que cerra los ojos o morirte sin sufrir. Necesitas cuatro paredes. Dadle a un hombre cuatro paredes y moverá el mundo."
"...mientras tanto yo me estaba sumergiendo en una especie de infierno personal. Estaba muy nervioso, son los nervios rotos-un pequeño ruido imprevisto me hacía brincar fuera de mi piel- Tenía miedo de ir a dormir: pesadilla tras pesadilla sacudían mi alma, cada una más terrible que la precedente. No pasaba nada si te ibas a dormir totalmente borracho, eso estaba bien, peros si te ibas a dormir medianamente borracho, o aún peor, sobrio, entonces los sueños comenzaban a atormentarte, y nunca estabas seguro de cuando estabas durmiendo y cuando la acción era real y en tu propia habitación; porque cuando dormias, soñabas la habitación entera, los platos sucios, los ratones, las paredes doblandose, el par de bragas cagadas que alguna puta había dejado olvidadas en el suelo, el grifo goteante, la luna allí fuera como una bola encendida, coches llenos de hombres sobrios y bien alimentados, anuncios luminosos atravesando tu ventana, todo, todo, estabas en una especia de esquina oscura, oscura y oscura, sin ayuda, sin razón, la razón pérdida y perdida, esquina oscura y sudorosa, la tiniebla extraviada, oscuridad e inmundicias, la realidad fétida, el olor de todas las cosas; arañas, ojos, caseras, aceras, bares, edificios, hierba y no hierba, luz y no luz, sin jámas pertenecerte nada. Nunca aparecián elefantes rosas en mis pesadillas, pero si montañas de hombres sonrientes hirviendo y esgrimiendo trucos salvajes, o feroces hombres gigantescos apareciendo como una tormenta brutal para estrangularte, o clavar sus dientes en tu garganta. O te quedabas tumbado de espaldas paralizado, sudando, con la mirada dilatada de dolor, con esta cosa negra, hedionda y peluda de baba verde subiendo arratrándose lentamente por tu cuerpo por tu cuerpo por tu cuerpo."Todas las citas fuerón extraidas del libro "Se busca una mujer" de Charles Bukowski
Imagen I, retrato de Charles Bukowski, II ilustración de Miguelatxo Prado, III ilustración de Enki Bilal, IV ilustración de James Jean, V ilustración de Enki Bilal. (Ilustraciones cortesía de Angux y la CARAVIÑETA.

Little miss sunshine

2009-08-02T20:58:00.000-07:00

Y que tal si todos empujamos para el mismo lado?

Y que tal si nos subimos al escenario al mismo tiempo?

Porque Little miss sunshine es algo más que una película con caracter y comedia.

La sórdida magia de John Constantine y un paseo carcelario.

2009-07-25T12:59:00.000-07:00

Por ahí, en ciertos lugares, en ciertos tiempos, he visto articular ciertos clichés. Nada hay para sorprenderse de ello, el cliché se caracteriza por su omnipresencia, podríamos afirmar: el cliché es Dios, Dios es un cliché. De Dios se dice que es eterno, inmutable, omnipresente, del chiclé podemos decir lo mismo. Por tanto, si Dios es el creador del mundo, podemos afirmar, siguiendo un razonamiento muy objetivo, que el cliclé es el creador del mundo. Nuestro mundo, nuestros conocimientos, nuestra historia, nuestra razón, es la repetición sin sentido, o quizá con mucho sentido, de un eterno cliché.
Así, amigos míos, en esta dulce noche de Julio, he descubierto que mi puta vida es un cliché, mis amigos son un cliché, mis luchas revolucionarias son un cliché. Ahora bien, como dicen muchos por ahí, el arte es la representación de la vida, es la imitación de lo real, lo tangible. Sí, mientras les hablo, comienzo a cerrar los espacios y tiempos, convirtiendo todo en un cliché. Les podría dar miles de ejemplos, de distintas categorías, pero quiero involucrarme con uno específico: la cárcel.
Unos de los clichés más grandes y precriptivos de nuestas vidas es la idea del orden: todo está predeterminado, fijado, de manera perfecta; el mundo como un lego, donde todo calza como debe calzar. Cuando algún hecho, algún sujeto, pone en peligro al orden, éste, ni tonto ni perezoso, se dedica a erradicar ese punto de caos. Es imposible que el orden se imponga eliminando al sujeto de desorden, si se elimina, se corre el riesgo de abrir la puerta ancha al caos, invitar a pasar a la destrucción; la violencia solo contiene más violencia. Por tanto, para eliminar al caos, no queda otro camino más que encerrarlo. Es para este objetivo que se ha creado la cárcel, lugar donde van a parar todos los sujetos que ponen en riesgo el orden social, los proscriptos de la sociedad: asesinos, violadores, ladrones, estafadores.
Ahora bien, al parecer, dentro de este espacio que contiene a sujetos portadores del caos, de violencia, paradójicamente y de manera muy lógica, también se establecen ciertas reglas, prescripciones, un orden. Hace poco llegó a mis manos un tomo de Hellblazer, Tiempos difíciles de Brian Azzarello y Richard Corben, para hablar de este tomo es que he articulado todas las palabras anteriores. Tiempos difíciles sitúa a John Constantine, tipo de la puta madre, en el espacio carcelario. A medida que avanzamos en la lectura de este tomo, vamos ingresando, de manera gradual, al espacio donde se encuentran los sujetos que han puesto en peligro el orden social. Como ya hemos dicho, en este espacio también se ha articulado cierto orden, una reduplicación casi perfecta del mundo exterior, reduplicación hecha cliché, donde el mundo carcelario reproduce lo que de él se espera; sujetos separados por razas, violencia contenida al límite, mentiras, hipocresías, la cárcel es lo que debe ser, como el mundo es lo que debe ser. He leído por ahí, en algunos lugares, que el dibujo de Richard Corben es lamentable, desagradable, no se puede estar más en lo correcto, pero, ojo, lo que hace Corben es reproducir de manera perfecta un mundo que, siempre, se ha presentado sórdido, desagradable. En este sentido el trabajo de Corben está en perfecta armonía con el trabajo de Azzarello, y con el cliché que tanto los reclusos como los sujetos del exterior se han esforzado en fijar.
No sería sorprendente que después de leer este tomo, los fanáticos de Prison break, reconozcan que su ficción es mucho más patética que un cliché sórdido y feísta. Ahora bien, sin duda, todo se congela, y si bien es cierto, que la negación por lo negativo, lo violento, lo sórdido, del ser humano, es un paso adelante, este paso tampoco debe ser detenido. Lo genial de Tiempos difíciles, además de su estética opresiva, violenta y de puta madre, es el recorrido que hace Constantine en el espacio carcelario. Si Dios creo a Constantine (todos saben a qué Dios me refiero), es imposible que éste sujeto pueda ser un ente anquilosado, y en esto radica el carisma del héroe (antihéroe, es casi la misma lesera), o deberíamos decir, la magia. La magia es el verdadero agente de caos, la verdadera arma asesina de sujetos congelados, el instrumento que articula la magia es la palabra, y si muchos han visto que mientras los hilos de Constantine fueron manejados por Azzarello se dejó de lado el carácter mágico de este sujeto es porque no han leído atentamente que la magia de Constantine, manejado por del autor de 100 balas, está en la palabra, en la ironía y la hipocresía, en la doble articulación del lenguaje. Así, un mundo que es cliché de otro cliché es imposible que se sostenga frente a la mutabilidad de la maiga, de allí que vemos las tribulaciones de los distintos sujetos de la fauna carcelaria frente a la imagen de "el inglés". De esto trata Tiempos difíciles, de la reproducción de un cliché que se ve enfrentado a otro cliché fuera de su espacio natural, porque la magia también es cliché cuando se le posiciona en ese mundo irreal, fantástico, imposible, pero que si se desprende de esta prescipción y da una vuelta por la cárcel, por ejemplo, es capaz de destruir de manera completa un orden, destruyendo un mundo que no permite otra cosa que la eterna reproducción de una regla, sobrederminando a los sujetos; no hay perdón ni reinserción. Por esto es que Constantine debe salir de la cárcel, porque destruye de la manera más sórdida a los sujetos proscriptos del orden, que éste mismo crea.
Tiempos difíciles es un excelente cómic, donde forma y fondo confluyen de manera exacta, el carácter sórdido y feísta presenta una mirada aguda que ve, y va, más allá del cliché, rearticulando a éste. No hay que negar la poderosa fuerza del cliché, prescriptivo y revolucionario, revolucionario cuando es articulado por la magia de la transformación.
Por cierto, me acordé demasiado de Oz, gran serie de HBO.

Diario de lectura: "Las películas de mi vida de Alberto Fuguet

2009-07-21T19:11:00.000-07:00

"Años después, en una clase de historia en el McArthur English School, me explicarón que Santiago fue fundada por el conquistador español Pedro de Valdivia, y pensé que tuve mucha suerte de haber vivido mis primeros años en un sitio colonizado por Frank Capra y James Stewart, y no por un grupo de españoles malolientes y resentidos que se escaparón de su tierra natal para ir a asesinar nativos y robarles su oro al otro lado del mundo" (1)

He leído muy poco a Alberto Fuguet, y de las pocas páginas que he consumido nada me ha gustado mucho, ese enfant terrible pasado al agua que es Matías Vicuña me aburrió sobremanera, ni que decir los cuentos de Sobredosis. A duras penas llegué al final de este último a pesar de su cortisima extensión. Tanto Mala Onda como su primer librillo de cuentos me parecierón obras mediocres que se conformaban con narrar la novedad, que hace rato dejo de serlo, de los excesos de los adolescentes y jovenes de clase alta. La prosa de Fuguet se ha desinflado conviertiendo lo que quizás en su momento fue un lenguaje altamente expresivo, de un tipo que adopto el castellano de manera putativa, como un disfraz, como una piel postiza; en un estilo períodistico, agotado por los referentes que tanto Fuguet como su generación adoptarón como sello distintivo (lo urbano v/s realismo mágico). Hace poco me aventure con Las películas de mi vida, animado por observar que relación establecia Fuguet entre las películas y lo narrado. Mi decepción fue mayúscula, porque aunque paresca increíble, porque la obra es altamente autobiografica lo que indica que uno espera encontrar experiencias altamente originales, sin embargo esta plagada de lugares comunes, lo que me lleva a preguntarme si en la vida existen las experiencias tópicas; es el primer beso, o el primer polvo una experiencia convertida en algo extraordinario por una maraña de convenciones sociales. Esta última idea tiene algo de peligro y de paranoia a partes iguales.

"Lo que vi después me impresionó aún más: Soylent Green se refería a las barritas nutritivas energéticas. La gente se alimenta de Soylent Red, Soylent Yellow y Soylent Green. Se supone que Soylent es una fusión entre lentejas y soya, pero al final Heston se entera de que Soylent se fábrica con los seres humanos que sobran, aquellos que son recogidos al azar por unos camiones basureros y llevados a depósitos gubernamentales dónde los cadáveres son procesados para convertirlos en alimento. [...] Yo no conocía Nueva York, pero el Santiago de 1974 se parecía al Manhattan decrépito del 2022" (2)

Las peliculas de mi vida se público el 2003 cuando su autor estaba ad portas de cumplir los fátidicos cuarenta años, motivo por el cual la obra se convierte en una suerte de revisión autobiográfica a través de un alter ego: Beltrán Soler, de la niñez, marcada por el exilio en California, la siempre dolorosa adolescencia y los pilares iniciaticos que lo convierten a uno en adulto. Como declarado admirador de Vargas Llosa, Fuguet se vale del marco discursivo de la monumental Conversación en la Catedral, en tal obra un joven , Zavalita, periodista que vive a salto de mata se encuentra con el antiguo chofer de su padre, el zambo Ambrosio se sientan a conversar en un bar llamado la Catedral recunstreyendo juntos los años del dictador Odría. En la novela de Fuguet, Beltrán Soler es un reconocido sismologo que se dirige a Tokyo, debe hacer escala en California, la tierra de su niñez. En el avión conoce a una joven profesional norteamericana, la que le despierta la nostalgia por aquellos tiempos de la infancia. Beltrán se queda más de lo presupuestado en California y aprovecha para escribirle un par de correos electronicos donde le habla de las películas de su vida (motivo que gatilla el título del libro, además de que Francois Truffaut tiene un libro con el mismo título), relacionando su afición al cine con su vida, a partir de capítulos ordenado de acuerdo a cada película. Por ende, la cita con la que abro la entrada es una declaración de principios, Fuguet al igual que una camada de autores vivió su niñez bajo la dictadura, por otra parte pertenecio a cierta élite chilena, que se identifica con los vencedores, sin embargo el núcleo de la obra es el desarraigo absoluto, Beltrán Soler se mueve entre California y Santiago, entre las tierras descubiertas por Capra y Valdivia, entre el inglés y el español. Este desarraigo, esta carencia de identificación convierte al cine en la geografía que le permite a Soler dar cuenta de sus huellas, de sus pasos en su camino de formación en su tránsito vital. ¿Pero que hay bajo las topografias de la imaginación? No hay otra cosa sino el peso de un país en dictadura, que majaderamente intenta constituir a la familia en el pilar fundamental: "No contar con alguien más que la familia termina por fisurar a la propia familia. Si uno ejerce toda la presión en una sola placa, ésta necesariamente va a ceder. No hay que ser un cientifico para saberlo. Eso fue lo que sucedió. La familia se se fisuró y la fractura terminó convirtiéndose en una falla." Esta es la segunda imagen dominante del texto, una imagen telúrica que caracteriza tanto a Santiago como a California, además el abuelo de Soler era sismologo, profesión que el mismo adopto, una imagen cuyo peso material contrasta con la aparente levedad del cine. Por otra parte que es el golpe de estado sino un terremoto, que es la adolescencia sino una cadena de sismos.

"La luz se apagó y, justo sobre los créditos de Abismo, vimos a Viviana Oporto volver a la sala y su polera seca se confundió con la polera mojada que se le pegaba a los inmensos y durísimos pezones de Jaqueline Bisset" (3)

Las películas estructuran y ordenan el texto, cada capítulo abre con una pequeña ficha del film que presenciaremos el capítulo. Lejos de ser un toque de dinámismo, este recurso osifica la obra, la convierte un monolito por dos motivos: el primero es que hay capítulos en que la presencia de la película es muy arbitraria, prácticamente obligatoria. En segundo lugar, para cualquier aficionado al cine la relación entre cine y experiencia se vuelve obvia, la relación entre lo visto y lo vivido es demasiado plana, relacionar el amor romántico con Melody de Waris Hussein, comparar el Manhattan futurista de Soylent Green (ver cita 2) con el Santiago gris de la dictadura es algo muy fácil, que tiene como consecuencia la clausura de las posibilidades expresivas de las imágenes, todo lo contrario ocurre con la imagen (demasiado) omnipresente del sismo. Fuguet subyuga la estructura de la obra y la experiencia del personaje al cine a través de un simplismo autocomplaciente, Beltrán Soler jamás confunde una escena o a un actor, su memoria cinefila es perfecta lo que termina por cosificar su experiencia, su transito vital su educación sentimanetal; Fuguet es víctima de sus propios referentes, no logra moldearlos, muy por el contrario estos lo superan convirtiendo una obra que alcanza una frescura y una vitalidad en ciertos pasajes, debido a la base autobiografica que posee, en una sarta de lugares comunes. Esto reciente mucho la obra, a tal punto que un momento clave pierde toda su fuerza expresiva, cuando el padre de Beltrán abandona a la familia, y este lo relaciona con Richard Dreyfus abandonando a su familia en (la insufrible) Encuentros cercanos del tercer tipo de Steven Spielberg (ver cita 4). Es triste admitirlo pero la obra de Fuguet es inconsciente de la cosificación que sufre, es inconsciente de ser presa de sus propios referentes, es un texto que termina momificado por la fuerza iconica del cine norteamericano. Los pezones de Jaqueline Bissete tras la Viviana Oporto (ver cita 3) no son otra cosa sino las señas de un erotismo deslavado, y moldeado por la cultura de masas.

"Una vez que los extraterrestres secuestran al niñito que cree que son juguetes, perdí las esperenzas de que apareciera de improviso. Al final Richard Dreyfuss se sube a la nave madre y abandona a sus hijos para irse al espacio exterior." (4)

¿De dónde sales Tarantino?

2009-07-18T14:07:00.000-07:00

Tarantino ofrece su opera prima como director en el año 1992, convirtiéndose en uno de los primeros directores en ofrecer una mezcla entre el spaghetti western, el pulp, el cine oriental e incluso algunos componentes estructurales del cómic como lo es la fotografía y las narraciones.

El Pulp nace gracias las publicaciones de revistas en los 60’ es una mezcla entre pop art y cine B (de bajo presupuesto), retoma la idea de los supervillanos, el terror, las fobias y los mezcla dejando un espectro grotesco.

Tanto el Pulp y el cómic tienen un punto en común el que se dan a niveles narrativos. El concepto de Pulp que ofrece Quentin Tarantino lo extrae desde el American Heritage Dictionary y dice que es una “novela que se acostumbraba publicar por partes en un periódico con sucesos y coincidencias muy dramáticos, sorprendentes e inverosímiles” (Tarantino, Pulp Fiction, 1994) lo mismo podría aplicarse a la figura del cómic, sin embargo a esta se le incorporan imágenes y o dibujos. El director de Pulp Fiction, lleva estos conceptos y los aplica en el cine, vemos como por primera vez una película se presenta por partes separadas, al parecer sin una línea definida, pero que en conjunto se presenta como la historia perfecta haciendo lo mismo en Jackie Brown, es por decirlo de forma literaria: Pulp Fiction es a Tarantino, como Rayuela a Cortázar. Pero lo que escapa de la definición que toma Tarantino, son otras características típicas del pulp, el pulp es un género que deriva de la novela negra y está cargado de temas como la violencia, las drogas, la sexualidad y la sangre. No dudamos que el director sepa de ellos, pues basta con establecer una pesquisa de su cinematografía para darnos cuenta que justamente es eso lo que menos falta a niveles visuales.

El spaghetti como subgénero del western estuvo de moda en las décadas de los años 60 y 70 de la mano de compañías de cine españolas e italianas. Esta clase de western hace gala de sus infinitos elementos significativos a lo largo de los niveles del lenguaje que presenta el cine. Frank Boaz en su investigación “El diálogo cinematográfico” rescata los niveles del lenguaje: el horizontal y el vertical estos tienen que ver con como es que viaja y es recibido el mensaje, si es acaso entre los personajes o entre el conjunto, la escena (incorporando ahí el diálogo, el escenario, la música, la forma en que la cámara capta un cuadro e incluso los colores) y el espectador. Como decíamos el spaghetti se encarga de ufanarse por su presencia en ambos niveles. Vemos como es que desde acá Tarantino toma la importancia de las relaciones entre los signos y la de los signos entre los usuarios.

El Western así como ofrece diálogos extensos, llenos de tensión, también nos convida una amplia gama de momentos llenos de silencios, pero cargados de significado, sin embargo esta modalidad no proviene ni nace de él. Podríamos remontarnos a las viejas películas de samuráis, donde el orientalismo deja de lado los largos discursos y da paso al deleite visual. Podremos entender más viendo una escena de Lady Snowblood[1], que tal vez escuchando y leyendo una escena de Django. No decimos que ambos tipos de películas excluyan la forma de trabajo, ya sea involucrándose más en el lenguaje verbal que en el visual, sólo decimos que están claramente marcadas por estas herramientas.

Dentro del cine oriental, una de las más grandes referencias que toma Tarantino es el cine Yakuza, subgénero encargado de temas de la mafia japonesa del siglo XVII. Todo parte de la historia samurai, individuos que trabajaban para el gobierno japonés y que en algún minuto son despedidos convirtiéndose en mercenarios que seguían haciendo sus trabajos para los individuos de la alta sociedad. Tenían, así, el control absoluto de los submundos y el margen social. Derivan de ellos ciertos códigos de honor como por ejemplo: el respeto por el clan familiar, fidelidad absoluta a éste, y un estritcto código de honor. Si se falla en ello las consecuencias van desde el corte del meñique a eliminar cabezas por un corte de Katana. Todos estos elementos son pesquisables en los filmes de Tarantino

En cuanto a temáticas, el wester y el cine oriental se conectan como ya decíamos en la justicia y honor. El honor y o la justicia son obtenido y llevados a cabo de diversas formas, Tarantino ocupa ambas. Veremos el corte de dedo en Four Rooms, lealtad al grupo en Reservoir dogs, pagar por traición en Kill Bill I y II, en ambas se observa de hecho la incorporación del clan Tanaka que eran parte de los Yakuza japoneses; control absoluto de la mafia en Pulp Fiction, trabajar para altos miembros de la mafia en Jackie Brown y también se le adjunta la traición.

Del western por su parte podremos darnos cuenta que no es casual que en Reservoir Dogs tome el modelo de justicia se haya extraído desde Django o en Kill Bill “la venganza es un plato que se sirve frío” sea más que un viejo adagio Klingon, como explica Quentin desde una cita de Viaje a las estrellas, película y ejemplo, que por cierto, provienen de lo más profundo del imaginario de la cultura oriental y del western. Tarantino toma la seriedad de estos temas y los maneja de impecable forma, articulando un discurso que se eleva del contenido en extremo serio, para posarlo en la multi significación que daría la ironía. Los actos de habla en las películas de Tarantino se dan con especial particularidad, son en gran mayoría a modo de enunciados irónicos. Esto se da gracias a que el director maneja ambos niveles del lenguaje cinematográfico, estableciendo una conexión obvia entre los personajes, pero al mismo tiempo asumiendo el compromiso de integrar al espectador a este juego verbal, completando así un juego de ironía a nivel verbal y situacional.

Tarantino ha de clasificar sus películas como acción, más que con drama ¿Cómo puede hacer eso si las características que mencionamos hacen de estas películas, a primera vista, un entramado dramático? Simple, el manejo del lenguaje. Ya decíamos que tarantino resuelve el tema de la extrema seriedad con el juego de los enunciados irónicos y por supuesto las situaciones irónicas.